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Créer des arcs de personnages, partie 12 : Le troisième nœud dramatique

Si vous deviez choisir le moment le plus important dans les arcs des personnages, quel serait-il ? Le troisième nœud dramatique, dites-vous ? Eh bien, vous auriez raison. Maintenant, voici la question la plus difficile : Pourquoi est-ce le moment le plus important ?

Le troisième nœud dramatique est le moment le plus bas de votre histoire. Il y a une minute, à la fin du deuxième acte, votre protagoniste semblait avoir remporté une victoire. Tout semblait aller dans son sens. Il était en train de découvrir la Vérité, et il semblait avoir au moins repoussé le Mensonge à l’arrière de sa vie. Même l’antagoniste semblait être à sa merci.

C’est le moment de démarrer la sonate « happily ever after », non ?

Pas du tout. Parce que, comme vous ne le savez que trop bien maintenant, reléguer ce mensonge au second plan n’est pas suffisant. Avant que l’histoire puisse se terminer, ce mensonge doit réapparaître au premier plan et confronter le protagoniste de plein fouet. C’est ce qu’est le troisième nœud dramatique. Ce moment de faiblesse – cette défaite, qui est d’autant plus écrasante qu’elle survient après une victoire apparente – obligera le personnage à cesser de se tromper sur le mensonge. Il ne peut plus l’éluder. Il ne peut plus faire semblant de l’ignorer. Il doit l’affronter une fois pour toutes – et le détruire ou être détruit.

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Avant de poursuivre, considérons les bases structurelles du troisième nœud dramatique :

  • Le troisième nœud dramatique est un moment de faiblesse pour votre personnage, un lieu de défaite apparente.
  • Le troisième nœud dramatique oblige le personnage à être absolument honnête avec lui-même à propos de lui-même.
  • Le troisième nœud dramatique change une fois de plus le paradigme de l’histoire.
  • Le troisième nœud dramatique lève les derniers voiles et révèle au personnage la véritable nature du conflit.

Le troisième nœud dramatique

La deuxième moitié du deuxième acte a été un lieu où votre protagoniste est devenu enfin autonome. Son adhésion à la vérité après le point médian lui a permis d’agir correctement avec de plus en plus de conviction (et de succès) pendant le reste du deuxième acte. Mais après la victoire apparente qui a clôturé le deuxième acte, le troisième nœud dramatique impose une crise, tant dans l’intrigue que dans l’arc du personnage.

Ce point de crise est le résultat d’un renversement opéré par la force antagoniste. Le protagoniste pensait que le méchant était à sa portée, mais ce dernier a encore un tour dans sa manche. En général, ce retournement de situation s’accompagne d’une révélation totalement inattendue (bien que, bien sûr, pas imprévue).

Parfois, cette révélation sera un rebondissement de l’intrigue, mais souvent, elle ne sera rien d’autre qu’une compréhension soudaine et complète des faiblesses du protagoniste, et de tous les mensonges qui l’ont porté jusque là. C’est cette nouvelle information, plus que toute autre chose, qui permet à votre protagoniste de recevoir le coup final. Il est tellement abasourdi qu’il ne peut même pas se défendre.

Le choix ultime entre le désir et le besoin

En termes d’intrigue, le troisième point consiste à créer un moment « physique » au cours duquel les objectifs du protagoniste sont menacés. Mais en termes de personnage, le troisième nœud de l’intrigue ne dépend pas seulement de « quelque chose de mauvais » qui se produit dans le conflit extérieur, mais plutôt d’un choix intérieur de la part du protagoniste.

Après deux longs actes de l’histoire, il doit enfin choisir entre ce qu’il veut et ce dont il a besoin, entre le mensonge et la vérité. Tout au long de la deuxième moitié du deuxième acte, il s’est convaincu qu’il pouvait avoir les deux. Maintenant, il se rend compte que c’est impossible.

Pour que ce moment ait tout son poids dans l’histoire, il doit s’agir d’un choix déchirant. Quelle que soit la décision prise ici par le protagoniste, il perdra quelque chose de vital. Il peut soit choisir la vérité et perdre son rêve. Ou bien il peut choisir le désir de son cœur et vivre le mensonge pour le reste de sa vie.

La chose que le personnage veut doit être à sa portée. Elle est enfin là, dans toute sa splendeur. Il en a rêvé pendant si longtemps. Maintenant, elle est à sa portée. Tout ce qu’il doit faire, c’est fermer les yeux sur la vérité et tendre la main pour la prendre. Et il le veut tellement, que ce désir le tue presque. Plus l’aspiration de votre personnage à la chose qu’il veut est forte à ce stade, plus votre troisième point d’intrigue sera puissant.

Mais ce n’est qu’un côté du choix. L’autre côté est la vérité – dont il a également réalisé qu’il ne pouvait pas vivre sans. Même si le chant des sirènes de la Chose qu’il veut l’attire presque irrésistiblement, ses yeux s’ouvrent enfin à l’horreur du mensonge. Il frémit à l’idée de sacrifier la chose qu’il veut, mais il est tout aussi dégoûté par la possibilité de devoir rejeter la vérité et de retourner dans l’ombre de son mensonge. Dans Plot vs. Character, Jeff Gerke souligne :

[Le protagoniste] en vient à comprendre à la fois la promesse et le prix des deux voies. En d’autres termes, il en vient à comprendre véritablement son choix….. Le moment de vérité n’est pas complet tant que le héros ne comprend pas non seulement ce qu’il a à gagner en choisissant une option plutôt qu’une autre, mais aussi ce qu’il risque de perdre.

Comme il s’agit d’un arc de changement positif, vos lecteurs savent tous, au fond d’eux-mêmes, ce que votre protagoniste va choisir. Mais plus son choix sera difficile, plus les lecteurs commenceront à douter de sa décision finale – et plus son choix sera puissant lorsqu’il le fera.

L’ancien moi meurt

Finalement, le protagoniste fait son choix, son cœur semblant sur le point de se déchirer en deux. Il choisit la Vérité. Il choisit de rejeter le mensonge. Il ne se permettra plus de vivre selon cette fausse croyance. Il embrasse la vérité et fait ce qui est juste, même si cela signifie (ou, dans certaines histoires, semble signifier) perdre à jamais la chose qu’il veut. (Qu’il obtienne ou non la chose qu’il désire à la fin n’a aucune importance. Pour l’instant, la seule chose qui compte est qu’il est tout à fait disposé à y renoncer).

