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Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 6 : La première moitié du deuxième acte

Chaque segment d’une histoire offre ses propres défis, mais peut-être qu’aucun ne laisse les écrivains plus perplexes que le deuxième acte. Les débuts et les fins sont difficiles à cerner, mais au moins nous avons une liste de choses à accomplir. Le milieu de l’histoire, en revanche, est un vide béant. Nous avons l’impression d’être entièrement seuls alors que nous essayons de faire avancer nos personnages vers l’endroit où ils doivent se trouver pour que la fin fonctionne. Heureusement, si nous faisons attention à la structure de l’histoire, nous nous apercevons que le milieu de l’histoire a sa propre liste de contrôle.

Comme le deuxième acte sera la partie la plus importante de votre histoire, comprenant environ 50 %, je vais le décomposer en trois segments, que nous aborderons dans trois billets. Aujourd’hui, nous allons examiner la première moitié du deuxième acte, qui s’étendra de votre premier nœud dramatique majeur, à 25 %, à votre point médian, à 50 %. Cette première moitié du deuxième acte est celle où vos personnages trouvent le temps et l’espace pour réagir au premier nœud dramatique de l’intrigue. Vous vous souvenez que nous avons dit que le premier nœud dramatique de l’intrigue était définitif parce qu’il force le personnage à réagir de manière irréversible ? Cette réaction, qui entraînera une autre réaction et une autre et une autre, lance votre deuxième acte.

Quelle est la première moitié du deuxième acte ?

Ce premier nœud dramatique va frapper votre personnage de plein fouet. Sa vie ne suit plus le même chemin qu’auparavant et il doit faire quelque chose pour y remédier. Si nous regardons longuement et attentivement le premier tournant majeur d’un livre, nous nous rendons compte que c’est en fait la réaction du personnage à l’événement qui change tout et crée notre histoire. Même lorsque le premier nœud dramatique intègre une tragédie qui change la vie (comme le meurtre du deuxième fils de Benjamin Martin et l’incendie de sa plantation dans Le Patriote), les personnages pourraient en théorie continuer plus ou moins comme avant. C’est leur réaction (Martin devient le chef de milice « fantôme » qui terrorise l’armée britannique) qui permet à la chaîne d’événements de continuer – et de créer une histoire.

Pendant le prochain quart du livre, jusqu’au milieu, votre protagoniste va réagir aux événements du premier nœud dramatique. Il agit, mais toutes ses actions sont une réponse (sous une forme ou une autre) à ce qui lui est arrivé. Il essaie de retrouver son équilibre, de comprendre où sa vie est censée aller ensuite. Dans mon roman médiéval Behold the Dawn, les personnages passent cette partie du livre en fuite de l’évêque qui veut leur mort. Dans Le chemin des ombres de Brent Weeks, le protagoniste passe des années à réagir aux ordres de son maître. Dans Ben-Hur, le personnage principal est contraint de jouer un rôle à contre-courant, celui d’un esclave de galère, après avoir été injustement capturé et condamné dans le premier nœud dramatique.

Où se situe la première moitié du deuxième acte ?

La première moitié du deuxième acte commence immédiatement après le premier nœud dramatique. Votre personnage réagira aux événements du nœud dramatique de telle sorte qu’il ne pourra jamais revenir à la situation antérieure. La force antagoniste réagit et le personnage est à nouveau forcé de réagir. Le cycle se répète autant de fois et avec autant de variations que nécessaire jusqu’à ce que l’histoire atteigne le point médian.

Exemples tirés du cinéma et de la littérature

Une fois de plus, tournons-nous vers les maîtres pour découvrir comment la première moitié du deuxième acte doit être construite pour compliquer au mieux l’intrigue, faire progresser l’arc des personnages et continuer la lecture.

Orgueil et préjugés par Jane Austen (1813) :

Après que Bingley ait largué Jane et que lui, sa soeur et Darcy aient quitté Netherfield Park (le premier nœud dramatique), Lizzy et ses soeurs n’ont pas d’autre choix que de réagir. Jane va à Londres pour rendre visite à sa tante et essayer de découvrir pourquoi Bingley est parti. Lizzy, en l’absence de M. Wickham, rend une visite prolongée à son amie Charlotte (la nouvelle Mme Collins). Pendant son séjour, elle rencontre à nouveau Mr Darcy et est obligée de réagir aux attentions qu’il lui porte.

La vie est merveilleuse, réalisé par Frank Capra (1947) :

La vie de George aurait pu se dérouler exactement comme il le souhaitait, même après l’événement déclencheur qui a vu son père mourir d’une attaque cérébrale. Mais lorsqu’il réagit aux tentatives de M. Potter de fermer le Building & Loan en acceptant de rester à Bedford Falls et de prendre la place de son père, sa vie est changée à jamais. Pendant le quart suivant du film, nous trouvons George en train de s’adapter à la vie à Bedford Falls. Lorsque son frère Harry (qui était censé prendre la place de George dans le Building & Loan) se marie et prend un autre emploi, George est à nouveau forcé de réagir. Il se marie, sauve le Building & Loan pendant le grand crash et ouvre Bailey Park- toutes réactions qui s’appuient sur sa décision initiale
en vue de protéger le Building & Loan.

La stratégie d’Ender par Orson Scott Card (1977) :

Après avoir rejoint l’armée de la salamandre de Bonzo, Ender doit se battre pour rester à flot dans l’école de combat. Il apprend à se battre – et à gagner – dans les jeux de guerre à gravité zéro. Il se fait des amis et des ennemis et met en place les événements qui vont finalement provoquer l’impasse entre lui et Bonzo. Tout ce qu’il fait dans la première moitié du deuxième acte est une réaction à sa présence à l’École de combat, en général, et dans l’Armée de la salamandre, en particulier.

Master and Commander : De l’autre côté du monde, réalisé par Peter Weir (2004) :

Le capitaine Jack Aubrey et son équipage passent la première moitié du second acte à réagir à leur seconde observation de l’Achéron. Après avoir renversé la situation sur le navire ennemi, Jack le perd par la suite lors d’un tragique accident au Cap Horn et est obligé de trouver de nouveaux plans et de nouvelles façons de gérer son équipage jusqu’à ce qu’il atteigne les îles Galapagos – et le point médian.

Points-clés à noter

Maintenant que nous avons une bonne idée de ce qui devrait se passer pendant la première moitié du deuxième acte et que nous avons étudié comment d’excellentes histoires mettent ce segment à profit, que pouvons-nous glaner pour nos propres histoires ?

  1. Les personnages doivent réagir rapidement et fortement aux événements du premier grand point de l’intrigue.
  2. Comme leur vie et leurs projets ont été bouleversés (ou du moins considérablement modifiés), ils doivent trouver de nouvelles façons d’aborder le monde en général et la principale force antagoniste en particulier.
  3. Leurs réactions doivent être suffisamment profondes et variées pour remplir le prochain quart de l’histoire.
  4. Leurs réactions doivent être comme des dominos, faisant avancer l’intrigue et approfondissant la trame des scènes, des sous-intrigues et des thèmes.
  5. En général, c’est à ce moment que le personnage acquiert les compétences ou les objets nécessaires pour son combat final dans le troisième acte.

La première moitié du deuxième acte est le moment où vous approfondissez le développement de votre personnage et où vous présagez les éléments importants. Même dans les histoires où l’action est rapide, c’est la partie la plus lente et la plus réfléchie de votre histoire, car vous finissez de construire les fondations sur lesquelles vos personnages vont se tenir pendant l’apogée, le climax.

Restez à l’écoute : La prochaine fois, nous parlerons du point médian.

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Les secrets de la structure de l’histoire, partie 5 : événement déclencheur et événement clé

Le premier quart de votre histoire s’articule autour de deux moments importants et irréversibles : l’événement déclencheur et l’événement clé. J’ai gardé notre discussion sur les événements déclencheurs et les événements clés pour plus tard dans la série parce que ces événements peuvent avoir lieu à n’importe quel moment de la structure dont nous avons déjà parlé. Maintenant que nous avons une idée de l’accroche, du premier acte et du premier nœud dramatique de l’intrigue, nous pouvons voir plus clairement comment et où les événements déclencheurs et clés affectent ces moments.

