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Écrire un roman Structure

Les secrets de la structure de l’histoire, Partie 1 : Pourquoi les auteurs devraient-ils s’en soucier ?

Quelle est la partie la plus négligée, la plus incomprise et pourtant la plus importante du récit ? Si vous avez triché et regardé le titre, vous savez déjà que la réponse est la structure. La plupart des écrivains non initiés ont deux réactions différentes à l’idée de structure d’une histoire. Soit ils pensent que c’est génial, mais trop mystique et trop noble pour être compris par le commun des mortels, soit ils pensent que c’est une foutaise de formules qui sapera l’art de leurs livres.

J’ai commencé quelque part dans le camp des « hein ? » qui n’avaient même pas réalisé qu’il existait une telle chose que la structure. De là, je suis passé à la lecture de schémas compliqués qui m’ont fait trembler. Si c’était ça la structure, alors mon histoire était pratiquement écrite pour moi avant même que je n’aie une idée décente. Merci, mais non merci.

Ce que je ne savais pas – ce que la plupart des écrivains ne savent pas – c’est que même si je soumettais l’idée de la structure des histoires à l’ignorance et au ridicule, je structurais en fait mes histoires sans même m’en rendre compte. Au cours des années qui ont suivi, j’ai été initié à de nombreuses théories de la structure, qui confirment toutes les composantes inévitables que l’on trouve dans toutes les bonnes histoires, que leurs auteurs les aient délibérément structurées ou qu’ils aient juste eu la chance de les faire voler selon leur propre instinct.

L’approche de certains experts en matière de structure est d’une complexité fascinante. L’incontournable ouvrage de John Truby, L’anatomie du scénario, présente vingt-deux éléments de la structure d’une histoire. Le Scénario canonique de Syd Field (qui est tout aussi précieux pour les romanciers que pour les scénaristes) décompose l’histoire en une structure plus simple en trois actes. Toutes ces approches intègrent les mêmes principes de structure, mais certaines d’entre elles les décomposent en plus petits morceaux. Je préfère un juste milieu entre les deux : dix étapes qui se retrouvent dans chaque histoire et qui, lorsqu’elles sont bien organisées, donnent à l’auteur et au lecteur le meilleur rendement possible.

Comme vous l’avez probablement déjà compris, tout cela revient à dire qu’aujourd’hui, j’aimerais présenter une nouvelle série. Au cours des prochains mois, nous allons explorer les mystères, les erreurs et les possibilités de structure.

Mais tout d’abord, examinons quelques-unes des raisons pour lesquelles chaque auteur devrait se soucier de la structure – et pourquoi aucun d’entre nous ne devrait la craindre.

Structurez votre roman, de K.M. Weiland
Structurez votre roman, de K.M. Weiland

La structure est nécessaire dans tout art

Danser, peindre, chanter, etc. : toutes les formes d’art nécessitent une structure. L’écriture n’est pas différente. Pour qu’une histoire atteigne son plein potentiel, les auteurs doivent comprendre les limites de la forme, ainsi que la manière de mettre ses nombreuses parties dans le bon ordre pour obtenir un effet maximal.

La structure ne limite pas la créativité

Les auteurs craignent souvent que la structure ne limite leur capacité à être créatifs. S’ils doivent suivre une certaine route dans leur histoire et observer certains arrêts, l’histoire ne sera-t-elle pas écrite pour eux ? Mais ce n’est pas le cas. La structure ne présente qu’une forme – la courbe de l’arc de l’histoire – que nous reconnaissons tous comme étant essentielle au succès d’un roman. La seule différence est que la structure nous permet d’être concrets et confiants dans la création de cet arc, en nous assurant que la forme s’avère toujours parfaite.

La structure n’est pas une formule

Une autre crainte est que si chaque histoire a la même structure, toutes les histoires ne seront-elles pas finalement les mêmes ? Mais cela n’est pas plus vrai que l’idée que, puisque chaque ballet incorpore les mêmes mouvements, chaque ballet doit être le même. La structure n’est que la boîte qui contient le cadeau. Ce cadeau peut être aussi varié que le papier d’emballage derrière lequel il se cache.

La structure offre une liste d’éléments indispensables

Ne lisons-nous pas des livres pratiques (et des blogs comme celui-ci) parce que nous voulons découvrir et retenir tous les éléments qui composent une histoire à succès ? Structure n’est rien d’autre qu’une liste de ces éléments, tous réunis dans un seul et même ensemble bien rangé. C’est pratique, n’est-ce pas ?

La structure renforce la maîtrise du métier

Apprendre à comprendre consciemment les techniques que vous utilisez probablement déjà à un niveau instinctif ne peut qu’élargir votre compréhension et renforcer votre maîtrise de l’art. Lorsque j’ai découvert les subtilités de la structure, j’ai été surpris de constater que j’incorporais déjà la plupart des éléments dans mes histoires. Les connaître m’a ensuite permis de renforcer mon instinct brut en une connaissance utile.

Êtes-vous donc prêt à ouvrir un tout nouveau monde de la narration ? La structure est à la fois excitante, réconfortante et libératrice. Que vous découvriez pour la première fois les tenants et aboutissants de la structure d’une histoire ou que vous fassiez simplement des révisions, j’espère que vous vous joindrez à nous pendant les dix prochaines semaines pour que nous nous penchions sur les moments les plus saillants et les plus cruciaux de la structure de l’histoire.

Retrouvez tous les articles sur les 12 étapes clés de la structure d’un roman.

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Contexte : L’importance de ce qui n’est pas dit

Quand Ernest Hemingway a parlé de la dignité d’un iceberg « parce qu’un huitième seulement de celui-ci est au-dessus de l’eau », il parlait de l’importance de la partie de l’histoire qui n’est pas racontée. Ces sept huitièmes sous l’eau sont le lest de la minuscule partie qui s’élève pour scintiller au soleil. Et, le plus souvent, ces sept huitièmes sont largement composés de l’une des facettes les plus importantes – et pourtant parfois négligées – de tout récit. Le contexte. En anglais, il existe un mot particulièrement précis : la backstory, littéralement « l’histoire avant ».

La backstory, bien sûr, s’explique d’elle-même. C’est l’histoire qui se situe à l’arrière-plan de la véritable histoire. L’histoire avant l’histoire. L’histoire invisible qui informe toutes les décisions et les actions de vos personnages. En tant que telle, elle est naturellement vitale pour la progression et la cohérence de votre récit. En particulier, dans le contexte de la tendance moderne qui consiste à commencer les histoires in media res (au milieu des choses), une backstory profonde et complète est tout aussi importante que l’histoire elle-même.

Utilisez la backstory pour transformer votre histoire réelle

Lorsque je m’assois pour écrire une nouvelle histoire, j’ai généralement une idée de base des principaux points de l’intrigue. Je sais qui sont mes héros, je sais ce qu’ils cherchent, je sais certaines des choses qu’ils devront accomplir pour atteindre leurs objectifs. Mais mon idée de qui ils sont et de ce qui, dans leur passé individuel, les a façonnés pour devenir les personnes que je veux qu’ils soient, est souvent, au mieux, floue.

Avant de pouvoir raconter aux autres mon histoire, je dois me raconter son antériorité. Je commence à écrire les histoires de mes personnages sans autre intention que celle de déterminer où mon histoire proprement dite doit aller. Mais ce qui est le plus exaltant dans tout cela, c’est que la backstory prend généralement une vie propre et transforme mon concept jusqu’alors superficiel de mon histoire en quelque chose de beaucoup plus grand. Le petit morceau de glace qui flotte dans mon imagination se transforme en un iceberg imminent.

Une bonne backstory, c’est une question de motivation

Dans le récit, nous trouvons les principaux facteurs de motivation dans la vie de nos personnages :

  • L’incapacité à se mesurer à son jeune frère, qui alimente la colère et l’ambition de Peter Wiggin (la série Ender’s Shadow d’Orson Scott Card)
  • La culpabilité longtemps entretenue pour les crimes de guerre brutaux, qui pousse Benjamin Martin à éviter la guerre (le film Le Patriote).
  • Les longues années de solitude qui ont poussé John Barratt à accepter l’échange obligatoire de rôles avec son sosie français (Le Bouc émissaire de Daphnée du Maurier).

Dans certains cas heureux, la backstory prend complètement le dessus, comme dans After Dunkirk de Milena McGraw et The Time Traveler’s Wife d’Audrey Niffenegger.