À ce stade, le choix doit devenir plus qu’une décision ; il doit devenir une action. Ses convictions sont si fortes qu’elles l’obligent à agir en fonction d’elles d’une manière qui solidifie sa nouvelle voie. Il doit brûler ses ponts physiques. Après le troisième nœud dramatique, il ne pourra plus revenir en arrière et changer d’avis pour obtenir la chose qu’il veut, même si sa détermination venait à faiblir.

Métaphoriquement, ce moment est une représentation de la mort du personnage à son ancien moi. Bien qu’il puisse encore faire des expériences tout au long du troisième acte, il est, à ce moment-là, tellement attaché à la vérité qu’il est prêt à mourir physiquement pour elle. En effet, il meurt métaphoriquement, en même temps que son mensonge.

Le troisième nœud dramatique sera souvent marqué par une mort réelle, soit littéralement, soit symboliquement. Si un personnage important ne finit pas par mourir littéralement (comme Obi-Wan dans La Guerre des étoiles), la mort peut être représentée par une météo menaçante en arrière-plan, le personnage perdant son emploi (ce qui signifie une mort professionnelle), la mort d’un animal domestique, un enterrement sur la route ou une notice nécrologique dans le journal. Le motif de la mort doit être organique à votre histoire. Le symbolisme ne peut jamais être arbitraire (par exemple, l’enterrement devant lequel le personnage passe sur la route doit avoir un rapport avec l’intrigue). Mais le spectre de la mort sera presque toujours, sinon au premier plan, du moins à l’arrière-plan du troisième nœud dramatique.

Comment le troisième nœud dramatique se manifeste-t-il dans les arcs des personnages ?

L’arc de votre personnage dans le troisième nœud dramatique peut se manifester comme suit :

  • Une attaque impitoyable contre une ville innocente (y compris des gens qu’il a appris à aimer) lorsque son frère tente de le tuer. Il choisit d’arrêter littéralement de se battre et de sacrifier sa propre vie pour sauver les autres. (Thor)
  • La découverte que Rochester est déjà marié à une folle et que Jane ne peut rester avec lui que si elle est prête à sacrifier sa liberté spirituelle et morale en devenant sa maîtresse. Elle décide que le prix à payer pour être aimée est trop élevé et s’enfuit. (Jane Eyre)
  • L’électrocution de Tim, suivie de la fuite des rapaces. Le Dr Grant décide de faire tout ce qu’il faut pour protéger les enfants. (Jurassic Park)
  • Le retour de sa mère et de son dernier petit ami violent et leur affirmation que ses oncles sont des voleurs qui lui ont menti sur la façon dont ils sont devenus riches. Il choisit de rejeter les mensonges de sa mère et refuse de révéler où se trouve l’argent. (Le Secret des frères McCann)
  • Les autres jouets d’Andy refusent de l’aider à s’échapper de la chambre de Sid, puis Buzz est attaché à la fusée de Sid. Woody réalise qu’il ne peut pas s’échapper seul et choisit d’admettre que le besoin d’Andy de Woody et Buzz est plus important que sa propre évasion. (Toy Story)
  • Ils réalisent que l’un d’entre eux, Troy, a été capturé par des Irakiens et est torturé. Ils décident de sacrifier la moitié de leur or dans un marché pour obtenir des véhicules et revenir le sauver. (Les Rois du désert)
  • Une trahison de la part d’un des membres du cabinet qui conduit à ce que le beau-frère de Matt soit poignardé. Matt décide qu’il est temps de s’éloigner de la violence et d’emmener sa sœur et son fils en sécurité en Amérique. (Hooligans)
  • La dépression psychotique de son psychiatre. Bob choisit d’écouter les souhaits de la famille et de les quitter, même s’ils ont appris à s’aimer les uns les autres. (Quoi de neuf Bob ?)

Autres exemples du troisième nœud dramatique dans les arcs de personnages

Un conte de Noël de Charles Dickens : Sur le coup de minuit, comme Jacob Marley l’avait prédit, Scrooge est visité par le spectre le plus terrifiant qui soit : le fantôme du Noël futur. L’odeur de la mort est miasmique dans cette section. La mort de Tiny Tim est révélée. Mais, plus important encore, la mort de Scrooge et le traitement impitoyable que lui réservent ses connaissances et les étrangers remplissent le troisième nœud dramatique et la majeure partie du troisième acte. Scrooge voit clairement le coût de son mensonge et décide finalement de renoncer à sa richesse et de vivre le reste de sa vie en honorant Noël « dans son cœur » tout au long de l’année.

Cars réalisé par John Lasseter : Au beau milieu de sa nouvelle amitié avec les habitants de la ville et peut-être de son amour avec Mlle Sally, le troisième nœud dramatique de Flash lui est imposé. Doutant de la sincérité des nouvelles vertus de Flash, Doc a fait appel aux médias. Flash se voit offrir l’échappatoire qu’il recherchait depuis le début. Sa capacité à arriver à temps à sa course décisive est pratiquement emballée pour lui. Mais, au même moment où il est confronté à la prise de conscience que la course pourrait signifier l’abandon de la paix et du bonheur qu’il a trouvés à Radiator Springs, Flash doit suivre son équipe au loin pour la dernière course de l’année.

Questions à poser sur l’arc de votre personnage dans le troisième nœud dramatique

  1. Quel événement et/ou révélation bouleversant transforme le succès apparent de votre personnage en sa pire défaite ?
  2. Comment cette défaite a-t-elle été rendue possible par le refus de votre personnage, jusqu’à présent, de rejeter complètement son mensonge ?
  3. Comment cette défaite oblige-t-elle votre personnage à faire face aux véritables ramifications de son mensonge ?
  4. Comment cette défaite peut-elle offrir au personnage un chemin clair vers la Chose qu’il veut ?
  5. S’il emprunte cette voie, comment cela le forcera-t-il à rejeter la Chose dont il a besoin ?
  6. Comment pouvez-vous mettre en place un choix clair et décidé entre la Chose dont il a besoin et la Chose qu’il veut ?
  7. Laquelle choisira-t-il ?
  8. Comment pouvez-vous représenter littéralement ou symboliquement la mort dans cette scène, afin de renforcer la disparition de l’ancien moi de votre personnage, fondé sur le mensonge ?

