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Montrer et raconter : La manière simple et rapide de faire la différence

On peut dire que la règle la plus importante de la fiction est le vieil adage “Show, don’t tell”, “Montrez, ne racontez pas”! Cela semble simple, n’est-ce pas ? Et pourtant, de nombreux auteurs inexpérimentés (et certains pas si inexpérimentés) se débattent avec ce principe fondamental de montrer et de raconter. Après tout, l’écriture n’est-elle pas toujours révélatrice ? Chaque mot que nous écrivons a pour but exprès de dire au lecteur ce qu’il est censé imaginer. N’est-ce pas ?

La réponse est simple : oui. La réponse pas si simple est oui et non. Personnellement, j’ai toujours pensé que l’aphorisme « montrer et raconter » était mauvais, simplement parce que, pour un écrivain, montrer et raconter les deux revient à la même chose : expliquer une histoire aux lecteurs.

Alors quelle est la différence ?

Montrer et raconter : L’explication succincte

Raconter, c’est résumer. Le récit donne aux lecteurs les faits bruts, avec peu ou pas d’illustration.

Montrer, c’est élaborer. Montrer donne aux lecteurs les détails d’une scène, notamment ce que le ou les personnages voient, entendent, touchent, goûtent, sentent, pensent et ressentent sur le plan émotionnel.

Montrer et raconter : La longue explication

Les différences entre montrer et raconter sont peut-être mieux reconnues dans les exemples concrets. Voici quelques bribes modifiées de mon roman de fantasy Dreamlander.

Raconter :

Orias a fui les soldats. Son cheval a sauté sur une branche d’arbre tombée. Il a entendu quelqu’un lui crier d’arrêter, et il s’est senti nerveux. Les soldats se sont arrêtés et ont pointé leurs fusils sur lui.

Montrer :

De l’arrière est venu le martèlement des sabots. Des branches d’arbre fouettaient le visage d’Orias et recouvraient sa selle de feuilles. Il grinça des dents, le visage plongé dans le grondement qui était devenu sa protection contre un monde injuste. Ils n’allaient pas l’attraper. Ils ne pouvaient pas l’attraper.

Il éperonnait les flancs ensanglantés de son cheval, et ses doigts le démangeaient d’atteindre le sabre gainé sur son dos. Son sang battait dans ses veines, pulsant contre la blancheur de sa peau, aiguisant ses réflexes, réduisant ses pensées à l’intensité d’un rasoir.

Son cheval fatigué trébucha, et les sabots derrière lui se rapprochèrent. Des voix crièrent : « Arrêtez maintenant ! Au nom de Mactalde, rendez vous ! »

Il cracha un serment et esquiva une autre branche d’arbre. Même le nom de l’homme – bien qu’il ait été mort pendant vingt ans – brûlait dans l’air comme une malédiction.

Les bruits de sabots ralentirent et s’estompèrent, surpassés par le bruit rapide des fusils qui s’élèvent pour viser et le clic des gachettes qui se verrouillent en place. Le sang d’Orias se figea dans ses veines.

La différence, bien sûr, est immédiatement perceptible. Le premier exemple donne au lecteur les faits nécessaires, mais le second donne vie à ces faits.

Et comment s’y prendre pour donner vie à ces faits nécessaires ? Ce n’est pas une question à laquelle on peut répondre en une ou deux phrases, simplement parce que toute la fiction est une question de spectacle. Chaque étape, chaque truc, chaque nuance de la fiction a pour but explicite de donner vie aux décors et aux personnages. Aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de montrer, tout simplement parce qu’aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de la fiction. La perfection dans ce domaine, comme dans tous les autres, est une chose que nous recherchons tous.

Par conséquent, la réponse évidente à notre question est simplement de continuer à perfectionner chaque domaine de votre métier. Si vous ne pouvez améliorer qu’un seul domaine mineur du développement de l’intrigue ou des personnages, vous aurez également amélioré votre maîtrise de la présentation. Cela dit, voici quelques suggestions plus précises pour vous concentrer sur ce battement de cœur du métier.

1. Se concentrer sur les sens

La façon la plus simple de donner vie à une scène est probablement de se concentrer sur l’un ou l’ensemble des cinq sens. Dites au lecteur ce que le personnage voit ou sent. Si votre scène se déroule au milieu d’une tempête de pluie estivale, mentionnez l’odeur de l’asphalte mouillé et le chatoiement du pétrole dans une flaque de boue.