Parfois, les événements clés et déclencheurs sont le même événement (l’arrivée du Grand Sébastien dans le plus grand spectacle sur Terre) ; parfois, ils se produisent l’un après l’autre (les enfants arrivant à Narnia par le biais du tableau et leur rencontre ultérieure avec Caspian dans L’Odyssée du Passeur d’Aurore) ; parfois l’intégralité du premier acte les sépare (l’arrivée des prisonniers dans le camp et le creusement du premier tunnel dans La grande évasion), et parfois l’un ou l’autre se produit avant même que l’histoire proprement dite ne commence (la guerre dans La servante écarlate de Margaret Atwood). La plupart des auteurs connaissent l’idée de l’événement déclencheur comme étant le moment où l’histoire commence « officiellement » et où la vie du personnage est changée à jamais. Cependant, nous trouvons beaucoup d’idées fausses qui circulent à propos de l’événement déclencheur, et beaucoup d’entre elles résultent du simple fait que l' »événement clé » est souvent complètement oublié.

Quels sont les événements clés et déclencheurs ?

Selon Syd Field, dans son livre légendaire intitulé « Scénario », « l’incident déclenche l’histoire … [tandis que] l’incident clé [est] le sujet de l’histoire et attire le personnage principal dans la trame de l’histoire« . Si nous devions envisager notre histoire comme une rangée de dominos, l’événement déclencheur serait le premier domino. Lorsque nous renversons ce domino particulier, nous mettons toute la ligne en mouvement. En général, l’événement déclencheur n’est pas difficile à trouver. C’est le moment qui change tout pour le personnage principal et le met sur la voie qu’il suivra pour le reste de l’histoire. Pas besoin d’être trop précis à ce sujet. Il est évident que chaque événement de la vie est lié à un événement qui l’a précédé. Si le personnage n’était pas né (et si ses parents ne s’étaient pas rencontrés, et si leurs parents ne s’étaient pas rencontrés), il ne poursuivrait certainement pas son aventure actuelle. Mais à moins que vous n’écriviez le prochain David Copperfield, sa naissance ou le mariage de ses grands-parents ne seront probablement pas votre événement déclencheur. Cherchez plus près de chez vous l’événement qui influence directement l’intrigue.

Bien que l’événement déclencheur et l’événement clé puissent parfois être la même chose, ils sont généralement distincts. L’événement déclencheur est le moment où le personnage est engagé par l’événement déclencheur. Par exemple, dans la plupart des romans policiers, l’événement déclencheur (le crime) se déroule en dehors du personnage principal, qui n’est pas impliqué avant l’événement clé, lorsqu’il prend en charge l’affaire. L’événement clé est la colle qui colle le personnage à l’impulsion de l’événement déclencheur.

Repérage des événements déclencheurs et des événements clés Infographique

(Présenté dans le cahier de travail « Structurer votre roman »).

Quelle est la place des événements clés et déclencheurs ?

En général, on trouve deux écoles de pensée sur le lieu approprié pour l’événement déclencheur. Soit il est censé se trouver dans l’accroche du premier chapitre, sans exception, soit il est censé être le premier nœud dramatique à la marque des 25%, sans exception. J’ai adhéré à ces deux philosophies à un moment ou à un autre de ma carrière, et je les trouve aujourd’hui toutes deux beaucoup trop dogmatiques. L’accroche et le premier point de l’intrigue doivent se situer à l’endroit prévu, quel que soit l’endroit où se produit l’événement déclencheur. Souvent, l’événement déclencheur est l’accroche ; souvent, c’est le premier nœud dramatique ; et souvent, il se situe quelque part entre les deux. L’important n’est pas tant de fixer l’événement déclencheur à un endroit précis de l’histoire que de présenter l’événement déclencheur au moment optimal. Parfois, cela signifie qu’il faut lancer l’événement déclencheur au lecteur tout de suite, et parfois qu’il faut attendre pour lui donner le plus gros coup pour son argent au quart de tour.

L’événement clé a presque toujours lieu après l’événement déclencheur, puisque son rôle est de s’appuyer sur l’événement déclencheur et de faire en sorte que le personnage principal ne puisse pas s’en détourner. Plus vous placez votre événement déclencheur tôt dans l’histoire, plus vous aurez de temps pour travailler sur votre événement clé. Mais si l’événement déclencheur ne se produit pas avant le dernier point (le premier point important de l’intrigue au quart de point), alors l’événement clé doit se produire rapidement après.

Exemples tirés du cinéma et de la littérature

Le meilleur moyen de se faire une idée des différences entre l’événement déclencheur et l’événement clé, ainsi que de la place qu’ils occupent l’un par rapport à l’autre, est de les étudier en action dans les œuvres des pros. Examinons les livres et les films que nous avons choisis.

Orgueil et préjugés de Jane Austen (1813) :

L’arrivée des Bingley et de Darcy à Meryton est l’événement déclencheur qui déclenche la chaîne des événements qui se déplacent de façon irréversible. Mais le personnage principal, Lizzy, ne s’implique pas dans l’événement déclencheur jusqu’à ce qu’elle rencontre et soit rejetée par Darcy lors du bal de l’assemblée de Meryton. C’est l’événement clé.

La vie est belle, réalisée par Frank Capra (1947) :

Ce film classique utilise l’intégralité de son premier acte pour présenter et construire ses personnages en toute tranquillité. L’événement déclencheur ne se produit qu’au moment où le père de George meurt d’un accident vasculaire cérébral. C’est ce moment qui change à jamais la vie de George et qui met en branle les points suivants de l’intrigue. Mais avant que George ne prenne la décision de remplacer son père en tant que secrétaire exécutif du Bailey Brothers’ Building and Loan, il aurait pu s’en aller à tout moment. Sa décision de rester à Bedford Falls constitue l’événement clé car elle l’engage officiellement dans le complot.

La stratégie Ender d’Orson Scott Card (1977) :

L’événement déclencheur de l’intrigue de ce classique de la science-fiction est l’invasion des extraterrestres formiques quatre-vingts ans plus tôt. Sans cette invasion, Ender (en tant que troisième enfant) n’aurait même pas été autorisé à naître. Cet événement se produit bien avant le début du livre et n’est abordé que rétrospectivement. L’événement clé qui attire Ender de façon irrévocable dans la bataille est sa réponse brutalement efficace à la brute Stilson, qui incite le colonel Graff et le Service Sélectif de la Flotte Internationale à réquisitionner Ender comme élève de l’École de Guerre.

Master and commander : De l’autre côté du monde, réalisé par Peter Weir (2004) :

Ici encore, on retrouve l’événement déclencheur qui se déroule avant le début du film. Après le générique de début, les spectateurs sont informés que l’Amirauté britannique a donné l’ordre au capitaine Jack Aubrey d’intercepter « le corsaire français Acheron en route vers le Pacifique, avec l’intention de mener la guerre dans ces eaux… Couler, brûler, ou le prendre comme prix ». Mais ce n’est qu’au moment où l’Achéron attaque le HMS Surprise, dans la séquence d’ouverture, que les personnages se retrouvent inextricablement mêlés aux événements de l’intrigue.

Points-clés à retenir

En étudiant le placement, l’utilisation et la relation des événements déclencheurs et clés de nos exemples, que pouvons-nous apprendre sur l’intégration de ces moments importants de l’histoire dans nos propres livres ?

  1. Les événements déclencheurs et clés doivent avoir lieu dans le premier quart du livre, probablement soit au début du chapitre ou au premier point important de l’intrigue, mais nous sommes libres de choisir le moment le plus approprié à nos histoires.
  2. L’événement déclencheur met en branle la ligne des dominos de l’intrigue.
  3. L’événement clé attire le personnage principal dans cette intrigue.
  4. L’événement clé suit presque toujours l’événement déclencheur.
  5. Parfois, l’événement déclencheur peut avoir lieu avant le chapitre de départ, mais, pour un effet maximum, l’événement clé doit se dérouler dans le cadre de l’histoire elle-même, afin que le lecteur puisse en faire l’expérience.

La relation intégrale entre l’événement déclencheur et l’événement clé sera le moteur de toute votre histoire. Ne vous contentez pas de la combinaison la plus puissante et la plus mémorable que vous puissiez trouver. Placez-les stratégiquement dans le premier quart de l’histoire et utilisez-les pour engager votre lecteur tout aussi irrémédiablement que vous le faites avec votre personnage principal.

Restez à l’écoute : La prochaine fois, nous parlerons de la première moitié du deuxième acte.

Donnez-moi votre avis : Pouvez-vous choisir les événements déclencheurs et clés de votre travail en cours ?

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Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 4 : Le premier nœud dramatique

Les histoires sont une série de scènes. Certaines de ces scènes sont attendues, d’autres sont même volontairement répétitives pour mettre l’accent. Mais certaines scènes changent tout. Ces événements qui changent la donne sont les nœuds dramatiques. Ils introduisent des éléments et des événements significatifs qui modifient le cours ultérieur de l’histoire. Votre histoire peut comporter un nombre indéterminé de points d’intrigue, certains relativement mineurs, d’autres scandaleusement énormes (les nœuds dramatiques). Les nœuds dramatiques sont ce qui permet à votre histoire de continuer à avancer. Ils mélangent les choses, gardent le conflit vivant et éloignent votre personnage de toute possibilité de stagnation.