Comment créer une backstory étonnante

La clé pour créer des histoires à plusieurs niveaux – des histoires avec de la profondeur et du lest – est de ne jamais ignorer les espaces vides de vos personnages. Ne les laissez pas s’en tirer en ne vous disant que ce qu’ils doivent vous dire pour que l’histoire fonctionne. Cherchez les ombres de leur passé, découvrez leurs parents, leurs amis d’enfance, leurs catalyseurs. N’acceptez pas simplement que votre personnage principal soit un flic ; découvrez pourquoi il est devenu flic. Ne vous contentez pas d’infliger une cicatrice à votre héroïne ; découvrez d’où vient cette cicatrice.

En même temps, n’oubliez pas qu’il y a un temps et un lieu où la backstory appartient à l’histoire – et un temps et un lieu où elle n’appartient pas. Parfois, la seule personne qui a besoin de connaître la backstory est l’auteur. Aussi vitale que soit cette information, ne l’infligez pas inutilement à vos lecteurs. Les meilleures backstories sont celles qui influencent sans entraver. Tout comme un iceberg, les histoires fonctionnent mieux lorsque la plus grande partie d’entre elles reste immergée.

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Préparez votre roman : 5 étapes essentielles

En règle générale, les écrivains se répartissent en deux catégories différentes : ceux qui préparent et font un plan, et les autres (ou, comme ma partenaire critique Linda Yezak les a appelés, les « seat-of-the-pantsters »).

Je suis quelqu’un qui se prépare. La plupart du temps, je trace les grandes lignes parce que je suis paresseuse. Je déteste réécrire ; je déteste voir mon orgueil et mon soulagement à la fin d’un roman se dissiper quand je me rends compte que mon intrigue a des trous béants. Je préfère de loin savoir où je vais dès le début, plutôt que d’essayer de faire rentrer à la massue mes présages et indices et mes rebondissements dans le texte quelque part dans ma deuxième ébauche. Il est beaucoup plus facile de passer quelques semaines à esquisser son roman que de passer quelques mois à un an à réécrire une premier jet en entier.

Lorsque je connais déjà chaque étape de la route de mon roman – grâce à ma feuille de route – il m’est beaucoup plus facile de visualiser le tableau d’ensemble et de réaliser ce que chaque scène doit faire pour jouer son rôle. C’est aussi un antidote sûr contre le blocage de la page blanche. Quand tout ce que j’ai à faire pour savoir où je vais est de regarder ma carte, j’ai rarement à perdre un temps précieux et les cellules de mon cerveau fixent le curseur clignotant avec la mâchoire détendue.

Certes, aussi parfait que soit le plan pour moi, cette option n’est pas parfaite pour tout le monde. Beaucoup d’écrivains ont l’impression que la préparation étouffe leur créativité. Ils pensent que s’ils savent déjà ce qui se passe dans l’histoire, pourquoi devraient-ils se donner la peine d’écrire ce premier jet ? D’une certaine manière, cependant, un plan détaillé est une première ébauche. Il s’agit de l’ébauche « erronée », le tableau blanc où nous jetons tous nos idées et voyons comment elles s’alignent sur la page. Architectes ou jardiniers passent par ce processus. La seule différence, c’est que la phase de préparation prend peut-être un quart du temps.

Les esquisses prennent de nombreuses formes, certaines sont des phrases griffonnées sur un post-it, d’autres sont des carnets de notes remplis de divagations. Je remplis au moins un ou deux cahiers avec mes gribouillages et, au fil des ans, j’ai appris à me concentrer sur quelques bornes créatives indispensables. Voyons pourquoi vous devriez présenter votre roman !

Étape n°1 : Affinez vos prémisses

Le temps que je m’assoie pour commencer à travailler sur une histoire, elle me trotte généralement dans la tête depuis au moins un an ou deux. J’ai presque toujours des idées pour plusieurs personnages principaux, une poignée de scènes, un conflit général et au moins une idée de ce que sera la fin. Mon premier objectif est de transformer tout cela en une prémisse : une ou deux phrases qui traduisent l’intrigue et le thème. Cette prémisse peut en fait changer plusieurs fois au cours des étapes de l’esquisse et de la première ébauche, mais, pour commencer, elle m’aide à concentrer mes pensées.

Étape 2 : Compilez vos idées générales

C’est probablement l’étape la plus importante. C’est là que je me donne la permission de lancer toutes mes idées, aussi ridicules soient-elles, sur la page. J’écris ce que je sais déjà sur l’histoire, je l’élabore en quelque sorte comme un synopsis et je découvre les failles de l’intrigue. Je me demande beaucoup de « si » et de « pourquoi ». Pourquoi le personnage se comporte-t-elle de cette façon ? Pourquoi est-elle amère à propos de son passé ? Qu’est-ce qui l’oblige à prendre ces décisions particulières ?

En gros, les quelques scènes déjà présentes dans mon cerveau sont comme les points d’un puzzle de connexion. C’est mon travail de comprendre comment et pourquoi les lignes suivent ce schéma, et ce travail est beaucoup plus facile lorsque je peux me concentrer sur les réponses aux questions, plutôt que d’essayer de construire des scènes à part entière, avec des personnages, des dialogues et une intrigue cohérente.

Étape 3 : Créez vos esquisses de personnages

Une fois que j’ai une assez bonne idée de l’histoire et que j’ai rempli tous les trous de l’intrigue que je peux repérer, je vais travailler sur les esquisses des personnages. J’utilise un long processus d‘« interview » qui me force à apprendre les antécédents de mes personnages (qui ont tendance à être vitaux) et me donne l’occasion de comprendre leurs moindres bizarreries. Vous pouvez lire ma liste de questions d’entretien dans l’article [Plus de 100 questions pour vous aider à interroger votre personnage].

Les interviews de personnages sont un processus long, c’est pourquoi je me concentre uniquement sur les personnages principaux, l’antagoniste et peut-être un ou deux personnages secondaires importants. Cette partie de l’esquisse fait généralement chauffer mon cerveau et fait apparaître toutes sortes de tangentes intéressantes et de possibilités d’approfondir l’intrigue.

Étape 4 : Écrivez votre plan détaillé

C’est là que l’intrigue commence sérieusement. Étape par étape, je trace avec le plus de détails possible (mais sans dialogue ni récit) chaque étape narrative sur ma carte. Dans certains endroits, l’intrigue se déroule assez rapidement ; dans d’autres, je dois m’arrêter pour me frayer un chemin à travers des points d’intrigue incertains et des motivations de personnages peu plausibles. Cette étape, en soi, peut prendre plusieurs mois, mais en raison de la créativité active et à plein régime qu’elle exige, c’est l’une des parties les plus passionnantes et les plus gratifiantes de mon récit.

Étape n° 5 : Écrivez votre plan abrégé

Enfin, une fois que j’ai tracé toute mon intrigue, je condense toutes les informations pertinentes dans un plan abrégé – ce qui m’évite de devoir lire tout mon plan détaillé chaque fois que je m’assois pour écrire. Dans le passé, je tapais le schéma abrégé dans Word ou j’utilisais le logiciel gratuit yWriter. Aujourd’hui, j’utilise les fonctions adaptées (et très performantes) de Scrivener.

En un mot, c’est mon processus. Si jamais vous vous sentez embourbé au milieu d’un roman qui ne semble pas vraiment savoir d’où il vient ni où il va, donnez un coup de pouce à l’esquisse. Même le simple fait de griffonner une poignée d’idées de scènes peut contribuer grandement à faire d’une histoire un tout organisé. Préparez votre roman ! Il s’agit de la façon la plus simple de réaliser une première ébauche et d’assurer une deuxième ébauche cohérente.

Préparez votre roman

Donnez-moi votre avis ! Que trouvez-vous le plus utile dans l’esquisse de votre roman ? Le plus frustrant ? Dites-le-moi dans les commentaires !

PS : j’ai détaillé toutes ces étapes et d’autres encore dans mon livre Préparez votre roman – Écrivez le chemin vers votre succès, que vous pouvez retrouver en version numérique et papier dans toutes les librairies (sur commande).

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L’arme secrète de la narration : la quatrième de couverture

Quelle est la première chose que la plupart des lecteurs regardent lorsqu’ils prennent un livre ? S’ils me ressemblent, leur attention est d’abord attirée par la couverture, le titre et le nom de l’auteur, puis ils retournent le livre et jettent un coup d’œil à la couverture arrière ou au rabat intérieur de la jaquette. C’est là que se prennent ces décisions cruciales en une fraction de seconde (acheter ou ne pas acheter ?), et c’est aussi là que le lecteur fera sa première rencontre avec votre histoire, votre intrigue et vos personnages.