À ce stade, vous devriez être en mesure de voir comment les nœuds dramatiques dirigent votre histoire dans les coins de l’arc de votre personnage. Le premier nœud de l’intrigue l’a fait sortir de son monde normal et l’a forcé à commencer à réagir. Le point médian l’a réveillé de ses réactions et l’a guidé vers l’action. Mais cette action n’était, au moins partiellement, qu’une réponse externe. Le personnage passe la deuxième moitié du deuxième acte à agir de la bonne façon (pour la plupart), mais il n’a pas encore tout à fait appris sa leçon. Au fond de lui, il croyait encore qu’il avait plusieurs options possibles, même s’il n’y avait qu’une seule bonne option pour lui dans l’histoire.

Comme vous venez de l’apprendre, c’est pour cela que nous avons besoin du troisième nœud dramatique. Le troisième nœud dramatique supprime toutes ces options et oblige le personnage à être absolument honnête avec lui-même et avec sa situation. Dans le climax à venir, votre protagoniste renaîtra de ses cendres, prêt à se battre depuis un lieu de plénitude intérieure. Le troisième nœud dramatique est le lieu d’où il se lève.

Restez à l’écoute : La prochaine fois, nous parlerons de l’arc de votre personnage dans le troisième acte.

Lire les articles précédents de cette série :

Partie 1 : Pouvez-vous structurer un personnage ?

Partie 2 : Le mensonge auquel croit votre personnage

Partie 3 : La chose que votre personnage veut vs. la chose dont votre personnage a besoin

Partie 4 : Le fantôme de votre personnage

Partie 5 : Le Moment Caractéristique

Partie 6 : le Monde Normal

Partie 7 : Le premier Acte

Partie 8 : Le premier nœud dramatique

Partie 9 : La première moitié du premier acte

Partie 10 : le point médian

Partie 11 : La deuxième moitié du deuxième acte

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Créer des arcs de personnages étonnants, partie 9 : la première moitié du deuxième acte

Dans la structure des arcs de personnage, la première moitié du deuxième acte est le moment où votre personnage s’aventure (ou est poussé) en territoire inconnu et se perd. Il ne le voit peut-être pas lui-même de cette façon, mais c’est là qu’il commence à découvrir que les anciennes règles (le mensonge auquel il croit) ne s’appliquent plus.

Cela le met un peu dans le pétrin. Il s’efforce de réagir aux événements du premier nœud de l’intrigue, tout en poursuivant plus que jamais la chose qu’il veut. Il est réactif dans le sens où il est à la merci de la force antagoniste ; il ne contrôle pas le conflit. Mais ne confondez pas réactivité et passivité. Votre personnage sera très actif dans la poursuite de ses objectifs pendant cette période, et il apprendra quelles sont les méthodes inefficaces pour atteindre cet objectif. Ces nouvelles connaissances lui permettront de réaliser que sa croyance dans le mensonge l’empêche d’avancer.

Le deuxième acte est la plus grande partie de votre histoire, environ 50 %. C’est pourquoi j’aime la diviser en trois parties : la première moitié du deuxième acte, le milieu et la deuxième moitié du deuxième acte. Nous discuterons du point médian et de la seconde moitié dans de futurs articles. Pour l’instant, prenons le temps de passer en revue les principes structurels de la première moitié du deuxième acte :

  • La première moitié du deuxième acte est le moment où vos personnages réagissent au premier nœud de l’intrigue.
  • La première moitié du deuxième acte montre votre personnage essayant de retrouver son équilibre et de trouver comment survivre dans le nouveau monde dans lequel il se trouve.
  • La première moitié du deuxième acte comporte un point de pincement (au 3/8e), dans lequel l’antagoniste montre ses muscles et rappelle aux lecteurs ce à quoi le protagoniste est confronté.
  • La première moitié du deuxième acte commence immédiatement après le premier nœud dramatique et se poursuit jusqu’au point médian, à la moitié de l’acte.

D’une manière générale, vous pouvez diviser votre livre en deux moitiés. La première moitié est consacrée à la réaction du personnage aux événements ; la seconde est consacrée à son action. Cela n’est nulle part plus clair que dans la première moitié du deuxième acte, lorsque la véritable charge du mensonge de votre personnage commence enfin à émerger.

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Les 4 parties de l’arc du personnage dans la première moitié du second acte

En structurant l’arc de votre personnage dans la première moitié du deuxième acte, veillez à intégrer les quatre points de repère suivants. Il n’y a pas de moment précis pour chacun d’entre eux ; tant qu’ils ont lieu avant le point médian, vous aurez tout en place pour le prochain grand tournant dans le développement de votre personnage.

1. Fournissez au personnage des outils pour surmonter son mensonge

Après que le premier nœud dramatique a bouleversé le monde normal de votre personnage, celui-ci va se retrouver dans un état de vulnérabilité. Et cela signifie qu’il est prêt à recevoir de l’aide pour surmonter son mensonge. On ne lui donnera pas encore tous les outils, mais il recevra au moins un clou. Il reçoit une pièce du puzzle. On peut aussi le considérer comme le premier barreau de l’échelle qu’il utilisera pour escalader le mur du mensonge.

Ce premier outil se présentera sous la forme d’informations sur la façon de surmonter le Mensonge. Souvent, il s’agira de conseils donnés par un autre personnage (souvent un archétype de mentor ou de tuteur). La première moitié du deuxième acte est souvent l’occasion pour le protagoniste de s’entraîner ou d’acquérir les compétences nécessaires pour combattre l’antagoniste dans le climax. En même temps qu’il apprend les compétences physiques nécessaires, il doit aussi apprendre des vérités pour combattre son mensonge.