Au lieu de vous contenter de dire que votre personnage est entré dans un magasin de fleurs – et de laisser au lecteur le soin de remplir les détails – montrez-nous ce que le personnage rencontre. Parlez-nous de la sonnerie de la cloche au-dessus de l’entrée, parlez des éclaboussures d’écarlate et de jaune, de l’air parfumé. Utilisez votre imagination, creusez profondément pour trouver des petits détails qui feront surgir la scène dans l’imagination du lecteur.

Mais n’allez pas trop loin dans vos descriptions. En particulier à l’époque où la télévision est omniprésente, la plupart des lecteurs ne sont pas assez patients pour feuilleter les pages de description (même si elles sont très réalistes). Vous devez plutôt sélectionner une poignée de détails importants et les disséminer dans votre action et votre dialogue.

2. Utilisez un langage vivant

La précision est le sang de la vie de la fiction. Vous pouvez écrire sur un personnage qui se promène dans la rue, mais à quel point est-il plus évocateur de parler de lui se traînant dans une ruelle ou se promenant dans l’allée ? Utilisez des verbes et des noms spécifiques, et choisissez avec goût uniquement les modificateurs qui partagent des faits importants.

Avant de conclure, je dois noter que le fait de raconter n’est pas sans importance dans la fiction. Il n’est pas nécessaire que chaque scène ou action soit entièrement dramatisée. Des scènes relativement peu importantes peuvent être résumées, des récapitulations d’informations (comme lorsque votre personnage raconte à un autre personnage des informations que le lecteur connaît déjà) peuvent être passées en revue, et des détails désagréables peuvent être évités.

Une fois que vous aurez pris l’habitude de peindre sur la toile plus large de l’exposition, vous constaterez que l’art de la fiction est plus illimité que vous ne l’auriez imaginé.

Donnez-moi votre avis : Qu’est-ce qui vous semble le plus difficile à montrer ?

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6 façons de créer un conflit captivant dans votre histoire

Qui dit que le conflit est une mauvaise chose ? Qui dit que la paix mondiale est l’objectif le plus important de l’humanité ? Qui dit qu’en se disputant avec son petit frère quand on est enfant, on risque de devenir un voyou mal élevé ?

Pas un écrivain, c’est sûr !

On peut dire que le principe le plus important de la fiction se résume à la phrase « pas de conflit, pas d’histoire ». Vous pouvez enfreindre toutes les règles du livre et avoir un sacré succès, à condition de ne pas oublier d’ajouter un soupçon de conflit dans votre histoire. Ou plutôt, une ou deux louches bien remplies.

Le principe est simple : la fiction a sa base même dans le conflit. Si les personnages principaux ne s’affrontent pas, s’il n’y a pas de guerre, si les extraterrestres se contentent de rester discrètement dans leur propre galaxie, alors nous n’avons pas vraiment d’histoire, n’est-ce pas ? Pensez-y. Si Elizabeth et M. Darcy s’étaient bien entendus dès le début, nous n’aurions jamais connu tout cet esprit fin et ce grésillement d’émotions et de retournements dans Orgueil et Préjugés. Si le Nord et le Sud avaient simplement réglé leurs différends par une poignée de main, Scarlett O’Hara n’aurait jamais eu besoin de s’échapper d’une Atlanta en feu dans Autant en emporte le vent. Et si les Martiens s’étaient occupés de leurs propres affaires sur Mars, Orson Welles n’aurait jamais pu entrer dans l’histoire en faisant flipper des milliers de personnes avec son émission de radio sur la Guerre des Mondes.

Alors comment fabriquer ce précieux ingrédient de l’histoire ? Heureusement, le conflit est en fait l’un des éléments les plus faciles (et les plus amusants) de l’histoire. En tant qu’êtres humains, nous connaissons tous un peu l’anarchie et le chaos, et il n’est pas si difficile d’emprunter un peu de ces éléments à la vie réelle et de les instiller dans la page. Mais juste au cas où vous vous sentiriez perplexe, voici quelques suggestions.

1. Créez des conflits de personnalités

C’est la façon la plus simple (et souvent la meilleure) d’introduire un peu de conflit dans votre histoire. Parce que l’interaction des personnages est toujours au cœur de toute histoire, ce sont les affrontements entre personnages qui produiront vos conflits les plus constants, et généralement les plus intéressants aussi. L’élément clé à retenir à propos des conflits entre personnages est qu’ils doivent s’affronter pour une raison réaliste. Les personnages qui s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire ne peuvent pas soudainement, sans raison apparente, exploser dans un combat à mains nues. Bien sûr, nous ne voulons probablement pas que nos personnages s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire (c’est ennuyeux, non ?). Nous essayons plutôt de créer des personnages qui vont naturellement se pousser les uns les autres. Et je ne parle pas seulement des confrontations entre les bons et les méchants. Assurez-vous que votre héros est entouré d’adversaires mineurs. Si au contraire vous vous retrouvez avec un personnage qui a tendance à se ranger du côté de votre personnage principal à chaque tournant, pimentez-le en y ajoutant une petite rébellion inattendue.