Le premier nœud dramatique (qui se situe autour de la barre des 25% de votre histoire) est un peu mal nommé, car votre histoire peut avoir un nombre quelconque de points d’intrigue dans le premier quart de l’histoire. Par exemple, dans le film Changeling, nous avons plusieurs points d’intrigue cataclysmiques (dont l’enlèvement du fils de l’héroïne, le retour du mauvais garçon et l’insistance du service de police pour qu’elle accepte quand même l’enfant) avant sa décision, au quart de l’histoire, de lutter contre le service de police corrompu. Nous verrons ensuite ce qui différencie le nœud dramatique à 25 % de tous ceux qui l’ont précédé.

Quel est le premier nœud dramatique ?

Le premier grand nœud dramatique change tout. C’est le point de non-retour pour vos personnages. Souvent, ce moment de l’intrigue sera l’événement marquant. Le premier point d’intrigue est le moment où la mise en place se termine et où votre personnage traverse son Rubicon personnel. Mais ce n’est pas seulement un événement qui lui arrive (comme l’enlèvement du fils de l’héroïne dans Changeling). Il s’agit d’un événement qui soit intègre, soit est directement suivi par la réaction forte et irrévocable du personnage (par exemple, la décision de l’héroïne de Changeling de riposter contre la police). Nous discuterons de cette réaction plus en détail dans un prochain article.

Où se situe le premier nœud dramatique ?

Le premier nœud dramatique de l’intrigue marque la fin du premier acte, et la réaction du personnage à ce nœud marque le début du second. Dans un sens, le premier nœud dramatique est le point culminant du premier acte et, en tant que tel, il devrait être placé approximativement autour de la barre des 20-25%. En général, le placement exact des nœuds de l’intrigue dans un roman permet une plus grande flexibilité que ce que l’on trouve dans un film. Si vous êtes attentif pendant que vous regardez un film, vous pouvez chronométrer les principaux nœuds de l’intrigue à la minute près (ce qui fait du film un support particulièrement précieux pour étudier la structure, puisque nous pouvons voir toute la structure de l’histoire en une seule séance et identifier les nœuds de l’intrigue avec précision en divisant le temps total de déroulement en quarts).

Quelle est donc la raison de ce placement apparemment arbitraire du premier nœud dramatique ? Pourquoi la marque de 25% et non celle de 10% ou 40% ? Tout simplement parce que c’est le moment où le sens inné de l’histoire humaine du lecteur lui dit que quelque chose de grand est censé se produire. Si vous avez déjà regardé ou lu une histoire mal ficelée qui a sauté ou retardé le premier nœud dramatique, vous avez probablement senti instinctivement que l’histoire traînait. Il est probable que vous vous êtes ennuyé et que vous vous êtes levé pour faire autre chose sans avoir fini l’histoire. Pas de premier nœud dramatique signifie qu’aucun tournant ne se produit, ce qui signifie que le premier acte traîne trop longtemps ou, à l’inverse, si le premier nœud dramatique a lieu trop tôt, le deuxième acte traîne.

Exemples tirés du cinéma et de la littérature

Le premier nœud dramatique est l’un des moments les plus dynamiques de toute histoire, à la fois l’un des plus faciles à repérer et l’un des plus passionnants à étudier. Voyons donc ce qui se passe autour de la barre des 25 % dans nos quatre exemples de récits.

Orgueil et préjugés par Jane Austen (1813) :

Après le bal de Netherfield Park, Darcy et Caroline Bingley convainquent Bingley de retourner à Londres et d’oublier son affection croissante pour Jane. Beaucoup de choses se sont passées dans l’histoire jusqu’à présent. Lydia et Kitty sont devenues amoureuses de la milice. Wickham a retourné Lizzy contre Darcy. Jane et Lizzy ont séjourné à Netherfield pendant la convalescence de Jane. Et M. Collins a fait sa demande à Lizzy. Mais tout change à 25% quand Darcy et les Bingley partent. C’est l’événement qui brise le coeur de Jane et qui met Lizzy en colère contre Darcy. Les motivations et les réactions des personnages mis à part, cela change également le paysage de l’histoire, puisque plusieurs personnages importants ne sont plus dans le coin pour que les Bennett puissent interagir avec eux comme ils l’ont fait tout au long du premier quart du livre.

La vie est belle, réalisé par Frank Capra (1947) :

Tout au long du premier quart de l’histoire, les projets de George Bailey pour sa vie ont progressé sans interruption. Malgré ses diverses mésaventures à Bedford Falls, il est sur la voie rapide de vacances européennes et d’une formation universitaire. Puis le premier nœud dramatique est atteint, et sa vie est changée à jamais. Lorsque son père meurt d’un accident vasculaire cérébral, les plans de George sont anéantis. Comme dans Orgueil et préjugés, les normes qui ont déjà été établies dans l’histoire sont radicalement modifiées. Il ne s’agit plus de l’histoire d’un jeune homme insouciant en roue libre dans la ville. À partir de maintenant, c’est l’histoire d’un homme forcé de prendre des responsabilités en travaillant au Bailey Brothers’ Building & Loan.

La Stratégie Ender d’Orson Scott Card (1977) :

La marque du premier quart de La Stragéie Ender, c’est quand Ender est promue de son premier groupe à l’Armée de la Salamandre après une confrontation victorieuse avec le tyran Bernard. Outre l’affirmation personnelle de l’intelligence, de la ténacité et des qualités de chef d’Ender, avec laquelle il revendique sa place à la Battle School et fait comprendre à lui-même, aux autres enfants et aux instructeurs qu’il fera tout ce qui est en son pouvoir pour survivre, ce premier grand nœud dramatique change également le jeu (sans jeu de mots !) en déplaçant une fois de plus Ender dans un nouvel environnement. En tant que membre de l’armée de la Salamandre, il est plongé dans un nouvel endroit, une nouvelle couche sociale et une nouvelle série de défis.

Master & Commande : de l’autre côté du monde, réalisé par Peter Weir (2004) :

Après avoir réaménagé le Surprise et repris la mer pour chercher son adversaire, le corsaire français Acheron, le capitaine Jack Aubrey est confiant que tout se passera comme prévu. Mais il (et les téléspectateurs) sont déstabilisés par le premier nœud dramatique. Au lieu que le Surprise trouve l’Achéron, le capitaine se réveille brusquement pour découvrir l’ennemi qui se dirige vers son navire beaucoup plus petit. Soudain, non seulement il n’est pas assuré d’une victoire facile – ou de n’importe quelle victoire, d’ailleurs – mais il court également le risque d’être capturé, lui et son équipage. Ils se précipitent pour s’échapper, et le jeu du chat et de la souris qui constituera le reste du film commence sérieusement.

Points-clés à noter

Que nous apprennent donc les nœuds dramatiques de ces livres et de ces films ?

  1. Le premier nœud dramatique se situe presque à la limite des 25% (Orgueil et préjugés est le seul à avoir été en retard, et même alors il n’était que de quelques pages).
  2. Le premier nœud dramatique est un événement qui change tout et devient un tournant personnel pour le personnage principal.
  3. Le premier nœud dramatique change presque toujours l’histoire de façon si irrévocable que même l’environnement du personnage (soit le cadre physique, soit la distribution des personnages de soutien) se modifie.
  4. Le premier nœud dramatique est une chose à laquelle le personnage principal doit être capable de réagir fortement et irrémédiablement.

Le premier nœud dramatique est l’un des moments les plus passionnants de toute histoire. Mettez le à profit autant que possible dans votre histoire! Choisissez un événement fort et cataclysmique auquel votre personnage n’a pas d’autre choix que de réagir avec tout ce qu’il a. Frappez si fort les lecteurs à la fin du premier acte qu’ils ne penseront même pas à fermer le livre.

Restez à l’écoute : La semaine prochaine, nous parlerons de l’événement déclencheur et de l’événement clé.

Donnez-moi votre avis : Que se passe-t-il à votre premier nœud dramatique ?

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Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 3 : Le premier acte

Une fois que vous avez accroché le lecteur, votre prochaine tâche consiste à mettre en pratique vos premiers chapitres en présentant vos personnages, vos environnements et vos enjeux. Les premiers 20 à 25 % du livre constituent votre installation. À première vue, cela peut sembler une énorme partie de l’histoire à consacrer aux introductions, mais si vous attendez des lecteurs qu’ils restent avec vous tout au long de l’histoire, vous devez d’abord leur donner une raison de s’intéresser à vous. Et c’est précisément dans cette partie importante de l’histoire que vous y parvenez. La simple curiosité ne peut pas mener un lecteur bien loin. Une fois que vous avez éveillé cette curiosité, vous devez approfondir l’attrait en créant un lien émotionnel entre vos lecteurs et vos personnages.