Ces vérités doivent être applicables et pas seulement théoriques. Par exemple, si le Mensonge de votre personnage est « celui qui voyage le plus vite est celui qui voyage seul », alors les outils qu’il reçoit dans cette section ne doivent pas être simplement quelqu’un d’autre qui lui dit « Plusieurs mains font un travail léger ». Il faut plutôt lui donner des occasions pratiques d’apprendre la vérité en la voyant en action. En d’autres termes, montrez, ne dites pas. Ou comme Stanley Williams l’explique dans The Moral Premise :

Gardez vos mots visuels. Il est facile [d’écrire une scène] qui semble correcte, mais le lendemain matin, il devient évident que vous ne décrivez pas une action physique ou un comportement visuel, mais une attitude mentale. Les attitudes sont acceptables pour commencer, mais avant d’aller beaucoup plus loin, vous devez proposer une action que le public peut voir.

Dans Toy Story, Bo Peep encourage un Woody marginalisé (et légèrement hystérique) en lui disant : « Je sais qu’Andy est excité par Buzz, mais tu sais qu’il aura toujours une place spéciale pour toi. »

2. Montrez le protagoniste rencontrant des difficultés à poursuivre son mensonge

Dès le premier nœud de l’intrigue, le monde autour du protagoniste a changé. Mais il n’a toujours pas rattrapé son retard. La lumière de la Vérité peut briller au bord de sa vision, mais il n’en est pas encore conscient. Il n’a même pas encore reconnu qu’il y a un mensonge à surmonter. Il essaie toujours de poursuivre ses activités habituelles. Il réagit aux nouveaux événements de la même manière et cela ne fonctionne pas.

Tout au long du deuxième acte, votre personnage sera, par essence, puni pour avoir agi en fonction de son mensonge. Alors qu’auparavant son mensonge semblait lui donner du pouvoir et lui permettre d’obtenir ce qu’il voulait, il commence maintenant à se mettre de plus en plus en travers de son chemin. Il devient une pierre d’achoppement dans sa progression vers, non seulement la Chose dont il a besoin, mais même la Chose qu’il veut – son objectif global. Mais il continue, car il ne réalise pas encore ce qui se passe. Dans Character Arcs, Jordan McCollum explique,

…le personnage échoue sans comprendre pourquoi – peut-être nie-t-il l’existence du problème.

Le résultat de cette punition est une évolution des tactiques. Le personnage n’est peut-être pas encore capable de reconnaître le mensonge sous-jacent qui est à l’origine de ses échecs. Mais il reconnaîtra qu’il échoue, et il commencera à chercher des moyens d’adapter son comportement. Encore Williams :

…au cours de l’Acte 2A, les traits de comportement antérieurs d’un personnage [actions et attitudes basées sur le Mensonge] deviennent plus difficiles à adopter et à mettre en œuvre pour ce personnage. Cette remise en question du vice qu’il a pratiqué amène le personnage à envisager une méthode différente que le Moment de Grâce [Midpoint] lui offrira.

Par exemple, après que Thor se soit retrouvé banni sur Terre, son ancienne attitude d’immortel arrogant le pousse à essayer de se frayer un chemin par la force vers l’autorité – et à échouer de diverses manières humiliantes (il se fait taser, mettre sous sédatif et écraser).

3. Rapprochez le personnage de ce qu’il veut et éloignez-le de ce dont il a besoin.

À ce stade, le personnage est toujours déterminé à mettre la main sur la chose qu’il veut. Il est convaincu que cela va résoudre tous ses problèmes et il le désire avec un fanatisme sans faille. Ce qu’il ne réalise pas, alors qu’il court vers son but, c’est que plus il se rapproche de la chose qu’il veut, plus il s’éloigne de la chose dont il a besoin, ne serait-ce que parce qu’il croit que la chose qu’il veut annule la nécessité de la chose dont il a besoin.

Malgré les problèmes engendrés par ses méthodes erronées et basées sur le mensonge, votre personnage progressera tout de même vers son objectif dans cette section. Dans le film The Kid de Jon Turteltaub, Russ semble s’être débarrassé de son jeune sosie. Dans le film Monsters, Inc. de Pete Docter, Sully et Mike ont un plan pour renvoyer Boo chez lui. Dans le film Ready Player One d’Ernest Cline, Wade est en tête du tableau d’affichage et séduit une fille.

Mais ces avancées apparentes ne sont que du lait de chaux sur du bois vermoulu. Ces victoires de surface aveuglent le personnage sur la véritable nature de son conflit intérieur. L’attrait de la chose qu’il veut l’entraîne vers sa destruction. Il est peut-être en train de gagner le conflit extérieur, mais s’il continue sur cette voie, il est destiné à perdre sa bataille intérieure.

Dans Trois Rois, les personnages trouvent l’or, le volent et quittent la ville. Ils ont obtenu ce qu’ils voulaient, mais ils laissent un village entier à la merci des soldats ennemis, ce qui ne les rend pas meilleurs que les hommes contre lesquels ils ont risqué leur vie.

4. Donnez au personnage un aperçu de la vie sans le mensonge.

Le premier nœud de l’intrigue met en place un tout nouveau scénario pour votre personnage, dans lequel il entrevoit, pour la première fois, ce que pourrait être la vie sans le mensonge. Cet aperçu résultera probablement d’une démonstration des actions et des attitudes des autres personnages, mais il pourrait aussi venir grâce au personnage qui se débarrasse momentanément de son Mensonge et obtient un aperçu de la récompense de la Vérité.

À ce stade précoce de l’histoire, le personnage ne devrait pas obtenir beaucoup plus qu’un aperçu. Il n’est pas prêt à être convaincu des prémisses défectueuses de son mensonge. Mais il devrait commencer à voir les fissures. Il y a une vie au-delà du mensonge, et c’est une vie plutôt géniale. Il faut lui faire comprendre, ne serait-ce qu’un tout petit peu, à quel point ce serait génial de rejeter le mensonge et de ne jamais regarder en arrière.

Dans Green Street Hooligans, Matt se bat aux côtés de l’équipe de football de son beau-frère et apprend, pour la première fois, à quel point il est bon de se défendre lorsque quelqu’un vous pousse à bout.