2. Mettez les personnages dans des situations inattendues

De nombreux récits se basent entièrement sur cette idée (pensez aux frères et sœurs Pevensie qui font des culbutes dans l’armoire de Narnia dans Le lion, la sorcière blanche et l’armoire magique de C.S. Lewis ou au jeune bourgeois Jim Graham envoyé dans un camp de prisonniers japonais dans l’Empire du Soleil de J.G. Ballard). Mais même si vous n’allez pas aussi loin, vous pouvez quand même profiter de l’inattendu en forçant votre personnage à vivre des situations et des relations qui vont à l’encontre de sa personnalité ou de ses inclinations. Si vous avez une héroïne qui est terrifiée à l’idée de parler en public, pourquoi ne pas la mettre dans une situation où elle n’a pas le choix ? Elle cédera sous la pression ou relèvera le défi. Dans les deux cas, le lecteur sera accroché.

3. Faites monter les enchères

Pendant un long moment, j’avais collé sur mon tableau d’affichage une note qui disait : « Penser aux dix pires choses qui pourraient arriver à votre personnage. » C’est un peu sadique, je sais. Mais les lecteurs ne sont pas intéressés par les histoires de personnages qui traversent la vie sans jamais rencontrer d’épreuves, de danger ou de tristesse. Déchirez vos personnages, mettez-les sous une pression atroce, et quand les choses semblent ne pas pouvoir être pires, assurez-vous qu’elles le soient.

4. Combinez les batailles intérieures et extérieures

Nancy Kress, dans son fantastique livre Beginnings, Middles & Ends, a parlé de la nécessité d’inclure les batailles intérieures et extérieures :

Chaque paragraphe de votre histoire doit atteindre deux objectifs : faire avancer l’histoire (l’intrigue), et développer vos personnages en tant qu’êtres humains réels, individuels, complexes et mémorables.

En d’autres termes, le conflit doit se produire non seulement à grande échelle dans le roman (qu’il s’agisse d’une crise familiale ou de la troisième guerre mondiale), mais aussi dans le petit théâtre de la vie intérieure du personnage. Chaque scène doit inclure la bataille extérieure (la réaction physique au conflit) et la bataille intérieure (la réaction psychologique et émotionnelle aux événements). Toute scène qui manque de l’une ou l’autre, se trouve au bord de la falaise de Pas assez de conflit.

5. Construisez jusqu’au point culminant

Bien qu’il soit vital que chaque scène contienne un certain niveau de conflit, il est également important de surveiller le déroulement général de ce conflit. Vous devez ouvrir votre récit avec suffisamment de conflits pour attirer l’attention du lecteur, puis continuer à construire sur ce conflit pour qu’il continue à lire. Mais vous ne voulez pas déverser le danger et la détresse de manière si intense au début de votre histoire que vous vous épuisiez avant la fin. En vous servant de l’anticipation narrative et de la tension, construisez votre conflit de façon régulière jusqu’au point culminant (le climax).

6. Maintenez l’équilibre

Les histoires sont une question d’équilibre. Un conte dans lequel il n’y a pas de conflit sera tout aussi ennuyeux que de voir la condensation se dissiper. Mais un conte qui ne s’arrête jamais pour laisser ses personnages (ou son lecteur) reprendre leur souffle est ennuyeux à sa manière. Nous devons trouver des moyens d’ajuster le niveau du conflit. Nous devons donner à nos personnages une chance de ralentir et de rassembler leurs pensées pour la prochaine attaque. Les histoires doivent être constituées de batailles à grande et à petite échelle. Mélangez les choses. Ajoutez une variété de conflits de toutes les couleurs, formes et tailles et laissez vos personnages et vos lecteurs deviner.

Oubliez ce que les experts de la paix (sans parler de votre mère) vous disent toujours, et rajoutez-en en termes de conflit dans votre histoire. Après tout, un peu de paix et de calme n’a jamais permis à un auteur de se retrouver nulle part.

Donnez-moi votre opinion : Quelle est la principale source de conflit dans votre histoire ?


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