Il ne s’agit pas ici d’écrire un texte choc, mais plutôt de réaliser et d’utiliser la puissance de ce résumé dans l’histoire elle-même. Dans combien de livres avez-vous creusé sans rien connaître du postulat ? La plupart d’entre nous scannent au moins la couverture arrière avant d’ouvrir le premier chapitre. Après tout, pourquoi perdre notre temps quand nous pouvons utiliser les informations cruciales au dos pour restreindre nos choix de lecture ? Ce n’est qu’une habitude de lecteur averti.

Mais qu’est-ce que cela signifie pour les écrivains (à part le fait qu’une mauvaise couverture entraîne de mauvaises ventes) ?

Le premier chapitre n’est pas votre première occasion de communiquer des informations aux lecteurs

Trop souvent, nous sommes confrontés à l’impossibilité d’intégrer des informations « cruciales » dans le premier chapitre. Nous nous approchons du terrain, la balle à la main, en nous comportant comme si le lecteur ne connaissait même pas les règles du jeu. Mais si notre lecteur avisé a lu la couverture arrière, il sait probablement déjà pas mal de choses, notamment :

  • Le nom du héros,
  • Sa profession,
  • Le cadre,
  • Le conflit de base,
  • La force antagoniste,
  • Le thème.

La couverture arrière est un élément crucial de l’expérience de lecture. Non seulement elle crée certaines idées préconçues et attentes, auxquelles l’auteur doit répondre, mais elle les crée aussi avec plus de certitude que les présages que l’on trouve dans les pages elles-mêmes. Parce que les informations figurant sur la quatrième de couverture sont présentées comme des faits, et parce que la voix narrative d’un résumé est considérée comme fiable, les lecteurs s’attendent toujours à ce que les promesses figurant sur la quatrième de couverture soient respectées avec précision.

Cette connaissance est souvent (sinon toujours) négligée par les auteurs. Et, ce faisant, non seulement nous négligeons la possibilité d’utiliser la quatrième de couverture à notre avantage, mais nous en abusons même.

Comment les écrivains abusent de la couverture arrière de leur livre

Des dizaines de romans commencent le premier chapitre en bombardant les lecteurs avec des informations qu’ils ont déjà apprises sur la couverture arrière. Inévitablement, dans ces situations, je me tortille et je pousse mentalement l’auteur à aller de l’avant. Le suspense soigneusement construit ne me trompe pas quand je connais déjà le principe de base.

Pour partir sur une petite tangente : Le film par ailleurs merveilleux de 2003, Master and Commander : de l’autre côté du monde contient une scène qui me fait toujours rouler les yeux. Dans la séquence d’ouverture du film, alors que l’appel aux armes est battu, la caméra nous montre le capitaine du navire (sans visage) se bousculant dans sa ceinture d’épée et son manteau et se préparant à monter sur le pont. Puis, soudain, la caméra fait un panoramique spectaculaire et révèle – surprise ! – Russell Crowe.

Seulement, je n’ai pas été surprise car, naturellement, j’avais vu la pochette du DVD (ou l’affiche de cinéma) et je savais qui jouait dans le film.

Les informations sur la couverture arrière créent souvent une situation similaire. En tant qu’auteurs, nous construisons soigneusement nos accroches d’ouverture (l’accroche qui révélera la prémisse au lecteur), mais nous oublions que le lecteur est généralement déjà au courant de cette prémisse. Nous risquons donc de voir notre style d’auteur négligé ou même méprisé.

Comment utiliser la quatrième de couverture du livre

Le fait de reconnaître l’importance de la quatrième de couverture vous permet de profiter d’une petite marge de manœuvre pour élaborer à la fois votre chapitre d’ouverture et le suspense général tout au long du roman. Bien sûr, un bon résumé donne le moins possible d’informations cruciales sur l’intrigue. Nous voulons toujours que nos lecteurs en sachent le moins possible sur nos points culminants. Mais cela signifie aussi que nous pouvons tirer parti de ce qu’ils savent.

Dans un sens, la quatrième de couverture est une mini-accroche avant l’accroche. Si le résumé au dos ne l’attrape pas, le lecteur ne se retournera probablement pas sur le premier chapitre. Cela crée deux opportunités très importantes pour l’auteur :

  1. Nous n’avons pas à nous soucier de tout expliquer dans la scène d’ouverture.
  2. Nous devons faire attention à trouver le bon équilibre entre expliquer les nécessités et ennuyer le lecteur avec ce qu’il sait déjà.

Un mot de prudence : Bien que les auteurs, en concevant leurs ouvertures, négligent généralement la quatrième de couverture, n’oubliez pas que tous les lecteurs ne lisent pas la quatrième de couverture. Et ceux qui le font ne lisent pas toujours tous les mots. L’histoire entre les couvertures doit être complète en soi. Nous ne pouvons pas nous appuyer sur la quatrième de couverture comme une béquille pour nos lacunes narratives. Mais ce n’est pas une excuse pour ne pas en être conscient et ne pas en connaître les effets sur nos lecteurs.

Donnez-moi votre avis : Quelles informations le texte de la quatrième de couverture de votre livre fournira-t-il aux lecteurs avant même qu’ils n’ouvrent le livre ?

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Ce que vous devez savoir sur l’écriture de romans à l’ère du cinéma

J’ai une confession à faire. Pour quelqu’un qui passe son temps à écrire des romans, c’est une sorte de profond et sombre secret, alors tenez-vous bien. Je préfère les films aux livres.

C’est choquant, je sais.

Ne vous méprenez pas. Je ne pourrais pas vivre sans livres. Je respire pratiquement les livres. J’engloutis plus de 100 livres par an. Pourquoi ?

Parce que j’aime la façon dont les mots s’alignent sur une page.

J’aime la danse qu’ils créent.

J’aime la précision et l’intensité du métier.

Mais plus encore que j’aime les mots, j’aime les histoires.

Et, d’après mon expérience personnelle, il y a certains aspects de la narration que les films peuvent offrir que les livres ne peuvent pas.

Maintenant, avant que tous les bibliophiles ne se mettent à hurler et à cliquer sur le X rouge dans le coin de leur navigateur, laissez-moi répéter : dans mon expérience personnelle. Beaucoup, peut-être même la plupart, des lecteurs et des écrivains ne seront pas d’accord avec moi. Mais quelle que soit votre opinion sur la supériorité/infériorité des livres par rapport aux films, vous devez admettre que les films ont beaucoup à apprendre aux romanciers.

Ce que le cinéma peut vous apprendre sur l’écriture de romans

Alors pourquoi les romanciers feraient-ils bien d’imiter les films dans certains domaines ?

Lorsqu’il s’agit de raconter des histoires, les films apportent un arsenal sensoriel à la table. Les spectateurs sont bombardés de stimuli visuels et sonores ; on leur montre exactement ce que vivent les personnages, en temps réel. Les romanciers peuvent avoir besoin d’une description paragraphe après paragraphe pour mettre en scène une scène, mais un réalisateur n’a besoin que d’un seul plan. Les écrivains devront se battre pendant toute leur carrière pour « montrer » au lieu de « raconter ». Les films n’ont jamais ce problème.

Les personnages qui ont une personne réelle derrière eux sont immédiatement mis en scène. L’inflexion des dialogues est instantanée. Les expressions faciales transmettent en quelques secondes ce que les mots n’accomplissent qu’avec un effort étudié.

Dans son livre perspicace Lights ! Camera ! Fiction !, Alfie Thompson souligne :

Les scénaristes ont un avantage lorsqu’il s’agit de donner vie aux personnages. Les acteurs et les actrices jouent les rôles qui leur sont attribués et insufflent une certaine personnalité au personnage. …si l’acteur est merveilleusement doué, il peut transmettre un sentiment ou une attitude même si les mots de l’écrivain ne sont pas choisis avec soin. Même si le scénario est pathétique et que l’acteur est aussi épais qu’un arbre qui marche et qui parle, il est difficile pour le public de ne pas voir un personnage « bien équilibré » lorsqu’une personne vivante, qui respire et qui vit dans la vie réelle, se promène à l’écran.

L’avantage que les romans possèdent toujours, même à l’ère du cinéma

Tout cela étant dit, l’écrit nous donne des choses que les films ne peuvent jamais nous donner, y compris :

  • Une voix unique.
  • Une introspection plus profonde des personnages.
  • Un commentaire d’auteur.

Toutes ces choses sont merveilleuses et importantes, mais elles peuvent parfois sembler pâles à la lumière de l’immédiateté visuelle, de la connexion brute d’un film. Sinon, pourquoi la plupart des gens rêvent-ils de voir nos histoires adaptées pour le grand écran ? Bien sûr, la grande majorité d’entre nous ne verra jamais nos histoires sur le grand écran. Mais cela ne veut pas dire que nous ne pouvons pas encore apprendre de ce que j’appelle le facteur cinéma.