Autres exemples d’arc de personnage dans la première moitié du deuxième acte

Un conte de Noël de Charles Dickens : Les trois esprits ont pour but de fournir à Scrooge des outils pour surmonter son mensonge. Le fantôme des Noëls passés lui fait revivre son histoire, lui rappelant les merveilleux souvenirs de sa jeunesse passée à travailler chez le vieux Fezziwig. Le fantôme fait admettre à Scrooge que la gentillesse de Fezziwig a fait de lui un homme plus important que n’importe quelle somme d’argent. Le fantôme montre ensuite à Scrooge un aperçu de ce qu’aurait pu être sa vie s’il avait rejeté le mensonge dès le départ et épousé Belle. Scrooge résiste aux révélations et se bat avec le fantôme, pour finalement se faire rejeter dans sa maison – et sur les genoux d’un autre esprit.

Cars, réalisé par John Lasseter : Lightning McQueen reçoit des outils d’à peu près tous les personnages qu’il rencontre à Radiator Springs. Mater et Miss Sally lui disent combien Radiator Springs est merveilleux, avec ses voisins amicaux et son rythme de vie tranquille. Mais il résiste. Il effraie leurs clients en essayant d’échapper à sa peine de travaux d’intérêt général et, en conséquence, Doc le « punit » en le défiant de participer à une course – et en le battant. Lightning essaie de se rapprocher de la chose qu’il veut et de s’éloigner de Radiator Springs en réparant la route aussi vite que possible. Tout au long de la première moitié du deuxième acte, les habitants de la ville ne cessent de lui montrer un monde où les gens s’entraident. La vérité est juste devant le visage de McQueen mais il continue à y résister, en insistant sur le fait que c’est quelque chose qui ne l’intéresse même pas.

Questions à poser sur l’arc de votre personnage dans la première moitié du deuxième acte.

  1. Comment votre personnage réagit-il au premier nœud de l’intrigue ?
  2. Quels « outils » pouvez-vous fournir à votre personnage pour l’aider à construire le premier barreau de l’échelle qui le mènera au mensonge ?
  3. Quel personnage secondaire peut offrir des conseils ou un comportement exemplaire pour aider à guider votre protagoniste ?
  4. Comment pouvez-vous montrer à votre personnage la première étape pour surmonter son Mensonge, au lieu de simplement lui en parler ?
  5. Comment votre personnage va-t-il tenter d’utiliser son Mensonge pour résoudre les problèmes de l’intrigue ?
  6. Comment sera-t-il « puni » en conséquence ?
  7. Comment ces échecs vont-ils faire évoluer les perspectives et les tactiques de votre personnage ?
  8. Comment la poursuite résolue de l’objectif de votre personnage le rapprochera-t-elle de la Chose qu’il veut ?
  9. Comment sa poursuite de la Chose qu’il veut l’amènera-t-elle à risquer de s’éloigner de la Chose dont il a besoin ?
  10. Après le premier nœud de l’intrigue, comment le nouveau monde ou le monde normal modifié donnera-t-il au personnage un aperçu de ce que pourrait être la vie sans son mensonge ?

Pendant la première moitié du deuxième acte, votre personnage sera plus déterminé que jamais à atteindre son objectif. Il essaie très fort de prendre le contrôle de sa vie et du conflit et, à certains égards, cela semble fonctionner. À d’autres niveaux, il se trompe plus que jamais. Utilisez la première moitié du deuxième acte pour explorer les profondeurs de la personnalité de votre personnage, ses croyances et ses désirs. Le résultat est un puits de possibilités infinies pour des scènes amusantes et pleines de conflits !

Lire les articles précédents de cette série : 

Partie 1 : Pouvez-vous structurer un personnage ?

Partie 2 : Le mensonge auquel croit votre personnage

Partie 3 : La chose que votre personnage veut vs. la chose dont votre personnage a besoin

Partie 4 : Le fantôme de votre personnage

Partie 5 : Le Moment Caractéristique

Partie 6 : le Monde Normal

Partie 7 : Le premier Acte

Partie 8 : Le premier nœud dramatique

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Créer des arcs de personnages, partie 7 : Le premier acte

Le premier acte est l’une de mes parties préférées de toute histoire. Pourquoi ? En apparence, le premier acte semble être la partie la plus lente de l’histoire – et c’est souvent le cas. C’est juste une mise en place, après tout, non ? C’est assez vrai, sauf pour ce petit mot « juste ». Ce n’est pas « juste » une mise en place, c’est une mise en place ! Elle met en place l’intrigue, mais plus important encore, elle met en place les arcs des personnages.

Comme vous l’avez déjà vu dans les six parties précédentes de cette série, la mise en place nécessaire à la préparation de votre premier acte est assez intensive. Mais une fois que vous avez terminé le travail de préparation consistant à décider du mensonge auquel votre personnage croit, de la chose qu’il veut, de la chose dont il a besoin, de son fantôme, de son moment caractéristique et de son monde normal (ouf !), le premier acte lui-même est relativement simple à mettre en place.

Structurez votre roman, livre de K.M. Weiland

La structure de l’arc du personnage trouve son fondement dans la structure de l’intrigue (dont je parle davantage dans mon livre Structurez votre roman). Pour l’instant, passons rapidement en revue les bases de la structure de l’intrigue du premier acte, afin de vous rafraîchir la mémoire :

  • Le premier acte couvre le premier quart de votre livre.
  • Le premier acte présente les personnages, les décors et les enjeux importants.
  • Le premier acte présente le conflit, mais le protagoniste ne s’y engagera pas pleinement avant le premier point de l’intrigue, au début du deuxième acte (nous y reviendrons).

Dans A Writer’s Journey, Christopher Vogler fait remarquer que,

Les [histoires] sont souvent construites en trois actes, qui peuvent être considérés comme représentant 1) la décision du héros d’agir, 2) l’action elle-même et 3) les conséquences de l’action.

Construire des arcs narratifs de personnages de K.M. Weiland

Les 6 parties de l’arc du personnage au premier acte

À quelques exceptions près, la structure de l’arc du personnage est beaucoup plus flexible dans son timing que la structure de l’intrigue. Vous trouverez ci-dessous six éléments majeurs de l’arc de changement positif qui doivent être inclus dans le premier acte, mais la plupart de ces éléments peuvent se produire à peu près n’importe où dans le premier quart de votre livre. Utilisez votre compréhension de votre histoire et de son rythme pour vous aider à planifier les moments clés de l’arc de votre personnage.