Ces « introductions » ne se limitent pas au moment où vous présentez les personnages et les décors ou que vous expliquez les enjeux. Les introductions elles-mêmes ne prendront probablement pas plus que quelques scènes. C’est après l’introduction que commence réellement votre tâche d’exploration des personnages et d’établissement des enjeux.

Que sont les présentations des personnages, des environnements et des enjeux ?

Le premier quart du livre (le premier acte) est l’endroit où vous rassemblez tous les éléments nécessaires à votre histoire. Le célèbre conseil d’Anton Tchekhov selon lequel « si dans le premier acte vous avez accroché un pistolet au mur, alors par la suite il faut tirer » est tout aussi important à l’envers : Si vous voulez qu’un personnage tire avec un pistolet plus tard dans le livre, ce pistolet doit être introduit dans le premier acte. L’histoire que vous créez dans les actes suivants ne peut être assemblée qu’à partir des éléments que vous avez montrés au lecteur dans ce premier acte. C’est votre première tâche dans cette section.

Votre deuxième devoir est de donner aux lecteurs la possibilité d’apprendre à connaître vos personnages. Qui sont ces personnes ? Quelle est l’essence de leur personnalité ? Quelles sont leurs croyances fondamentales (plus particulièrement encore, quelles sont les croyances qui seront remises en question ou renforcées tout au long du livre) ? Si vous pouvez introduire un personnage dans un « moment caractéristique », vous pourrez immédiatement montrer aux lecteurs qui est cette personne. A partir de là, l’intrigue se construit au fur et à mesure que vous approfondissez les enjeux et que vous mettez en place le conflit qui va s’exacerber dans les événements clés et incitatifs.

À quoi servent les introductions ?

Les introductions devraient idéalement commencer dans le chapitre d’ouverture. En fonction du nombre de personnages ou de la complexité de votre décor, vous voudrez probablement répartir les introductions sur plusieurs scènes initiales. La chose la plus importante à garder à l’esprit est la nécessité de donner aux personnages suffisamment d’espace dans ces premiers chapitres pour que vous puissiez vous concentrer sur leur développement. Cela ne veut pas dire que l’intrigue doit être lente ou sinueuse. Chaque scène doit être pertinente pour l’intrigue ; chaque scène doit être un domino qui fait avancer les personnages jusqu’au point de non-retour. Mais n’entassez pas tellement d’action dans ces premières scènes que vous perdriez l’occasion d’étoffer les personnages avant que les balles ne se mettent vraiment à voler plus tard.

Exemples tirés du cinéma et de la littérature

Examinons comment les auteurs et les réalisateurs de nos quatre histoires exemplaires ont profité de leur premier acte.

Orgueil et préjugés de Jane Austen (1813)

Austen présente les personnages, les décors et les enjeux, tous les trois, dans la toute première scène. En dix pages, nous avons été présentés à tous les personnages principaux, on nous a donné à comprendre le décor et on nous a montré ce qui est en jeu pour les filles Bennett si l’une d’entre elles ne peut pas prendre au piège M. Bingley à son insu. Lorsque nous avons atteint le premier point important de l’intrigue, nous avons appris à connaître les sœurs. La beauté et la douceur qui permettront à Jane de trouver un mari, l’indépendance et les opinions bien arrêtées avec lesquelles Lizzy mène le conflit, et l’irresponsabilité de la plus jeune des filles, Lydia, sont toutes en place et prêtes à être utilisées plus tard dans l’histoire. Nous avons également fait connaissance avec les Bingley, Darcy et Wickham. Avant la fin du premier acte, Bingley est amoureux de Jane, et Lizzy a décidé de ne pas aimer Darcy, deux facteurs qui vont influencer l’ensemble de l’histoire.

La vie est belle réalisé par Frank Capra (1947)

Le premier quart de ce film classique est entièrement, ouvertement et magnifiquement consacré au développement des personnages. Sous le couvert d’expliquer George Bailey à l’ange novice Clarence, les anges en chef nous montrent tous les moments importants de la jeune vie de George Bailey. Nous le voyons enfant, sauvant la vie de son petit frère, perdant l’ouïe d’une oreille et empêchant le vieux M. Gower d’empoisonner accidentellement un client. Nous l’apercevons jeune homme, planifiant sa fuite des « minables » chutes de Bedford, alors même qu’il commence à tomber amoureux de la charmante Mary Hatch. Au moment où l’événement déclencheur se produit, nous connaissons George Bailey sur le bout des doigts. Nous avons fait connaissance avec les chutes de Bedford et ses habitants hauts en couleur. Et nous avons appris les enjeux de la bouche du père de George, qui explique l’importance du Bailey Building & Loan pour donner aux gens un refuge contre le méchant Old Man Potter.

La Stratégie Ender d’Orson Scott Card (1977)

Card utilise son premier acte pour établir son cadre, l’école de combat orbitale, où de jeunes enfants brillants sont envoyés pour s’entraîner afin de repousser une invasion extraterrestre. Nous découvrons ce lieu étrange et brutal à travers les yeux du personnage principal, Ender Wiggin, qui est un nouvel arrivant, et, ce faisant, nous apprenons aussi à connaître Ender. Nous voyons sa détermination, sa gentillesse, mais aussi son caractère impitoyable sous-jacent, qui deviendra finalement l’élément autour duquel toute l’intrigue doit tourner. La quasi-totalité des principaux personnages secondaires sont présentés, et le lecteur voit immédiatement quel est l’enjeu, non seulement pour la race humaine, mais aussi pour Ender, s’il ne surmonte pas le handicap de son extrême jeunesse afin de s’épanouir dans ce lieu.

Master and Commander : De l’autre côté du monde, réalisé par Peter Weir (2004)

Après les premiers assauts de la furieuse bataille d’ouverture, Weir ralentit considérablement son film pour permettre aux spectateurs de faire connaissance avec les personnages principaux – le capitaine et le chirurgien – et les quelques dizaines de personnages secondaires, issus de l’équipage. La bataille d’ouverture nous a déjà montré que les enjeux étaient importants, mais les réactions des personnages, notamment le désir intense du capitaine de remettre le navire en état et de réengager l’ennemi, nous aident à comprendre pourquoi ils se battent et ce qui se passera s’ils échouent. Alors que l’équipage s’efforce de réparer les dommages causés par le combat, nous avons également une vue intérieure du navire lui-même, qui jouera un rôle irremplaçable tout au long du reste de l’histoire.

Points-clés à noter

Que pouvons-nous donc apprendre de ces premiers actes magistraux ?

  1. Si l’accroche a fait son travail, vous pouvez sans risque ralentir suffisamment l’action pour introduire et approfondir vos personnages de manière réfléchie.
  2. Les points saillants de la personnalité, les motivations et les croyances des personnages doivent tous être développés.
  3. Les points pertinents de l’environnement doivent être étoffés, afin que vous n’ayez pas à ralentir dans le deuxième acte pour expliquer les choses. Les lecteurs devraient déjà être orientés vers le premier nœud dramatique.
  4. Le fait même que les lecteurs développent un lien avec les personnages augmente l’enjeu. Faites passer le message en expliquant clairement ce que les personnages (et donc les lecteurs) risquent de perdre dans le conflit à venir.
  5. Veillez à ce que chaque scène soit importante. Chaque scène doit être un domino qui frappe dans le domino/scène suivant, se construisant inexorablement jusqu’au premier nœud dramatique.

Le premier quart du livre constitue la base de toute votre histoire. Une fondation faible fera s’écrouler même les plus brillants des conflits et des points culminants. Faites votre travail de base, mettez en place toutes les pièces de jeu nécessaires et saisissez les lecteurs avec une envie indéniable de découvrir ce qui arrive à vos merveilleux personnages.

Restez à l’écoute : La semaine prochaine, nous parlerons du premier nœud dramatique.

Donnez-moi votre avis : Prenez-vous le temps de présenter vos personnages, vos environnements et vos enjeux dans votre premier acte ?

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Les secrets de la structure

Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 2 : l’accroche

Les lecteurs sont comme des poissons. Des poissons intelligents. Des poissons qui savent que les auteurs sont à leur recherche, les remontent et les capturent pour le reste de leur vie en mer. Mais, comme tout poisson qui se respecte, les lecteurs ne sont pas faciles à attraper. Ils ne sont pas prêts à se laisser attirer par votre histoire, à moins que vous ne leur ayez présenté un hameçon, une accroche irrésistible.