Comment renforcer vos romans avec le « facteur cinéma » ?

Je veux que mes histoires se déroulent comme un film dans la tête des lecteurs. Je veux qu’ils voient la progression des scènes, les personnages qui se promènent, le balayage du paysage – comme s’ils regardaient un film. Mes histoires se déroulent comme un film dans ma propre tête.

Chaque fois que vous vous approchez d’une scène importante ou délicate, essayez ceci. Arrêtez-vous, fermez les yeux et visualisez à quoi ressemblerait la scène dans un film. Visualisez tout : les angles, l’éclairage, les directions de la scène. Essayez même d’évoquer une bande son. Les résultats sont toujours intenses.

Cette technique peut faire des merveilles pour vous aider à voir clairement votre travail. Les détails, les couleurs, les petits sons, tous ces merveilleux détails révélateurs, seront au premier plan de votre imagination. Les actions ou les cascades impossibles à réaliser deviendront plus faciles à repérer. Les dialogues inutiles disparaîtront.

En réalité, il ne s’agit que d’une visualisation intense, avec un petit côté dramatique. Même si ce n’est que dans votre vision personnelle, vos histoires seront un peu plus proches de l’intensité d’un écran de cinéma.

Chaque fois que vous pourrez combiner les meilleures caractéristiques de ces deux mondes – films et livres – vous pourrez proposer un produit qui vaut le prix d’entrée de n’importe quel lecteur.

Donnez-moi votre avis : Même si vous écrivez des romans, vous arrive-t-il d’imaginer vos livres comme des adaptations cinématographiques ?

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Montrer et raconter : La manière simple et rapide de faire la différence

On peut dire que la règle la plus importante de la fiction est le vieil adage “Show, don’t tell”, “Montrez, ne racontez pas”! Cela semble simple, n’est-ce pas ? Et pourtant, de nombreux auteurs inexpérimentés (et certains pas si inexpérimentés) se débattent avec ce principe fondamental de montrer et de raconter. Après tout, l’écriture n’est-elle pas toujours révélatrice ? Chaque mot que nous écrivons a pour but exprès de dire au lecteur ce qu’il est censé imaginer. N’est-ce pas ?

La réponse est simple : oui. La réponse pas si simple est oui et non. Personnellement, j’ai toujours pensé que l’aphorisme « montrer et raconter » était mauvais, simplement parce que, pour un écrivain, montrer et raconter les deux revient à la même chose : expliquer une histoire aux lecteurs.

Alors quelle est la différence ?

Montrer et raconter : L’explication succincte

Raconter, c’est résumer. Le récit donne aux lecteurs les faits bruts, avec peu ou pas d’illustration.

Montrer, c’est élaborer. Montrer donne aux lecteurs les détails d’une scène, notamment ce que le ou les personnages voient, entendent, touchent, goûtent, sentent, pensent et ressentent sur le plan émotionnel.

Montrer et raconter : La longue explication

Les différences entre montrer et raconter sont peut-être mieux reconnues dans les exemples concrets. Voici quelques bribes modifiées de mon roman de fantasy Dreamlander.

Raconter :

Orias a fui les soldats. Son cheval a sauté sur une branche d’arbre tombée. Il a entendu quelqu’un lui crier d’arrêter, et il s’est senti nerveux. Les soldats se sont arrêtés et ont pointé leurs fusils sur lui.

Montrer :

De l’arrière est venu le martèlement des sabots. Des branches d’arbre fouettaient le visage d’Orias et recouvraient sa selle de feuilles. Il grinça des dents, le visage plongé dans le grondement qui était devenu sa protection contre un monde injuste. Ils n’allaient pas l’attraper. Ils ne pouvaient pas l’attraper.

Il éperonnait les flancs ensanglantés de son cheval, et ses doigts le démangeaient d’atteindre le sabre gainé sur son dos. Son sang battait dans ses veines, pulsant contre la blancheur de sa peau, aiguisant ses réflexes, réduisant ses pensées à l’intensité d’un rasoir.

Son cheval fatigué trébucha, et les sabots derrière lui se rapprochèrent. Des voix crièrent : « Arrêtez maintenant ! Au nom de Mactalde, rendez vous ! »

Il cracha un serment et esquiva une autre branche d’arbre. Même le nom de l’homme – bien qu’il ait été mort pendant vingt ans – brûlait dans l’air comme une malédiction.

Les bruits de sabots ralentirent et s’estompèrent, surpassés par le bruit rapide des fusils qui s’élèvent pour viser et le clic des gachettes qui se verrouillent en place. Le sang d’Orias se figea dans ses veines.

La différence, bien sûr, est immédiatement perceptible. Le premier exemple donne au lecteur les faits nécessaires, mais le second donne vie à ces faits.

Et comment s’y prendre pour donner vie à ces faits nécessaires ? Ce n’est pas une question à laquelle on peut répondre en une ou deux phrases, simplement parce que toute la fiction est une question de spectacle. Chaque étape, chaque truc, chaque nuance de la fiction a pour but explicite de donner vie aux décors et aux personnages. Aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de montrer, tout simplement parce qu’aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de la fiction. La perfection dans ce domaine, comme dans tous les autres, est une chose que nous recherchons tous.

Par conséquent, la réponse évidente à notre question est simplement de continuer à perfectionner chaque domaine de votre métier. Si vous ne pouvez améliorer qu’un seul domaine mineur du développement de l’intrigue ou des personnages, vous aurez également amélioré votre maîtrise de la présentation. Cela dit, voici quelques suggestions plus précises pour vous concentrer sur ce battement de cœur du métier.

1. Se concentrer sur les sens

La façon la plus simple de donner vie à une scène est probablement de se concentrer sur l’un ou l’ensemble des cinq sens. Dites au lecteur ce que le personnage voit ou sent. Si votre scène se déroule au milieu d’une tempête de pluie estivale, mentionnez l’odeur de l’asphalte mouillé et le chatoiement du pétrole dans une flaque de boue.

Au lieu de vous contenter de dire que votre personnage est entré dans un magasin de fleurs – et de laisser au lecteur le soin de remplir les détails – montrez-nous ce que le personnage rencontre. Parlez-nous de la sonnerie de la cloche au-dessus de l’entrée, parlez des éclaboussures d’écarlate et de jaune, de l’air parfumé. Utilisez votre imagination, creusez profondément pour trouver des petits détails qui feront surgir la scène dans l’imagination du lecteur.

Mais n’allez pas trop loin dans vos descriptions. En particulier à l’époque où la télévision est omniprésente, la plupart des lecteurs ne sont pas assez patients pour feuilleter les pages de description (même si elles sont très réalistes). Vous devez plutôt sélectionner une poignée de détails importants et les disséminer dans votre action et votre dialogue.

2. Utilisez un langage vivant

La précision est le sang de la vie de la fiction. Vous pouvez écrire sur un personnage qui se promène dans la rue, mais à quel point est-il plus évocateur de parler de lui se traînant dans une ruelle ou se promenant dans l’allée ? Utilisez des verbes et des noms spécifiques, et choisissez avec goût uniquement les modificateurs qui partagent des faits importants.

Avant de conclure, je dois noter que le fait de raconter n’est pas sans importance dans la fiction. Il n’est pas nécessaire que chaque scène ou action soit entièrement dramatisée. Des scènes relativement peu importantes peuvent être résumées, des récapitulations d’informations (comme lorsque votre personnage raconte à un autre personnage des informations que le lecteur connaît déjà) peuvent être passées en revue, et des détails désagréables peuvent être évités.

Une fois que vous aurez pris l’habitude de peindre sur la toile plus large de l’exposition, vous constaterez que l’art de la fiction est plus illimité que vous ne l’auriez imaginé.

Donnez-moi votre avis : Qu’est-ce qui vous semble le plus difficile à montrer ?

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7 Idées fausses sur le métier d’écrivain

Comme toute bonne histoire, la vie d’écrivain est un récit d’une profondeur trompeuse. À première vue, elle offre une couverture brillante, artistique et amusante. Devenez écrivain ! Son titre l’appelle, et ses premiers chapitres nous attirent en remplissant toutes ces promesses initiales. Mais plus on s’enfonce, plus on va loin, plus on se rend compte que l’histoire ne se résume pas à un simple regard. Il y a plus d’aventure, plus de conflits, plus de drame et plus de comédie que nous n’aurions jamais pu le réaliser. En bref, il existe de nombreuses idées fausses sur le métier d’écrivain.