1. Renforcez le mensonge

Le renforcement du mensonge de votre personnage commencera dès le premier chapitre, notamment par la révélation de la chose qu’il veut et de la chose dont il a besoin. Son moment caractéristique et son monde normal illustreront tous deux le mensonge. Les lecteurs doivent voir comment les problèmes internes de votre personnage provoquent à leur tour des problèmes externes.

Ce renforcement doit se poursuivre tout au long du premier acte. Le Mensonge de votre personnage peut avoir plusieurs facettes, alors n’hésitez pas à prendre votre temps pour présenter chacune d’entre elles. Vous n’êtes pas obligé de tout entasser dans le premier chapitre. Accrochez les lecteurs avec un aperçu des problèmes de votre personnage, puis utilisez le reste du premier acte pour combler les lacunes.

Par exemple, le mensonge de Thor lui est pratiquement remis par son père qui lui dit carrément qu’il est né pour être roi.

2. Indiquez le potentiel du personnage à surmonter le mensonge

Dès le début, les lecteurs ont besoin de voir ne serait-ce qu’une petite promesse que votre personnage a la capacité de changer. Quelle qualité spécifique sera intrinsèque à la capacité de votre personnage à se battre pour sortir du mensonge (reportez-vous au Thésaurus des traits positifs d’Angela Ackerman et Becca Puglisi pour vous en inspirer) ? Même si votre personnage n’a pas encore pleinement développé ce trait de caractère, laissez entendre dès le début que la graine est là.

Dans Toy Story, la capacité de Woody à être un bon ami se manifeste dès le début par son attitude attentionnée envers les autres jouets de la chambre d’Andy.

3. Offrez au personnage la première étape de la découverte de la croissance et du changement

Cela ne signifie pas nécessairement qu’il fait le premier pas pour changer. Après tout, il s’agit toujours du premier acte, et votre personnage est encore loin de pouvoir admettre qu’il a un problème. Mais cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas commencer à préparer le terrain. Il ne peut pas changer s’il ne sait pas d’abord comment changer. Le premier acte est l’endroit idéal pour commencer à préfigurer ce changement en donnant au personnage un ou deux indices sur la nature de son mensonge et, plus spécifiquement encore, sur la vérité qu’il devra apprendre pour le contrer.

Dans What About Bob, le remède de Bob (l’amour et la famille) est fortement préfiguré par son lien immédiat avec les photos de famille de Léo.

4. Donnez au personnage un événement déclencheur à refuser

L’endroit le plus solide pour l’événement déclencheur de votre histoire se situe au milieu du premier acte. Cela vous donne l’occasion de présenter votre personnage et son univers avant de le frapper de plein fouet avec l’événement déclencheur. Notez que cela ne signifie pas que les événements précédents seront sans rapport avec l’intrigue principale. Tout s’imbrique dans tout, ne serait-ce que par le biais de l’anticipation.

Considérez l’événement déclencheur comme une opportunité pour votre personnage. En apparence, il peut s’agir de quelque chose d’affreux (comme une déclaration de guerre). Mais pour votre héros involontaire, c’est l’opportunité qu’il attendait. Il ne le sait pas encore, mais c’est sa grande chance de changer sa vie et de se libérer de ce mensonge pour toujours. Dans Plot vs. Character, Jeff Gerke souligne,

Les bons événements déclencheurs semblent d’abord être des ennuis venus de nulle part, mais ils finissent par être adaptés individuellement au héros.

Voici ce qui est important à propos de l’événement déclencheur : Votre personnage ne l’aime pas trop. Il le considère, puis secoue la tête et lève le nez. Non, ça ne l’intéresse pas. Il a mieux à faire, comme peaufiner son mensonge. S’il s’engage dans l’événement déclencheur, son ancienne vie va changer, et il ne veut pas de ça. Aussi inconfortable que soit son ancienne vie, il préfère encore s’accrocher à sa familiarité.

Mais il est trop tard ! L’événement déclencheur a déjà changé son personnage. D’une manière infime, il a modifié sa conscience de lui-même, de son monde et de son problème. Pour la première fois, il commence à réaliser qu’il a un problème. Il ne sera probablement pas encore capable de nommer ce problème. Mais soudain, ça le démange. La familiarité de son ancien monde n’est plus aussi confortable.

Dans Jurassic Park, la première réaction d’Alan Grant à l’offre grotesque de John Hammond est de la refuser catégoriquement. Il s’en remet assez vite lorsque Hammond fait monter les enchères, mais sa réticence initiale est importante.

5. Évolution de la croyance du personnage dans le mensonge

Vers la fin du premier acte, votre personnage sera toujours ancré dans le mensonge. Il y croit tout aussi fermement qu’au début de l’histoire. Mais, à un niveau subconscient, il commence à lutter contre ses fondements. Par conséquent, sa croyance dans la façon dont il sert le mensonge commence à évoluer. Par exemple, il peut toujours croire que l’argent est le pouvoir, mais il croit maintenant qu’il peut gagner cet argent honnêtement au lieu de travailler comme escroc.

À la fin du premier acte, Jane Eyre croit toujours qu’elle doit servir pour être digne de l’amour. Mais elle décide de voler de ses propres ailes et d’accepter un poste de gouvernante, plutôt que de continuer à travailler péniblement comme enseignante à la Lowood School for Girls.

6. Faites décider le personnage

Le premier acte se termine lorsque le personnage prend une décision, et pas n’importe laquelle. Il décide qu’il va faire quelque chose à propos de cet événement déclencheur ennuyeux qui a fait irruption dans sa vie il y a quelques chapitres. En fait, il décide de franchir la porte entre les mondes. Il est sur le point de quitter son monde normal (peut-être littéralement, peut-être métaphoriquement) et d’entrer dans un tout nouveau monde d’aventure, rempli de défis qu’il n’a jamais relevés auparavant et qu’il ne sera plus jamais le même après les avoir surmontés. Cela le propulsera dans le premier point de l’intrigue, que nous aborderons dans le prochain billet.

À la fin du premier acte de Secondhand Lions, Walter décide de retourner vivre chez ses oncles. Ce n’est pas une décision passive de sa part. C’est un choix actif, qui fait de lui un résident volontaire de la ferme pour la première fois dans l’histoire.