Notre discussion sur la structure de l’histoire commence très naturellement au début – et le début de toute bonne histoire est son accroche. Si vous n’accrochez pas les lecteurs à votre histoire dès le premier chapitre, ils ne nageront pas assez profondément pour vivre le reste de votre aventure exaltante, même si elle est excellente.

Qu’est-ce qu’une accroche ?

L’accroche se présente sous de nombreuses formes, mais ramenée à son plus petit dénominateur commun, l’accroche n’est ni plus ni moins qu’une question. Si nous pouvons piquer la curiosité de nos lecteurs, nous les avons. C’est aussi simple que cela. Le début de chaque histoire doit présenter le caractère, le cadre et le conflit. Mais, en soi, aucun de ces éléments ne représente une accroche. Nous n’avons créé une accroche que lorsque nous avons convaincu les lecteurs de poser la question générale « Que va-t-il se passer ? » parce que nous les avons également convaincus de poser une question plus spécifique, comme « Quel monstre reptilien effrayant a tué l’ouvrier ? (Jurassic Park de Michael Crichton) ou « Comment une ville chasse-t-elle ? » (Mortal Engines de Philip Reeve).

À quoi sert l’accroche ?

Comme votre capacité à convaincre le lecteur de continuer à lire dépend de votre accroche, celle-ci doit être présente le plus tôt possible dans votre première scène. En fait, si vous pouvez l’introduire dans votre première ligne, tant mieux. Cependant, l’accroche doit être organique. Taquiner les lecteurs avec une ligne d’ouverture qui tue (« Mimi était en train de mourir à nouveau ») pour ensuite tout révéler n’est pas ce qui semble être le cas (il s’avère que Mimi est une actrice jouant sa 187e scène de mort). Non seulement cela nie la puissance de votre accroche, mais cela trahit également la confiance des lecteurs. Et les lecteurs n’aiment pas être trahis. Pas pour un sou.

Exemples tirés du cinéma et de la littérature

Maintenant que nous avons une idée de base de ce qu’est une accroche et de sa place, considérons quelques exemples. J’ai sélectionné deux films et deux livres (deux classiques et deux récents), que nous utiliserons comme exemples tout au long de cette série, afin que vous puissiez suivre l’arc de l’histoire telle qu’elle est présentée dans les médias populaires et à succès. Voyons comment les professionnels nous accrochent avec tant de succès que nous ne nous rendons jamais compte que nous avons avalé le ver.

Orgueil et préjugés de Jane Austen (1813) :

Austen commence par nous accrocher magistralement avec sa célèbre phrase d’ouverture : « C’est une vérité universellement reconnue, qu’un homme célibataire en possession d’une bonne fortune doit être en manque d’une épouse. » Cette subtile ironie nous donne un sentiment de conflit dès le début et nous fait savoir que ni la femme en quête de fortune ni l’homme en quête de la femme ne trouveront leur but aussi facilement. Austen approfondit l’attrait de son crochet dans son paragraphe d’ouverture en mettant davantage en évidence la juxtaposition de son discours d’ouverture avec les réalités de son intrigue, puis l’approfondit encore davantage dans l’ensemble de la scène d’ouverture, qui présente aux lecteurs la famille Bennet de telle manière que non seulement nous nous intéressons aux personnages, mais que nous nous rendons compte à la fois de l’orientation de l’intrigue et des difficultés du conflit.

C’est une vie merveilleuse réalisée par Frank Capra (1947) :

Capra commence avec un dispositif de cadrage réussi qui accroche le lecteur avec un aperçu du point culminant. Le film s’ouvre au plus fort des troubles du personnage principal et nous amène immédiatement à nous demander pourquoi George Bailey est dans un tel état que toute la ville prie pour lui. Ensuite, nous sommes face à un trio d’anges improbable, qui se manifeste par des constellations clignotantes. La présentation ne nous fascine pas seulement par son caractère inattendu, elle exprime aussi succinctement le conflit et les enjeux à venir et engage le lecteur à répondre à un certain nombre de questions spécifiques.

La stratégie Ender d’Orson Scott Card (1977) :

La première ligne du célèbre roman de science-fiction de Card est remplie de questions d’accroche : « J’ai regardé à travers ses yeux, j’ai écouté à travers ses oreilles, et je vous dis que c’est lui. Ou du moins aussi proche que nous allons l’être ». Juste comme ça, Card nous fait nous demander comment l’orateur regarde et écoute à travers l’esprit de quelqu’un d’autre, qui est le bon, qu’est-ce qu’il est censé faire, et pourquoi il se contente d’un « bon » qui est moins que parfait ? Il réussit ensuite à construire son ouverture meurtrière dans une scène qui présente son héros improbable, Ender Wiggin, six ans, au moment où sa vie est sur le point de changer pour toujours.

Master and Commander : De l’autre côté du monde, réalisé par Peter Weir (2004) :

Adaptation brillante de la série Aubrey/Maturin de Patrick O’Brian, ce film est inhabituel dans plusieurs domaines, notamment par son ton et son intrigue non formels. Néanmoins, il suit les exigences de la structure jusqu’au bout, en commençant par son ouverture brutale, montrant le rituel du matin à bord de l’homme de guerre HMS Surprise. En plus d’éveiller notre curiosité naturelle pour ce décor unique, le crochet n’apparaît qu’une minute environ après le début du film, lorsque l’un des marins aperçoit ce qui pourrait être un navire ennemi. Le film ne ralentit jamais pour expliquer la situation au lecteur. Il les transporte à travers quelques moments tendus d’incertitude et d’indécision, puis, presque sans prévenir, les plonge au milieu d’une horrible bataille navale. Le spectateur est accroché presque avant de voir l’accroche arriver.

Points-clés à noter

Que pouvons-nous donc apprendre de ces accroches magistrales ?

  1. Les accroches doivent être inhérents à l’intrigue.
  2. Les accroches n’impliquent pas toujours une action, mais ils la mettent toujours en place.
  3. Les accroches ne font jamais perdre de temps.
  4. Les accroches font presque toujours double ou triple travail en introduisant le personnage, le conflit et l’intrigue, et même le décor et le thème.

Notre accroche est notre première chance d’impressionner les lecteurs, et que cela vous plaise ou non, la première impression est généralement celle qui fait ou défait le territoire. Planifiez votre accroche avec soin et impressionnez les lecteurs de manière si approfondie qu’ils n’oublieront jamais le moment où votre histoire les a saisis pour la première fois.

Restez connectés : dans le prochain article, nous parlerons du premier acte.

Donnez-moi votre avis : À quel moment de votre histoire votre accroche est-elle trouvée ?

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Écrire un roman Les secrets de la structure

Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 1 : Pourquoi les auteurs devraient-ils s’en soucier ?

Quelle est la partie la plus négligée, la plus incomprise et pourtant la plus importante du récit ? Si vous avez triché et regardé le titre, vous savez déjà que la réponse est la structure. La plupart des écrivains non initiés ont deux réactions différentes à l’idée de structure d’une histoire. Soit ils pensent que c’est génial, mais trop mystique et trop noble pour être compris par le commun des mortels, soit ils pensent que c’est une foutaise de formules qui sapera l’art de leurs livres.

J’ai commencé quelque part dans le camp des « hein ? » qui n’avaient même pas réalisé qu’il existait une telle chose que la structure. De là, je suis passé à la lecture de schémas compliqués qui m’ont fait trembler. Si c’était ça la structure, alors mon histoire était pratiquement écrite pour moi avant même que je n’aie une idée décente. Merci, mais non merci.

Ce que je ne savais pas – ce que la plupart des écrivains ne savent pas – c’est que même si je soumettais l’idée de la structure des histoires à l’ignorance et au ridicule, je structurais en fait mes histoires sans même m’en rendre compte. Au cours des années qui ont suivi, j’ai été initié à de nombreuses théories de la structure, qui confirment toutes les composantes inévitables que l’on trouve dans toutes les bonnes histoires, que leurs auteurs les aient délibérément structurées ou qu’ils aient juste eu la chance de les faire voler selon leur propre instinct.

L’approche de certains experts en matière de structure est d’une complexité fascinante. L’incontournable ouvrage de John Truby, L’anatomie du scénario, présente vingt-deux éléments de la structure d’une histoire. Le Scénario canonique de Syd Field (qui est tout aussi précieux pour les romanciers que pour les scénaristes) décompose l’histoire en une structure plus simple en trois actes. Toutes ces approches intègrent les mêmes principes de structure, mais certaines d’entre elles les décomposent en plus petits morceaux. Je préfère un juste milieu entre les deux : dix étapes qui se retrouvent dans chaque histoire et qui, lorsqu’elles sont bien organisées, donnent à l’auteur et au lecteur le meilleur rendement possible.