Au début de l’année, j’ai commencé à relire mes vieux journaux intimes, à partir de mes quatorze ans (parce qu’à un moment donné, j’ai été gênée et j’ai tout brûlé avant cela). Ce fut fascinant de revisiter mon jeune moi pour de nombreuses raisons, mais l’une des plus intéressantes est de se souvenir de ce que c’était que d’être ce jeune écrivain débutant – celui qui ne savait même pas qu’on faisait des livres qui vous apprenaient à écrire. J’avais pratiquement oublié ce que c’était au début du voyage – d’être sur la toute première page de ma propre version personnalisée de Devenir écrivain !

Jusqu’à présent, l’aventure a été pleine de surprises, et comme j’ai entamé ce voyage il y a vingt ans et que je n’ai plus de complaisance à l’égard des nombreux défis qui me semblaient insurmontables au départ, il est à la fois surprenant et agréable de réaliser que l’histoire de l’écriture est loin d’être une formule.

7 Idées fausses sur le fait d’être un écrivain

Aujourd’hui, j’ai pensé qu’il pourrait être amusant de jeter un coup d’œil sur sept des idées fausses que je croyais (certaines depuis de très nombreuses années) sur l’écriture. Certaines d’entre elles ont été utiles sur le moment et où j’en étais, ne serait-ce que parce qu’elles ont réduit mes options au début et m’ont évité d’être submergée par trop d’options. Mais chacun d’eux était aussi une joie à conquérir sur le chemin d’une bien meilleure compréhension de l’autre côté.

1. L’écriture ne compte pas tant que vous n’êtes pas un « vrai » écrivain

Ce doit être la plus répandue de toutes les idées fausses sur le métier d’écrivain. (Et, en toute justice, le titre de ce site n’a certainement rien fait pour aider). Cela commence par la réalité que nous commençons comme débutants avec un long chemin à parcourir si nous voulons un jour être publiés, prolifiques, ou même simplement professionnels. Mais l’idée que nos écrits ne comptent pas tant que nous ne sommes pas publiés, prolifiques et professionnels est tout simplement fausse.

Les gens me demandent souvent ce qui les qualifie de « vrais » écrivains. La publication est la mesure la plus claire. Mais comme mon jeune autodidacte l’a appris, ce n’est pas toujours aussi clair non plus. J’ai commencé à l’aube du boom de l’édition indépendante, à l’époque où personne n’avait rien de bon à dire sur l’auto-publication (et non sans raison valable). J’ai donc parcouru une route longue et sinueuse pour trouver ce qui me qualifiait de « vrai » écrivain. Était-ce mon premier roman auto-publié ? Était-ce lorsque j’ai obtenu un certain nombre de ventes/suivis/classements ? Honnêtement, je ne sais pas trop où j’ai franchi la limite et décidé que j’étais un « vrai » écrivain. Avec le recul, je pense plutôt qu’il n’y avait pas de limite. Il n’y avait que le passage du temps et l’acquisition d’expérience.

J’ai toujours détesté l’expression « aspirant écrivain » ou, pire, « écrivain débutant ». L’expression « écrivain pré-publié » est plutôt l’une de mes façons préférées de parler de la phase de lancement. Si vous écrivez, vous êtes un écrivain. Et si vous êtes un écrivain, alors vous êtes déjà un « vrai » écrivain. Ne négligez pas ce que vous écrivez dans les premiers temps (et ne le brûlez pas comme je l’ai fait). Vous n’êtes pas moins un « vrai » écrivain au début que vous n’étiez une « vraie » personne dans l’enfance.

2. Il existe un nombre de mots quotidien magique qui prouve que vous êtes discipliné

C’est assez drôle, en fait. La vie d’écrivain est profondément non-normative. C’est différent pour chacun d’entre nous. Et pourtant, les écrivains souffrent de comparaisionnite. Je pense que cela est dû en grande partie au fait que l’immensité de la vie créative nous met tous en mer et que nous nous tournons vers nos semblables pour nous aider à comprendre ce qui peut être « normal » et ce qui ne l’est pas.

Il est certain que cela a de la valeur. Il y a longtemps, je me souviens avoir lu Write Away d’Elizabeth George et avoir trouvé un grand réconfort dans son approche de la planification d’une histoire – parce qu’elle fournissait une base théorique à ma propre approche instinctive. Mais je suis sûre que d’autres jeunes écrivains ont lu le même livre et l’ont trouvé horrifiant parce qu’il ne correspondait pas du tout à leur propre approche instinctive.

Cela va donc de pair avec le comptage quotidien des mots, entre autres choses. Nous regardons toujours furtivement nos pairs, nous demandant combien de mots ils écrivent chaque jour. Nos propres habitudes sont-elles à la hauteur ? Ou sommes-nous sur le point de découvrir à quel point nous sommes vraiment indisciplinés ?

Mais il n’y a pas de sauce secrète. Il n’y a pas de nombre magique de mots par jour. J. Guenther a fait un commentaire perspicace sur le billet de la semaine dernière :

…le nombre de mots par jour peut être une mesure trompeuse du progrès. Je crois que chaque histoire a son propre rythme naturel de développement. Plus vite n’est pas toujours mieux ; en fait, cela peut être dangereux.

L’esprit de l’écrivain n’est pas un micro-ondes ; il ressemble plutôt à un imu, la fosse utilisée pour cuire lentement un porc entier. Il faut du temps pour que le conscient et l’inconscient travaillent ensemble à l’élaboration d’une histoire équilibrée et cohérente. Beaucoup d’auteurs sous-estiment l’importance de réfléchir à des scènes et à des alternatives avant de mettre les mots sur le papier.

Certains écrivains écrivent en grande quantité, huit heures ou plus par jour, en martelant des dizaines de milliers de mots en une seule séance. D’autres écrivent simplement une phrase dans le même laps de temps. La plupart d’entre nous se situent quelque part entre les deux. La preuve de notre discipline en tant qu’écrivains réside beaucoup moins dans la vitesse à laquelle les mots s’écoulent de nous que dans le fait que nous continuons à nous montrer et à les inviter à s’écouler.

3. Le reste de votre vie ne doit jamais être plus important que vos écrits

C’est une chose à laquelle j’ai cru pendant longtemps. Mes mantras étaient « traitez l’écriture comme un travail » et « si vous ne prenez pas votre temps d’écriture au sérieux, personne ne le fera non plus ».

C’étaient de bons mantras, dans la mesure où ils allaient loin. Ils m’ont certainement aidé à affiner la discipline quotidienne. Mais si nous croyons trop strictement à ces idées, nous risquons soit de ne jamais lever les yeux de notre bureau, soit de nous sentir constamment coupables parce que d’autres parties de notre vie se placent en fait au premier rang.

En cette période de malaise mondial, j’ai entendu les uns après les autres des écrivains lutter contre un stress aggravé parce qu’ils ne peuvent tout simplement pas trouver en eux la force d’écrire comme d’habitude en ce moment. Mais si cette pandémie et ses innombrables conséquence ne nous apprennent rien d’autre, je pense qu’on peut dire sans risque de se tromper qu’elle prouve que la vie suit ses propres cycles. Certains jours/semaines/mois/années sont consacrés à l’écriture, d’autres non.

L’une des leçons les plus joyeuses que j’ai apprises jusqu’à présent en tant qu’écrivain est que les jours/semaines/mois/années sans écriture ne signifient pas que je suis moins écrivain. Ils signifient simplement qu’il est temps d’apprendre quelque chose de nouveau, d’explorer, de remplir le réservoir. En effet, je dois dire qu’écrire ne fonctionne vraiment que lorsque le « reste de votre vie » est sur le devant de la scène.

4. La vie d’écrivain suit une feuille de route pré-établie

C’est peut-être parce que j’ai un esprit si linéaire, mais je suis entré dans la vie d’écrivain avec cette conception que c’était une route bien tracée et bien définie. En avançant sur cette voie, les écrivains passent par une progression constante de jalons, un peu comme les années scolaires successives.

Là encore, c’est vrai dans une certaine mesure. Au moins, on commence comme débutant, on passe à la phase intermédiaire, et peut-être un jour on devient « avancé ». Mais au-delà de cette progression, qui n’est influencée que par le temps, le chemin de l’écriture est sauvage et inexploré.