Autres exemples d’arc de personnage dans le premier acte

Un conte de Noël de Charles Dickens : Le mensonge de Scrooge est renforcé tout au long du premier acte par une série de rencontres, d’abord avec son neveu et son employé Bob Cratchit, puis avec les hommes qui font la collecte pour les pauvres, les chanteurs de chants de Noël, et enfin, de façon plus dramatique, avec le fantôme de Jacob Marley. Nous voyons la plus petite lueur d’une possibilité de changement dans la véritable chaleur de l’amitié qui surgit momentanément chez Scrooge en réponse à Marley. Quant à Marley, il ne se contente pas de faire allusion à ce que Scrooge doit faire pour changer, il l’explique en détail. L’avertissement de Marley est l’événement déclencheur, dont Scrooge se moque, même à la lumière d’une preuve aussi convaincante qu’un fantôme bien vivant. Pourtant, il est secoué et une petite partie de son cerveau commence à se demander si la promesse de damnation de Marley n’est pas vraie. Il décide de rester éveillé jusqu’à ce que l’heure prophétique du premier fantôme soit passée, juste pour se prouver à lui-même que tout cela est complètement fou.

Cars réalisé par John Lasseter : Le mensonge de Lightning McQueen est mis en place dans la longue séquence de course d’ouverture, puis renforcé de manière cohérente par son attitude tout au long du premier acte. Nous voyons une lueur d’espoir pour lui dans son amitié (telle qu’elle est) avec son camion de transport Mack, le seul membre de l’équipe qu’il ne semble pas détester. La légende de la course automobile The King donne à Lightning les conseils dont il a besoin pour se constituer une « bonne équipe », même si Lightning n’en tient pas compte. L’annonce de la course de départage, qui aura lieu en Californie, est l’événement déclencheur. Lightning y adhère de tout cœur, mais, sans le savoir, il rejette en même temps le « monde de l’aventure » dans lequel il est sur le point d’atterrir, lorsqu’il méprise ses sponsors Rust-eze délabrés. Lightning décide de voyager toute la nuit pour atteindre la Californie à temps pour faire la cour au nouveau sponsor qu’il espère gagner.

Questions à poser sur l’arc de votre personnage dans le premier acte

  1. Comment allez-vous introduire et renforcer le mensonge de votre personnage dans le premier acte ?
  2. Comment allez-vous utiliser l’espace libre du premier acte pour espacer les différentes couches du mensonge, des objectifs et de la personnalité de votre personnage ? 3.
  3. Comment allez-vous indiquer le potentiel latent de votre personnage à surmonter le Mensonge ?
  4. Quel aspect de la Vérité pouvez-vous partager avec votre personnage dans le premier acte ? Comment allez-vous la partager (par le biais du mentorat d’un autre personnage, etc.) ?
  5. Quel sera votre événement déclencheur ?
  6. Pourquoi votre personnage va-t-il d’abord le rejeter ?
  7. En combien de temps votre personnage se remettra-t-il de son rejet initial de « l’appel à l’aventure » de l’événement déclencheur ?
  8. Vers la fin du premier acte, comment la conviction de votre personnage sur la façon dont il sert le Mensonge commencera-t-elle à évoluer ?
  9. Quelle décision votre personnage prendra-t-il pour s’engager dans l’événement déclencheur ?

En tant que premier élément de l’arc de votre personnage, le premier acte est l’occasion de poser des bases solides pour l’ensemble de votre histoire. La mise en place est plus que la moitié de la bataille. Si vous mettez tout en place dès le début, vous aurez tous les outils nécessaires à votre disposition dans les autres actes. Faites participer vos lecteurs et lancez votre personnage dans l’aventure qui changera sa vie à jamais.

Restez à l’écoute : La semaine prochaine, nous parlerons de l’arc de votre personnage dans le premier nœud dramatique.

Lire les articles précédents de cette série : 

Partie 1 : Pouvez-vous structurer un personnage ?

Partie 2 : Le mensonge auquel croit votre personnage

Partie 3 : La chose que votre personnage veut vs. la chose dont votre personnage a besoin

Partie 4 : Le fantôme de votre personnage

Partie 5 : Le Moment Caractéristique

Partie 6 : le Monde Normal

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Écrire un roman Personnages

Créer des arcs de personnages, Partie 1 : Pouvez-vous structurer les personnages ?

Et s’il existait un secret infaillible pour créer des arcs de personnages étonnants ? Auriez-vous envie de le découvrir ? Si vous souhaitez communiquer avec vos lecteurs, vous emparer de leurs émotions et créer des histoires qui résonnent en eux à un niveau plus profond que le simple divertissement, alors la réponse doit être un oui retentissant !

Le problème avec les arcs de personnages, c’est qu’il est bien trop facile de les considérer comme acquis. En apparence, les arcs de personnages semblent se résumer à un simple processus en trois étapes :

  1. Le protagoniste commence d’une certaine façon.
  2. Le protagoniste apprend quelques leçons tout au long de l’histoire.
  3. Le protagoniste finit dans un endroit (probablement) meilleur.

C’est l’arc de personnage en un mot. Facile, très facile. Qu’y a-t-il à apprendre ?

Il s’avère que : beaucoup.

Construire des arcs narratifs de personnages de K.M. Weiland

Le lien entre les arcs de personnages et la structure de l’histoire

Trop souvent, le personnage et l’intrigue sont considérés comme des entités distinctes, au point que nous les opposons souvent, en essayant de déterminer lequel est le plus important. Mais rien n’est plus éloigné de la vérité. L’intrigue et le personnage font partie intégrante l’un de l’autre. Si vous enlevez l’un ou l’autre de l’équation, ou si vous essayez simplement de les aborder comme s’ils étaient indépendants l’un de l’autre, vous risquez de créer une histoire qui aura peut-être des parties géniales, mais qui ne sera pas un tout génial.

Nous pensons souvent que l’intrigue est une question de structure, mais nos notions de personnage et d’arc de personnage tendent à être plus aériennes. Il est certain que l’arc du personnage est quelque chose qui doit évoluer organiquement à partir des personnages eux-mêmes. Nous ne pouvons certainement pas structurer nos arcs de personnage sans les rendre formels ou les priver de vie et de spontanéité.