Comme vous l’avez probablement déjà compris, tout cela revient à dire qu’aujourd’hui, j’aimerais présenter une nouvelle série. Au cours des prochains mois, nous allons explorer les mystères, les erreurs et les possibilités de structure.

Mais tout d’abord, examinons quelques-unes des raisons pour lesquelles chaque auteur devrait se soucier de la structure – et pourquoi aucun d’entre nous ne devrait la craindre.

La structure est nécessaire dans tout art

Danser, peindre, chanter, etc. : toutes les formes d’art nécessitent une structure. L’écriture n’est pas différente. Pour qu’une histoire atteigne son plein potentiel, les auteurs doivent comprendre les limites de la forme, ainsi que la manière de mettre ses nombreuses parties dans le bon ordre pour obtenir un effet maximal.

La structure ne limite pas la créativité

Les auteurs craignent souvent que la structure ne limite leur capacité à être créatifs. S’ils doivent suivre une certaine route dans leur histoire et observer certains arrêts, l’histoire ne sera-t-elle pas écrite pour eux ? Mais ce n’est pas le cas. La structure ne présente qu’une forme – la courbe de l’arc de l’histoire – que nous reconnaissons tous comme étant essentielle au succès d’un roman. La seule différence est que la structure nous permet d’être concrets et confiants dans la création de cet arc, en nous assurant que la forme s’avère toujours parfaite.

La structure n’est pas une formule

Une autre crainte est que si chaque histoire a la même structure, toutes les histoires ne seront-elles pas finalement les mêmes ? Mais cela n’est pas plus vrai que l’idée que, puisque chaque ballet incorpore les mêmes mouvements, chaque ballet doit être le même. La structure n’est que la boîte qui contient le cadeau. Ce cadeau peut être aussi varié que le papier d’emballage derrière lequel il se cache.

La structure offre une liste d’éléments indispensables

Ne lisons-nous pas des livres pratiques (et des blogs comme celui-ci) parce que nous voulons découvrir et retenir tous les éléments qui composent une histoire à succès ? Structure n’est rien d’autre qu’une liste de ces éléments, tous réunis dans un seul et même ensemble bien rangé. C’est pratique, n’est-ce pas ?

La structure renforce la maîtrise du métier

Apprendre à comprendre consciemment les techniques que vous utilisez probablement déjà à un niveau instinctif ne peut qu’élargir votre compréhension et renforcer votre maîtrise de l’art. Lorsque j’ai découvert les subtilités de la structure, j’ai été surpris de constater que j’incorporais déjà la plupart des éléments dans mes histoires. Les connaître m’a ensuite permis de renforcer mon instinct brut en une connaissance utile.

Êtes-vous donc prêt à ouvrir un tout nouveau monde de la narration ? La structure est à la fois excitante, réconfortante et libératrice. Que vous découvriez pour la première fois les tenants et aboutissants de la structure d’une histoire ou que vous fassiez simplement des révisions, j’espère que vous vous joindrez à nous pendant les dix prochaines semaines pour que nous nous penchions sur les moments les plus saillants et les plus cruciaux de la structure de l’histoire.

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Écrire un roman

Contexte : L’importance de ce qui n’est pas dit

Quand Ernest Hemingway a parlé de la dignité d’un iceberg « parce qu’un huitième seulement de celui-ci est au-dessus de l’eau », il parlait de l’importance de la partie de l’histoire qui n’est pas racontée. Ces sept huitièmes sous l’eau sont le lest de la minuscule partie qui s’élève pour scintiller au soleil. Et, le plus souvent, ces sept huitièmes sont largement composés de l’une des facettes les plus importantes – et pourtant parfois négligées – de tout récit. Le contexte. En anglais, il existe un mot particulièrement précis : la backstory, littéralement « l’histoire avant ».

La backstory, bien sûr, s’explique d’elle-même. C’est l’histoire qui se situe à l’arrière-plan de la véritable histoire. L’histoire avant l’histoire. L’histoire invisible qui informe toutes les décisions et les actions de vos personnages. En tant que telle, elle est naturellement vitale pour la progression et la cohérence de votre récit. En particulier, dans le contexte de la tendance moderne qui consiste à commencer les histoires in media res (au milieu des choses), une backstory profonde et complète est tout aussi importante que l’histoire elle-même.

Utilisez la backstory pour transformer votre histoire réelle

Lorsque je m’assois pour écrire une nouvelle histoire, j’ai généralement une idée de base des principaux points de l’intrigue. Je sais qui sont mes héros, je sais ce qu’ils cherchent, je sais certaines des choses qu’ils devront accomplir pour atteindre leurs objectifs. Mais mon idée de qui ils sont et de ce qui, dans leur passé individuel, les a façonnés pour devenir les personnes que je veux qu’ils soient, est souvent, au mieux, floue.

Avant de pouvoir raconter aux autres mon histoire, je dois me raconter son antériorité. Je commence à écrire les histoires de mes personnages sans autre intention que celle de déterminer où mon histoire proprement dite doit aller. Mais ce qui est le plus exaltant dans tout cela, c’est que la backstory prend généralement une vie propre et transforme mon concept jusqu’alors superficiel de mon histoire en quelque chose de beaucoup plus grand. Le petit morceau de glace qui flotte dans mon imagination se transforme en un iceberg imminent.

Une bonne backstory, c’est une question de motivation

Dans le récit, nous trouvons les principaux facteurs de motivation dans la vie de nos personnages :

  • L’incapacité à se mesurer à son jeune frère, qui alimente la colère et l’ambition de Peter Wiggin (la série Ender’s Shadow d’Orson Scott Card)
  • La culpabilité longtemps entretenue pour les crimes de guerre brutaux, qui pousse Benjamin Martin à éviter la guerre (le film Le Patriote).
  • Les longues années de solitude qui ont poussé John Barratt à accepter l’échange obligatoire de rôles avec son sosie français (Le Bouc émissaire de Daphnée du Maurier).

Dans certains cas heureux, la backstory prend complètement le dessus, comme dans After Dunkirk de Milena McGraw et The Time Traveler’s Wife d’Audrey Niffenegger.

Comment créer une backstory étonnante

La clé pour créer des histoires à plusieurs niveaux – des histoires avec de la profondeur et du lest – est de ne jamais ignorer les espaces vides de vos personnages. Ne les laissez pas s’en tirer en ne vous disant que ce qu’ils doivent vous dire pour que l’histoire fonctionne. Cherchez les ombres de leur passé, découvrez leurs parents, leurs amis d’enfance, leurs catalyseurs. N’acceptez pas simplement que votre personnage principal soit un flic ; découvrez pourquoi il est devenu flic. Ne vous contentez pas d’infliger une cicatrice à votre héroïne ; découvrez d’où vient cette cicatrice.

En même temps, n’oubliez pas qu’il y a un temps et un lieu où la backstory appartient à l’histoire – et un temps et un lieu où elle n’appartient pas. Parfois, la seule personne qui a besoin de connaître la backstory est l’auteur. Aussi vitale que soit cette information, ne l’infligez pas inutilement à vos lecteurs. Les meilleures backstories sont celles qui influencent sans entraver. Tout comme un iceberg, les histoires fonctionnent mieux lorsque la plus grande partie d’entre elles reste immergée.

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Préparez votre roman : 5 étapes essentielles

En règle générale, les écrivains se répartissent en deux catégories différentes : ceux qui préparent et font un plan, et les autres (ou, comme ma partenaire critique Linda Yezak les a appelés, les « seat-of-the-pantsters »). Je suis quelqu’un qui se prépare. La plupart du temps, je trace les grandes lignes parce que je suis paresseuse. Je déteste réécrire ; je déteste voir mon orgueil et mon soulagement à la fin d’un roman se dissiper quand je me rends compte que mon intrigue a des trous béants. Je préfère de loin savoir où je vais dès le début, plutôt que d’essayer de faire rentrer à la massue mes présages et indices et mes rebondissements dans le texte quelque part dans ma deuxième ébauche. Il est beaucoup plus facile de passer quelques semaines à esquisser son roman que de passer quelques mois à un an à réécrire une premier jet en entier.