Jusqu’à présent, mon voyage ne ressemble en rien à ce que je pensais. J’ose dire aussi que mon voyage ne ressemble en rien au vôtre, et que le vôtre ne ressemble en rien à celui des autres. Nous venons à l’écriture à tout âge. Nous écrivons pour toutes sortes de raisons différentes. Nos voyages vers la publication (ou non) suivent de nombreux chemins différents. Et même le flux et le reflux de nos intérêts et motivations créatives sont en constante évolution.

S’il y a une chose que je dirais à propos de la vie d’écrivain à ce stade, c’est qu’elle est pleine de rebondissements.

5. Les écrivains sont plus sages que tout le monde

D’une manière vague, j’avais l’habitude de penser aux écrivains comme une sorte de version transcendante de l’humanité. Comme ils doivent être sages. Comme ils sont différents des mortels ordinaires. Je veux dire qu’ils ont leur nom sur les couvertures des livres à l’épicerie, pour l’amour du ciel.

Il est certain que les écrivains dont le nom est remarqué, et encore moins reconnu, ont eu le talent et l’intelligence de faire figurer leur nom sur ces couvertures. Mais à un moment donné, quand vous réalisez que vous êtes un auteur, vous réalisez aussi que vous n’êtes pas devenu plus grand pour jouer ce rôle. Au contraire, votre idée de l' »auteur » devient un peu plus petite. Vous réalisez qu’être un auteur est un défi pour en apprendre plus, parce que vous n’en savez pas assez.

6. Écrire est glamour ou écrire est pour les fainéants

Rien n’arrête la conversation d’un dîner plus vite que de dire aux gens que vous êtes écrivain. Personne ne semble jamais savoir quoi en penser (très probablement parce qu’il n’a jamais obtenu auparavant la réponse à la question « alors que faites-vous ?) S’il arrive que la conversation dépasse les grognements de politesse, vous obtiendrez probablement l’une des deux réponses. Soit les gens se mettent à penser que vous devez être riche et célèbre avec de nombreuses adaptations cinématographiques à votre actif, soit ils vous regardent discrètement dans les yeux en pensant que vous ne faites que couvrir le fait que vous êtes trop paresseux pour avoir un « vrai travail ».

Pour la plupart d’entre nous, l’écriture n’est ni glamour ni un jeu d’enfant. Très peu d’entre nous vivent dans un manoir ou marchent sur le tapis rouge des premières de cinéma. Il est vrai que nous passons souvent de longues heures allongés dans le hamac ou sur le canapé, mais généralement dans une sorte de lutte agonisante pour surmonter nos malheurs narratifs.

Dans l’ensemble, les écrivains sont des personnes incroyablement disciplinées. Ils sont comme des bâtisseurs de corps de l’imagination – toujours en train de travailler, toujours en train de se perfectionner, toujours en train de se soumettre à des plans rigoureux d’amélioration personnelle. En fait, les écrivains sont parmi les personnes les moins paresseuses que je connaisse. Et nous faisons tout cela même si nous avons depuis longtemps été désillusionnés par les notions de glamour. L’argent, la célébrité et l’adaptation cinématographique semblent amusants, mais ce n’est pas pour cela que la majorité d’entre nous fait ce qu’elle fait, jour après jour. Cette citation de Ryan Reudell le confirme :

Peut-être qu’il ne sera pas célèbre. Peut-être que ce ne sera pas un film. Mais ce n’est pas pour cela que je l’ai commencé. Et ce n’est pas pour ça que je vais le terminer.

7. L’écriture est une chose très sérieuse

Après la sortie de mon premier roman, je suis allée au bureau de poste pour envoyer des exemplaires pour commentaire. J’ai dit au postier que c’était mon premier livre, et il a marmonné : « Qu’est-ce que c’est, une romance bon marché ? Mortifiée, j’ai crié quelque chose comme quoi « non, c’était un roman historique sur le devoir et la justice ».

Il m’a fallu beaucoup de temps après pour admettre que ce que j’écris est un mélange de genres pleine d’élan et, oui, une bonne dose de romance. Mais ce n’est pas seulement le sexisme déprimant du commentaire de l’employé de la poste qui m’a fait hésiter à qualifier ce que j’écris d’histoires « amusantes ». C’est aussi la conviction que l’écriture, pour être bonne, doit être très sérieuse.

Il est certain qu’écrire est sérieux. Elle façonne notre monde. Même si personne d’autre que nous ne la lit, elle façonne notre vie. Mais écrire nos histoires est une grande responsabilité, qui n’est pas plus grande que tous les autres mots que nous mettons au monde. Et beaucoup de ces mots sont simplement amusants. En effet, je crois fermement que certaines des histoires les plus puissantes (pour le meilleur comme pour le pire) sont celles qui sont les plus divertissantes.

De nos jours, si quelqu’un me pose des questions sur l’un de mes livres, je commence généralement par la partie la plus amusante.


En vérité, je commence à réaliser que les idées fausses sur l’écriture sont sans fin. Mais je me rends compte aussi que plus nous prenons à la légère certaines idées comme « gospel », plus nous sommes capables de les écarter facilement lorsqu’elles ne nous sont plus utiles. Dans vingt ans, j’ai hâte de lire mon journal actuel et de sourire aux choses auxquelles je croyais, mais qui sont depuis longtemps dépassées.

Et vous, donnez-moi vos opinions ! Quelles sont les idées fausses sur l’écriture que vous aviez autrefois, mais qui sont devenues obsolètes ? Dites-le-moi dans les commentaires !

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2 règles pour prendre le temps d’écrire

« Ce n’est qu’une demi-heure » – « ce n’est qu’un après-midi » – « ce n’est qu’une soirée » – me disent et me répètent les gens – mais ils ne savent pas qu’il est impossible de se commander parfois une disposition stipulée et fixée à cinq minutes – ou que la simple conscience d’un engagement peut parfois inquiéter toute une journée. Ce sont les pénalités payées pour l’écriture de livres. Celui qui se consacre à un Art doit se contenter de s’y livrer entièrement, et y trouver sa récompense. Je suis affligé si vous me soupçonnez de ne pas vouloir vous voir, mais je n’y peux rien ».

Charles Dickens (écrit à Maria Beadnell Winter, une amie d’enfance, qui souhaitait prendre rendez-vous avec lui)

Comment se fait-il, j’aimerais le savoir, que Dickens puisse s’en tirer en disant quelque chose comme ça, et que nous ne puissions pas ? Eh bien, c’est Dickens, je suppose. En tant qu’auteur célèbre et aimé, il pouvait s’en tirer en étant concis et même légèrement hargneux. Ou bien est-ce le contraire, c’est-à-dire qu’il était un auteur célèbre et aimé parce qu’il a écrit de telles notes ?

Prendre le temps d’écrire : La plus grande lutte

L’un des plus grands combats (oui, ajoutez-en un autre à la liste) de la vie de l’écrivain est de prendre le temps d’écrire. Pour une raison ou une autre, la plupart des non-écrivains ont du mal à comprendre que l’écriture doit être abordée avec le même dévouement, la même discipline et la même gestion du temps qu’un travail régulier. Les membres de la famille et les amis sont susceptibles de nous lancer des regards blessants et méprisants lorsque nous nous enfermons derrière des portes closes pour un autre soir/une autre nuit/un autre matin/une autre semaine de frappe sur le clavier. Ajoutez à cette culpabilité fâcheuse nos propres tendances à la procrastination, et nos horaires déjà surchargés semblent souvent n’avoir aucune place pour notre écriture.

Mais devinez quoi ? Si vous n’écrivez pas, vous n’êtes pas un écrivain. (Non, désolé, regarder par la fenêtre de la cuisine et rêvasser pendant que vous faites la vaisselle ne compte pas). Toute personne qui a l’intention d’être prise au sérieux en tant qu’auteur doit d’abord se prendre au sérieux – et cela signifie, avant tout, prendre le temps d’écrire.

Vous remarquerez que je n’ai pas intitulé ce billet « Trouver le temps d’écrire ». J’ai dit « Prendre le temps » pour une bonne raison. Si vous mettez votre texte sur le fond de l’étagère avec l’intention de le retrouver dès qu’une minute de libre se présente, vous risquez de trouver un centimètre de poussière accumulée sur votre manuscrit au moment où vous le retrouverez. La vie se met toujours en travers de votre chemin.

Vous devez trouver le temps. Vous devez faire de votre écriture une priorité. N’attendez pas que votre famille ou votre emploi du temps se relâche et prévoyez les horaires nécessaires pour que vous puissiez consacrer une heure ou deux à l’écriture chaque jour. Je n’oublierai jamais une ligne de conseil que j’ai lue une fois (même si je dois admettre que j’ai oublié qui l’a dite) :

Prenez le temps d’écrire. Si vous ne le faites pas, personne ne le fera.