Lorsque je connais déjà chaque étape de la route de mon roman – grâce à ma feuille de route – il m’est beaucoup plus facile de visualiser le tableau d’ensemble et de réaliser ce que chaque scène doit faire pour jouer son rôle. C’est aussi un antidote sûr contre le blocage de la page blanche. Quand tout ce que j’ai à faire pour savoir où je vais est de regarder ma carte, j’ai rarement à perdre un temps précieux et les cellules de mon cerveau fixent le curseur clignotant avec la mâchoire détendue.

Certes, aussi parfait que soit le plan pour moi, cette option n’est pas parfaite pour tout le monde. Beaucoup d’écrivains ont l’impression que la préparation étouffe leur créativité. Ils pensent que s’ils savent déjà ce qui se passe dans l’histoire, pourquoi devraient-ils se donner la peine d’écrire ce premier jet ? D’une certaine manière, cependant, un plan détaillé est une première ébauche. Il s’agit de l’ébauche « erronée », le tableau blanc où nous jetons tous nos idées et voyons comment elles s’alignent sur la page. Architectes ou jardiniers passent par ce processus. La seule différence, c’est que la phase de préparation prend peut-être un quart du temps.

Les esquisses prennent de nombreuses formes, certaines sont des phrases griffonnées sur un post-it, d’autres sont des carnets de notes remplis de divagations. Je remplis au moins un ou deux cahiers avec mes gribouillages et, au fil des ans, j’ai appris à me concentrer sur quelques bornes créatives indispensables. Voyons pourquoi vous devriez présenter votre roman !

Étape n°1 : Affinez vos prémisses

Le temps que je m’assoie pour commencer à travailler sur une histoire, elle me trotte généralement dans la tête depuis au moins un an ou deux. J’ai presque toujours des idées pour plusieurs personnages principaux, une poignée de scènes, un conflit général et au moins une idée de ce que sera la fin. Mon premier objectif est de transformer tout cela en une prémisse : une ou deux phrases qui traduisent l’intrigue et le thème. Cette prémisse peut en fait changer plusieurs fois au cours des étapes de l’esquisse et de la première ébauche, mais, pour commencer, elle m’aide à concentrer mes pensées.

Étape 2 : Compilez vos idées générales

C’est probablement l’étape la plus importante. C’est là que je me donne la permission de lancer toutes mes idées, aussi ridicules soient-elles, sur la page. J’écris ce que je sais déjà sur l’histoire, je l’élabore en quelque sorte comme un synopsis et je découvre les failles de l’intrigue. Je me demande beaucoup de « si » et de « pourquoi ». Pourquoi le personnage se comporte-t-elle de cette façon ? Pourquoi est-elle amère à propos de son passé ? Qu’est-ce qui l’oblige à prendre ces décisions particulières ?

En gros, les quelques scènes déjà présentes dans mon cerveau sont comme les points d’un puzzle de connexion. C’est mon travail de comprendre comment et pourquoi les lignes suivent ce schéma, et ce travail est beaucoup plus facile lorsque je peux me concentrer sur les réponses aux questions, plutôt que d’essayer de construire des scènes à part entière, avec des personnages, des dialogues et une intrigue cohérente.

Étape 3 : Créez vos esquisses de personnages

Une fois que j’ai une assez bonne idée de l’histoire et que j’ai rempli tous les trous de l’intrigue que je peux repérer, je vais travailler sur les esquisses des personnages. J’utilise un long processus d‘« interview » qui me force à apprendre les antécédents de mes personnages (qui ont tendance à être vitaux) et me donne l’occasion de comprendre leurs moindres bizarreries. Vous pouvez lire ma liste de questions d’entretien dans l’article [Plus de 100 questions pour vous aider à interroger votre personnage].

Les interviews de personnages sont un processus long, c’est pourquoi je me concentre uniquement sur les personnages principaux, l’antagoniste et peut-être un ou deux personnages secondaires importants. Cette partie de l’esquisse fait généralement chauffer mon cerveau et fait apparaître toutes sortes de tangentes intéressantes et de possibilités d’approfondir l’intrigue.

Étape 4 : Écrivez votre plan détaillé

C’est là que l’intrigue commence sérieusement. Étape par étape, je trace avec le plus de détails possible (mais sans dialogue ni récit) chaque étape narrative sur ma carte. Dans certains endroits, l’intrigue se déroule assez rapidement ; dans d’autres, je dois m’arrêter pour me frayer un chemin à travers des points d’intrigue incertains et des motivations de personnages peu plausibles. Cette étape, en soi, peut prendre plusieurs mois, mais en raison de la créativité active et à plein régime qu’elle exige, c’est l’une des parties les plus passionnantes et les plus gratifiantes de mon récit.

Étape n° 5 : Écrivez votre plan abrégé

Enfin, une fois que j’ai tracé toute mon intrigue, je condense toutes les informations pertinentes dans un plan abrégé – ce qui m’évite de devoir lire tout mon plan détaillé chaque fois que je m’assois pour écrire. Dans le passé, je tapais le schéma abrégé dans Word ou j’utilisais le logiciel gratuit yWriter. Aujourd’hui, j’utilise les fonctions adaptées (et très performantes) de Scrivener.

En un mot, c’est mon processus. Si jamais vous vous sentez embourbé au milieu d’un roman qui ne semble pas vraiment savoir d’où il vient ni où il va, donnez un coup de pouce à l’esquisse. Même le simple fait de griffonner une poignée d’idées de scènes peut contribuer grandement à faire d’une histoire un tout organisé. Préparez votre roman ! Il s’agit de la façon la plus simple de réaliser une première ébauche et d’assurer une deuxième ébauche cohérente.

Préparez votre roman

Donnez-moi votre avis ! Que trouvez-vous le plus utile dans l’esquisse de votre roman ? Le plus frustrant ? Dites-le-moi dans les commentaires !

PS : j’ai détaillé toutes ces étapes et d’autres encore dans mon livre Préparez votre roman – Écrivez le chemin vers votre succès, que vous pouvez retrouver en version numérique et papier dans toutes les librairies (sur commande).

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Écrire un roman

Choisir le bon point de vue pour écrire votre roman

Le point de vue narratif (ou POV, comme on l’appelle communément dans le langage des écrivains) est l’une de ces choses que les écrivains ont souvent tendance à considérer comme allant de soi. Nous avons une idée d’histoire, nous nous asseyons pour écrire et nous passons peut-être trente secondes à débattre entre la première et la troisième personne du point de vue narratif. Mais cette décision rapide et arbitraire influencera chacun des 100 000 mots et plus qui suivront. Ce sera un facteur décisif dans le ton de l’histoire et dans l’arc narratif. Elle déterminera les scènes qui seront écrites et celles qui resteront « hors champ ». Elle fermera certaines portes et en ouvrira d’autres. En bref, le point de vue est souvent le facteur le plus important pour déterminer si une histoire fonctionne ou non.

Que vous soyez au début d’une nouvelle aventure romanesque ou que vous soyez au milieu d’un projet en cours, voici cinq considérations sur le point de vue qui peuvent vous aider à faire le bon choix pour votre histoire :

1. Choisissez le point de vue du personnage qui a le plus d’enjeux

Vers la fin de mon roman fantastique Dreamlander, j’avais besoin d’écrire une scène tendue dans laquelle le héros révèle des nouvelles tragiques à ses alliés. J’ai lutté avec la scène pendant plusieurs jours, en écrivant et en réécrivant à partir du point de vue de mon héros. Puis, soudain, j’ai compris que j’écrivais à partir du mauvais point de vue. Mon héros n’était pas le personnage qui avait le plus à perdre dans cette scène. Parce que j’avais déjà dramatisé sa découverte de la tragédie dans une scène précédente et parce qu’il l’avait déjà saisie, son POV dans cette scène n’apportait rien de nouveau. En fait, toutes mes tentatives d’injection de drame se sont révélées répétitives à la lumière des scènes précédentes. Dans cette optique, j’ai cherché autour de moi le personnage qui serait le plus touché par la nouvelle, et soudain ma scène a pris son envol. Toute la tension, le drame et l’angoisse que j’avais recherchés sont immédiatement apparus au premier plan lorsque je suis passé à un personnage dont les émotions étaient plus vives.

2. Choisissez le point de vue du personnage dont la voix est la plus intéressante

Le personnage que vous choisissez comme point de vue principal influencera le ton entier du roman. Il est souvent judicieux de ne pas se limiter au choix évident du personnage principal et de voir ce que vos autres personnages ont à offrir. Il y a plusieurs années, j’ai failli m’épuiser en écrivant et en réécrivant les cinquante premières pages d’un drame situé pendant la Seconde Guerre mondiale qui refusait de coopérer. J’avais une intrigue parfaitement tracée, j’étais complètement amoureuse de mes personnages et je savais exactement le ton que je recherchais. Mais je n’y suis pas parvenue. Mon héroïne, innocente, naïve et de bonne humeur, n’avait tout simplement pas le courage de porter le récit. Après avoir mis le manuscrit de côté pendant plusieurs mois, je me suis rendu compte que je m’étais peut-être trompée d’histoire depuis le début. J’ai donc adopté le point de vue cynique et narquois d’un journaliste américain, qui était jusqu’alors un personnage mineur, et soudain, le récit a pris son envol.