D’après ma propre expérience, la planification du temps d’écriture se résume à deux règles strictes :

1. Soyez cohérent

Fixez-vous comme objectif d’écrire quelque chose six jours par semaine. Donnez-vous un objectif précis – soit un nombre de mots, soit une limite de temps (le nombre de mots vous rendra plus productif, mais une limite de temps est souvent la seule option possible pour les emplois du temps chargés) – et respectez-le chaque jour. Peter de Vries a fait un commentaire à ce sujet,

J’écris quand je suis inspiré, et je veille à ce que l’inspiration me vienne à neuf heures tous les matins.

L’important à ce stade n’est pas tant la qualité de ce que vous écrivez que le fait que vous écriviez. Mon propre temps d’écriture va de quatre heures à six heures cinq jours par semaine.

2. Protégez avec zèle le temps que vous avez choisi

Il m’est arrivé de menacer les personnes qui interrompent mon travail en leur donnant le choix entre une machette ou un lance-flammes. Une fois que je suis à mon bureau avec ma musique, je ne m’arrête pas pour autre chose qu’une catastrophe naturelle. Je ferme la porte, j’arrête l’Internet et j’éteins le téléphone. Il a fallu des années à ma famille et à mes amis pour se rendre compte que je ne veux pas être interrompue pendant ces deux heures, et j’avoue avoir été grincheuse à une ou deux occasions. Mais cela a payé. Pour l’essentiel, on me laisse tranquille dans la solitude. Au lieu de me faire sortir de mon file de pensées par une faveur ou une question qui « ne prendra que cinq minutes », on a appris à attendre que je sorte de ma cellule créative. Mettez le pied à terre, et les gens finiront par apprendre à respecter vos besoins.

Tout le monde ne sera pas en mesure de consacrer deux heures de son temps libre par jour. (Même si certains pourront probablement trouver encore plus de temps que cela.) Évidemment, aussi important que soit votre écriture, ce n’est pas la chose la plus importante dans votre vie. Les gens et les responsabilités passent avant tout. Mais si vous prenez votre écriture au sérieux, vous devrez prendre le temps d’écrire de façon cohérente et ininterrompue. Croyez-moi, cela vaut tous les sacrifices que vous pourriez avoir à faire. Et si vous ne voulez pas me croire sur parole, écoutez au moins ce que vous dit Dickens.

Donnez-moi votre avis : Comment faites-vous pour prendre le temps d’écrire ?

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Le lien essentiel entre le thème et l’arc des personnages

Le thème narratif est un concept glissant. La sagesse qui prévaut parmi les écrivains est que si vous appliquez une force délibérée à votre thème, vous finirez par obtenir une fable d’Ésope un peu caricaturale. D’un autre côté, une histoire sans thème est au mieux une lecture superficielle et au pire un flop irréaliste.

Le thème est sans doute la facette la plus importante d’une histoire mémorable. Des personnages vivants, des dialogues pleins d’esprit et des rebondissements d’une intrigue meurtrière peuvent certainement porter une histoire à eux seuls, mais sans thème, ils ne donneront jamais leur pleine mesure. Et pourtant, aucun thème, c’est souvent bien meilleur qu’un thème mal présenté.

Comment créer un thème puissant à chaque fois

Si vous vous concentrez trop sur le thème, vous risquez de vous aliéner votre public en lui faisant la morale. Mais si vous étouffez toute pensée sur le thème, vous risquez de priver votre histoire de sa force vitale centrale, de son battement de cœur, de sa signification. Alors que doit faire un écrivain ?

La clé est le lien entre le thème et la progression du personnage. Comme pour presque tous les autres aspects de l’histoire, le personnage est une fois de plus la clé essentielle pour que votre thème soit exploité dans toute son étendue. En fin de compte, le thème est la leçon que vos personnages auront apprise (ou n’auront pas apprise) à la fin de l’histoire. Le thème est inhérent aux luttes de vos personnages et, par conséquent, à l’histoire elle-même. Le meilleur des thèmes jaillit sans effort et même inconsciemment du cœur des actions et des réactions des personnages.

Dans le classique de Joseph Conrad, Lord Jim, la saga d’un jeune marin hanté par son acte unique de lâcheté, le thème pourrait peut-être se résumer aux répercussions de la trahison. Parce que le thème est une conséquence naturelle de l’action initiale de Jim (sauver sa propre vie au lieu d’aider les passagers de son navire qui se noient) et de ses réactions ultérieures (fuir dans la honte, se cacher sur une île indonésienne et, finalement, tirer les leçons de son erreur initiale et refuser de sauver sa propre vie lorsque l’île est attaquée), les opinions indirectes de Conrad sur le sujet ne peuvent jamais être interprétées comme moralisatrices ou déplacées. En effet, le thème est au cœur même du roman. Sans lui, Lord Jim n’aurait été qu’un récit décousu mettant en scène les voyages d’un jeune homme ambigu et sans saveur.

Thème et personnage, personnage et thème

La clé d’un thème fort est une forte progression des personnages. Les changements que votre personnage subit dans les chapitres entre l’incident déclencheur et le point culminant définiront votre thème. Mais ces changements doivent découler naturellement des personnages. Si Conrad n’avait pas présenté Jim comme un jeune homme idéaliste qui regrette désespérément ses actions à bord du Patna, la fin dans laquelle Jim choisit de se sacrifier sur l’île n’aurait jamais été vraie. Elle aurait été perçue comme forcée et irréaliste. Conrad aurait été coupable de moralisation – le plus noir des péchés d’auteur – et Lord Jim n’aurait certainement jamais atteint son statut de classique de la littérature anglo-saxonne.

Alors comment mettre en œuvre le thème ? Ou peut-être la meilleure question serait-elle de savoir s’il faut mettre en œuvre le thème ? De nombreux auteurs évitent de réfléchir délibérément au thème dans leurs premières ébauches. Ils écrivent leurs histoires avec peu ou pas d’intention pour un thème. Puis, généralement au milieu du roman, les personnages font ou disent quelque chose qui fait soudainement pendre le fil rouge du thème devant le nez de l’auteur ravi.

Comment trouver un thème

Dès la conception d’une histoire, j’ai les yeux grands ouverts pour saisir ce premier aperçu d’un thème possible. L’astuce la plus importante pour saisir le thème parfois insaisissable et toujours éphémère est de me consacrer à la création de personnages authentiques qui réagissent à leurs différents creusets de manière authentique.

Dans Dreamlander, mon projet actuel, je suis arrivée à un point où je dois faire attention à ce que chaque action, chaque mot, chaque pensée de mon personnage principal sonne juste. Parce que, en tant que créatrice, je savais où l’histoire se terminerait, j’avais une assez bonne idée du thème avant même de commencer à écrire. Ce que je ne savais pas encore exactement, c’était de savoir exactement comment les actions intermédiaires de mon personnage feraient boule de neige vers cette fin.

Maintenant que j’ai parcouru environ les deux tiers de l’histoire, je connais mes personnages bien mieux qu’au début, et je vois dans les premiers chapitres des endroits que je devrai renforcer pour que les actions et les réactions des personnages aient une importance plus profonde. Bien que je sache depuis le début quelles seront les questions thématiques de cette histoire, les réponses, comme elles le font parfois, ont pris leur temps pour arriver. Mais comme je connaissais les questions et que je les ai gardées à l’esprit tout au long du processus d’écriture, j’étais prête à y répondre lorsque l’intrigue et les personnages auraient suffisamment progressé.

Vous posez-vous ces questions sur le thème ?

Dès que vous êtes prêt à commencer à réfléchir au thème, posez-vous les questions suivantes :

Quel est le conflit interne du personnage principal ?

Pour la plupart des romans, c’est une question à laquelle on répond très tôt, car elle va orienter l’ensemble de l’histoire.

Lequel des points de vue du personnage principal va changer à la suite des événements de l’histoire ? Comment et pourquoi ?

C’est ici que vous trouverez la force sous-jacente de votre thème. Les opinions de votre personnage définiront ses actions, et ses actions définiront l’histoire.

Comment le personnage principal va-t-il démontrer ses opinions et attitudes respectives au début et à la fin de l’histoire ?

Il s’agit d’une extension de la question précédente, mais elle est essentielle car sa réponse démontrera les changements au lecteur.

Y a-t-il un symbolisme particulier qui peut renforcer le thème et l’attitude du personnage à son égard ?

Comme le thème lui-même, le symbolisme est souvent exagéré et donc généralement meilleur lorsqu’il est tiré de façon organique de votre propre inconscient. Par exemple, vous vous trouverez parfois à utiliser une couleur ou une image particulière pour représenter quelque chose ; si le symbole s’avère efficace, vous pourrez plus tard revenir en arrière et le renforcer tout au long de l’histoire.

Comment puis-je utiliser le sous-texte (le non-dit) pour illustrer le thème, afin de ne pas avoir à l’expliquer au lecteur en autant de mots ?

En ce qui concerne le thème, le non-dit est presque toujours plus puissant que le direct. Souvent, dans la vie réelle, lorsque nous apprenons des leçons et changeons de point de vue, nous ne pouvons pas immédiatement définir les changements dans un langage précis. Et votre personnage ne devrait pas l’être non plus. Lord Jim n’avait pas à nous dire que ses actions sur l’île étaient le résultat direct de sa lâcheté passée ; c’était évident dans le contexte et aurait en fait été affaibli si Conrad l’avait mentionné carrément.

Une histoire sans thème, c’est comme une glace sans crème. Mais pour être efficace, le thème doit être organique et, souvent, cet aspect est sous-estimé. Comme toutes les subtilités de l’écriture, le thème est un art, mais il vaut certainement la peine d’être maîtrisé.

Donnez-moi votre avis : Comment votre thème est-il lié à l’arc de votre protagoniste ?

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6 façons de créer un conflit captivant dans votre histoire

Qui dit que le conflit est une mauvaise chose ? Qui dit que la paix mondiale est l’objectif le plus important de l’humanité ? Qui dit qu’en se disputant avec son petit frère quand on est enfant, on risque de devenir un voyou mal élevé ?

Pas un écrivain, c’est sûr !

On peut dire que le principe le plus important de la fiction se résume à la phrase « pas de conflit, pas d’histoire ». Vous pouvez enfreindre toutes les règles du livre et avoir un sacré succès, à condition de ne pas oublier d’ajouter un soupçon de conflit dans votre histoire. Ou plutôt, une ou deux louches bien remplies.

Le principe est simple : la fiction a sa base même dans le conflit. Si les personnages principaux ne s’affrontent pas, s’il n’y a pas de guerre, si les extraterrestres se contentent de rester discrètement dans leur propre galaxie, alors nous n’avons pas vraiment d’histoire, n’est-ce pas ? Pensez-y. Si Elizabeth et M. Darcy s’étaient bien entendus dès le début, nous n’aurions jamais connu tout cet esprit fin et ce grésillement d’émotions et de retournements dans Orgueil et Préjugés. Si le Nord et le Sud avaient simplement réglé leurs différends par une poignée de main, Scarlett O’Hara n’aurait jamais eu besoin de s’échapper d’une Atlanta en feu dans Autant en emporte le vent. Et si les Martiens s’étaient occupés de leurs propres affaires sur Mars, Orson Welles n’aurait jamais pu entrer dans l’histoire en faisant flipper des milliers de personnes avec son émission de radio sur la Guerre des Mondes.

Alors comment fabriquer ce précieux ingrédient de l’histoire ? Heureusement, le conflit est en fait l’un des éléments les plus faciles (et les plus amusants) de l’histoire. En tant qu’êtres humains, nous connaissons tous un peu l’anarchie et le chaos, et il n’est pas si difficile d’emprunter un peu de ces éléments à la vie réelle et de les instiller dans la page. Mais juste au cas où vous vous sentiriez perplexe, voici quelques suggestions.

1. Créez des conflits de personnalités

C’est la façon la plus simple (et souvent la meilleure) d’introduire un peu de conflit dans votre histoire. Parce que l’interaction des personnages est toujours au cœur de toute histoire, ce sont les affrontements entre personnages qui produiront vos conflits les plus constants, et généralement les plus intéressants aussi. L’élément clé à retenir à propos des conflits entre personnages est qu’ils doivent s’affronter pour une raison réaliste. Les personnages qui s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire ne peuvent pas soudainement, sans raison apparente, exploser dans un combat à mains nues. Bien sûr, nous ne voulons probablement pas que nos personnages s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire (c’est ennuyeux, non ?). Nous essayons plutôt de créer des personnages qui vont naturellement se pousser les uns les autres. Et je ne parle pas seulement des confrontations entre les bons et les méchants. Assurez-vous que votre héros est entouré d’adversaires mineurs. Si au contraire vous vous retrouvez avec un personnage qui a tendance à se ranger du côté de votre personnage principal à chaque tournant, pimentez-le en y ajoutant une petite rébellion inattendue.

2. Mettez les personnages dans des situations inattendues

De nombreux récits se basent entièrement sur cette idée (pensez aux frères et sœurs Pevensie qui font des culbutes dans l’armoire de Narnia dans Le lion, la sorcière blanche et l’armoire magique de C.S. Lewis ou au jeune bourgeois Jim Graham envoyé dans un camp de prisonniers japonais dans l’Empire du Soleil de J.G. Ballard). Mais même si vous n’allez pas aussi loin, vous pouvez quand même profiter de l’inattendu en forçant votre personnage à vivre des situations et des relations qui vont à l’encontre de sa personnalité ou de ses inclinations. Si vous avez une héroïne qui est terrifiée à l’idée de parler en public, pourquoi ne pas la mettre dans une situation où elle n’a pas le choix ? Elle cédera sous la pression ou relèvera le défi. Dans les deux cas, le lecteur sera accroché.

3. Faites monter les enchères

Pendant un long moment, j’avais collé sur mon tableau d’affichage une note qui disait : « Penser aux dix pires choses qui pourraient arriver à votre personnage. » C’est un peu sadique, je sais. Mais les lecteurs ne sont pas intéressés par les histoires de personnages qui traversent la vie sans jamais rencontrer d’épreuves, de danger ou de tristesse. Déchirez vos personnages, mettez-les sous une pression atroce, et quand les choses semblent ne pas pouvoir être pires, assurez-vous qu’elles le soient.

4. Combinez les batailles intérieures et extérieures

Nancy Kress, dans son fantastique livre Beginnings, Middles & Ends, a parlé de la nécessité d’inclure les batailles intérieures et extérieures :

Chaque paragraphe de votre histoire doit atteindre deux objectifs : faire avancer l’histoire (l’intrigue), et développer vos personnages en tant qu’êtres humains réels, individuels, complexes et mémorables.

En d’autres termes, le conflit doit se produire non seulement à grande échelle dans le roman (qu’il s’agisse d’une crise familiale ou de la troisième guerre mondiale), mais aussi dans le petit théâtre de la vie intérieure du personnage. Chaque scène doit inclure la bataille extérieure (la réaction physique au conflit) et la bataille intérieure (la réaction psychologique et émotionnelle aux événements). Toute scène qui manque de l’une ou l’autre, se trouve au bord de la falaise de Pas assez de conflit.

5. Construisez jusqu’au point culminant

Bien qu’il soit vital que chaque scène contienne un certain niveau de conflit, il est également important de surveiller le déroulement général de ce conflit. Vous devez ouvrir votre récit avec suffisamment de conflits pour attirer l’attention du lecteur, puis continuer à construire sur ce conflit pour qu’il continue à lire. Mais vous ne voulez pas déverser le danger et la détresse de manière si intense au début de votre histoire que vous vous épuisiez avant la fin. En vous servant de l’anticipation narrative et de la tension, construisez votre conflit de façon régulière jusqu’au point culminant (le climax).

6. Maintenez l’équilibre

Les histoires sont une question d’équilibre. Un conte dans lequel il n’y a pas de conflit sera tout aussi ennuyeux que de voir la condensation se dissiper. Mais un conte qui ne s’arrête jamais pour laisser ses personnages (ou son lecteur) reprendre leur souffle est ennuyeux à sa manière. Nous devons trouver des moyens d’ajuster le niveau du conflit. Nous devons donner à nos personnages une chance de ralentir et de rassembler leurs pensées pour la prochaine attaque. Les histoires doivent être constituées de batailles à grande et à petite échelle. Mélangez les choses. Ajoutez une variété de conflits de toutes les couleurs, formes et tailles et laissez vos personnages et vos lecteurs deviner.

Oubliez ce que les experts de la paix (sans parler de votre mère) vous disent toujours, et rajoutez-en en termes de conflit dans votre histoire. Après tout, un peu de paix et de calme n’a jamais permis à un auteur de se retrouver nulle part.

Donnez-moi votre opinion : Quelle est la principale source de conflit dans votre histoire ?


Envie de mieux préparer vos romans pour créer des conflits et des personnages qui vont améliorer votre histoire et rendre vos lecteurs plus heureux ?

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