3. Choisir avec soin plusieurs points de vue

Il est souvent tentant de partager tout ce que chaque personnage pense. Mais peu d’histoires (sans parler des lecteurs) peuvent supporter une intrigue qui comprend vingt points de vue. Moins, c’est très souvent plus. En fait, certains des romans les plus puissants sont ceux qui se concentrent sur un seul point de vue. Des points d’intérêt supplémentaires peuvent alerter votre lecteur sur des détails supplémentaires, mais ils peuvent également atténuer la force du point d’intérêt principal. Il est important de réaliser que les lecteurs n’ont pas besoin (ni même n’apprécient) de connaître chaque petit détail. Parfois, ce que vous ne dites pas est plus puissant que ce que vous faites. De plus, moins vous avez de points de vue, moins vous risquez d’ennuyer ou de troubler le lecteur.

4. Jouez avec la voix et la tension

Une fois que vous avez maîtrisé les bases du POV (en particulier apprendre à reconnaître et à éviter l’habitude universelle du débutant de « changer de POV »), le POV devient un terrain de jeu passionnant, plein de toutes sortes de possibilités. Beaucoup d’écrivains trouvent une niche dans une voix ou une autre et y restent. Mais n’ayez pas peur de vous amuser. Mes huit premiers romans ont tous été écrits au passé à la troisième personne. Aujourd’hui, alors que je m’apprête à me plonger dans mon neuvième roman, je ne peux pas dire à quel point je suis excitée de jouer avec de nouvelles possibilités narratives. Le temps présent à la première personne promet déjà de me forcer à élargir mes compétences d’écriture d’une manière que je n’aurais jamais imaginée.

5. N’ayez pas peur de repousser les limites

Il est trop facile de s’enfermer dans les « règles », en particulier lorsqu’il s’agit d’un POV. Mais la vérité est qu’une fois que vous avez appris quelles sont les règles, elles n’ont plus de raison d’être. Jouer avec le point de vue, rebondir sur les cordes et se pousser vers de nouveaux sommets est un défi, une expérience exaltante, et parfois même bouleversante. Le point de vue est un domaine d’expérimentation privilégié pour les auteurs. Alors allez-y, et amusez-vous bien ! Et n’hésitez pas à me laisser un commentaire. J’aimerais que vous me parliez de vos propres expériences dans le choix du bon POV pour vos histoires.

Donnez-moi votre avis ! Comment avez-vous choisi le bon POV pour votre travail en cours ? Dites-le-moi dans les commentaires !

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Écrire un roman

L’arme secrète de la narration : la quatrième de couverture

Quelle est la première chose que la plupart des lecteurs regardent lorsqu’ils prennent un livre ? S’ils me ressemblent, leur attention est d’abord attirée par la couverture, le titre et le nom de l’auteur, puis ils retournent le livre et jettent un coup d’œil à la couverture arrière ou au rabat intérieur de la jaquette. C’est là que se prennent ces décisions cruciales en une fraction de seconde (acheter ou ne pas acheter ?), et c’est aussi là que le lecteur fera sa première rencontre avec votre histoire, votre intrigue et vos personnages.

Il ne s’agit pas ici d’écrire un texte choc, mais plutôt de réaliser et d’utiliser la puissance de ce résumé dans l’histoire elle-même. Dans combien de livres avez-vous creusé sans rien connaître du postulat ? La plupart d’entre nous scannent au moins la couverture arrière avant d’ouvrir le premier chapitre. Après tout, pourquoi perdre notre temps quand nous pouvons utiliser les informations cruciales au dos pour restreindre nos choix de lecture ? Ce n’est qu’une habitude de lecteur averti.

Mais qu’est-ce que cela signifie pour les écrivains (à part le fait qu’une mauvaise couverture entraîne de mauvaises ventes) ?

Le premier chapitre n’est pas votre première occasion de communiquer des informations aux lecteurs

Trop souvent, nous sommes confrontés à l’impossibilité d’intégrer des informations « cruciales » dans le premier chapitre. Nous nous approchons du terrain, la balle à la main, en nous comportant comme si le lecteur ne connaissait même pas les règles du jeu. Mais si notre lecteur avisé a lu la couverture arrière, il sait probablement déjà pas mal de choses, notamment :

  • Le nom du héros,
  • Sa profession,
  • Le cadre,
  • Le conflit de base,
  • La force antagoniste,
  • Le thème.

La couverture arrière est un élément crucial de l’expérience de lecture. Non seulement elle crée certaines idées préconçues et attentes, auxquelles l’auteur doit répondre, mais elle les crée aussi avec plus de certitude que les présages que l’on trouve dans les pages elles-mêmes. Parce que les informations figurant sur la quatrième de couverture sont présentées comme des faits, et parce que la voix narrative d’un résumé est considérée comme fiable, les lecteurs s’attendent toujours à ce que les promesses figurant sur la quatrième de couverture soient respectées avec précision.

Cette connaissance est souvent (sinon toujours) négligée par les auteurs. Et, ce faisant, non seulement nous négligeons la possibilité d’utiliser la quatrième de couverture à notre avantage, mais nous en abusons même.

Comment les écrivains abusent de la couverture arrière de leur livre

Des dizaines de romans commencent le premier chapitre en bombardant les lecteurs avec des informations qu’ils ont déjà apprises sur la couverture arrière. Inévitablement, dans ces situations, je me tortille et je pousse mentalement l’auteur à aller de l’avant. Le suspense soigneusement construit ne me trompe pas quand je connais déjà le principe de base.

Pour partir sur une petite tangente : Le film par ailleurs merveilleux de 2003, Master and Commander : de l’autre côté du monde contient une scène qui me fait toujours rouler les yeux. Dans la séquence d’ouverture du film, alors que l’appel aux armes est battu, la caméra nous montre le capitaine du navire (sans visage) se bousculant dans sa ceinture d’épée et son manteau et se préparant à monter sur le pont. Puis, soudain, la caméra fait un panoramique spectaculaire et révèle – surprise ! – Russell Crowe.

Seulement, je n’ai pas été surprise car, naturellement, j’avais vu la pochette du DVD (ou l’affiche de cinéma) et je savais qui jouait dans le film.

Les informations sur la couverture arrière créent souvent une situation similaire. En tant qu’auteurs, nous construisons soigneusement nos accroches d’ouverture (l’accroche qui révélera la prémisse au lecteur), mais nous oublions que le lecteur est généralement déjà au courant de cette prémisse. Nous risquons donc de voir notre style d’auteur négligé ou même méprisé.

Comment utiliser la quatrième de couverture du livre

Le fait de reconnaître l’importance de la quatrième de couverture vous permet de profiter d’une petite marge de manœuvre pour élaborer à la fois votre chapitre d’ouverture et le suspense général tout au long du roman. Bien sûr, un bon résumé donne le moins possible d’informations cruciales sur l’intrigue. Nous voulons toujours que nos lecteurs en sachent le moins possible sur nos points culminants. Mais cela signifie aussi que nous pouvons tirer parti de ce qu’ils savent.

Dans un sens, la quatrième de couverture est une mini-accroche avant l’accroche. Si le résumé au dos ne l’attrape pas, le lecteur ne se retournera probablement pas sur le premier chapitre. Cela crée deux opportunités très importantes pour l’auteur :

  1. Nous n’avons pas à nous soucier de tout expliquer dans la scène d’ouverture.
  2. Nous devons faire attention à trouver le bon équilibre entre expliquer les nécessités et ennuyer le lecteur avec ce qu’il sait déjà.

Un mot de prudence : Bien que les auteurs, en concevant leurs ouvertures, négligent généralement la quatrième de couverture, n’oubliez pas que tous les lecteurs ne lisent pas la quatrième de couverture. Et ceux qui le font ne lisent pas toujours tous les mots. L’histoire entre les couvertures doit être complète en soi. Nous ne pouvons pas nous appuyer sur la quatrième de couverture comme une béquille pour nos lacunes narratives. Mais ce n’est pas une excuse pour ne pas en être conscient et ne pas en connaître les effets sur nos lecteurs.

Donnez-moi votre avis : Quelles informations le texte de la quatrième de couverture de votre livre fournira-t-il aux lecteurs avant même qu’ils n’ouvrent le livre ?