Sûrement, non ?

En fait, c’est faux. Lorsque nous disons que l’intrigue et les personnages font partie intégrante l’un de l’autre, ce que nous voulons dire en réalité, c’est que la structure de l’intrigue et l’arc des personnages font partie intégrante l’un de l’autre. Dans son classique Story, Robert McKee dit :

Nous ne pouvons pas demander ce qui est le plus important, la structure ou le personnage, car la structure est le personnage ; le personnage est la structure. C’est la même chose, et l’une ne peut donc pas être plus importante que l’autre.

Structurez votre roman, livre de K.M. Weiland

Si vous connaissez les bases de la structure d’une histoire (comme celles que j’aborde dans mon livre Structurez votre roman), vous pouvez probablement déjà voir une partie de cette structuration de l’arc de personnage en action. Les principaux points de l’intrigue tournent tous autour des actions et des réactions du personnage. Comme le dit Michael Hauge dans Writing Screenplays That Sell :

Les trois actes [de l’histoire] correspondent aux trois étapes de la motivation extérieure du héros. Chaque changement dans la motivation du héros signale l’arrivée de l’acte suivant.

Le personnage est le moteur de l’intrigue, et l’intrigue façonne l’arc du personnage. Ils ne peuvent pas travailler indépendamment.

Le lien entre les arcs de personnage et le thème

Mais il y a mieux ! Non seulement l’arc de personnage influence directement la structure de l’histoire, mais il a également une influence directe sur le thème. À certains égards, on pourrait même aller jusqu’à dire que l’arc du personnage = le thème.

Même à un niveau superficiel, la découverte de l’intégralité de ces trois éléments les plus importants de l’histoire est passionnante. Aucun d’entre eux ne vit dans le vide. Ils sont tous symbiotiques.

Cela rend la création de ces trois éléments à la fois un peu plus compliquée et, en même temps, beaucoup plus facile. C’est plus compliqué pour la raison évidente que nous avons trois fois plus d’éléments d’histoire à suivre en même temps. Mais cela simplifie le processus global en intégrant ces trois éléments dans un tout cohérent. Une fois que l’on a compris comment l’intrigue, les personnages et le thème fonctionnent ensemble, il y a de fortes chances pour que, si l’un d’entre eux est bon, les trois le soient aussi.

Les trois arcs de personnage de base

Bien que les variations des arcs de personnage soient aussi infinies que les caprices de la nature humaine, nous pouvons réduire les arcs de personnage à trois types de base, avec quelques variations principales pour chacun :

L’arc du changement

Il s’agit de l’arc de personnage le plus populaire et souvent le plus marquant. Le protagoniste commence avec différents niveaux d’insatisfaction personnelle et de déni. Au cours de l’histoire, il sera forcé de remettre en question ses croyances sur lui-même et sur le monde, jusqu’à ce qu’il finisse par vaincre ses démons intérieurs (et, par conséquent, probablement aussi ses antagonistes extérieurs) et termine son arc en ayant changé de manière positive.

L’arc plat

De nombreuses histoires populaires mettent en scène des personnages qui sont déjà essentiellement complets en eux-mêmes. Ils sont déjà des héros et n’ont pas besoin d’un développement personnel notable pour acquérir la force intérieure nécessaire pour vaincre les antagonistes extérieurs. Ces personnages ne connaissent que peu ou pas de changement au cours de l’histoire, ce qui rend leurs arcs statiques ou « plats ». Parfois, ces personnages sont les catalyseurs du changement dans le monde de l’histoire qui les entoure, de sorte que nous trouvons des arcs de croissance plus importants chez les personnages mineurs.

L’arc négatif

Les arcs de personnages négatifs offrent, sans doute, plus de variations que les autres arcs. Cependant, à son niveau le plus basique, l’arc négatif est simplement un arc de changement inversé. Au lieu d’un personnage qui se débarrasse de ses défauts pour devenir une meilleure personne, l’arc négatif présente un personnage qui finit dans un état pire que celui dans lequel il a commencé l’histoire.

Au cours du mois à venir, nous allons explorer la structure des arcs de caractère. L’arc de changement étant à la fois le plus compliqué des trois arcs et le plus important pour comprendre les deux autres, nous consacrerons la majeure partie de cette série à discuter des subtilités de l’évolution positive de votre personnage.

Comment créer les arcs de nos personnages ? Où trouver leur fondement ? Comment les moments importants de la structure de l’histoire affectent-ils (et sont affectés par) les moments importants de l’arc de personnage ? En bref, comment fonctionne l’arc de personnage ? Et comment pouvez-vous déchiffrer le code et créer un arc de caractère époustouflant dans chaque histoire ? Passez nous voir la semaine prochaine pour le découvrir !

Restez à l’écoute : La prochaine fois, nous parlerons du mensonge que votre personnage croit.

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Écrire un roman Thème

Le lien essentiel entre le thème et l’arc des personnages

Le thème narratif est un concept glissant. La sagesse qui prévaut parmi les écrivains est que si vous appliquez une force délibérée à votre thème, vous finirez par obtenir une fable d’Ésope un peu caricaturale. D’un autre côté, une histoire sans thème est au mieux une lecture superficielle et au pire un flop irréaliste.

Le thème est sans doute la facette la plus importante d’une histoire mémorable. Des personnages vivants, des dialogues pleins d’esprit et des rebondissements d’une intrigue meurtrière peuvent certainement porter une histoire à eux seuls, mais sans thème, ils ne donneront jamais leur pleine mesure. Et pourtant, aucun thème, c’est souvent bien meilleur qu’un thème mal présenté.

Comment créer un thème puissant à chaque fois

Si vous vous concentrez trop sur le thème, vous risquez de vous aliéner votre public en lui faisant la morale. Mais si vous étouffez toute pensée sur le thème, vous risquez de priver votre histoire de sa force vitale centrale, de son battement de cœur, de sa signification. Alors que doit faire un écrivain ?

La clé est le lien entre le thème et la progression du personnage. Comme pour presque tous les autres aspects de l’histoire, le personnage est une fois de plus la clé essentielle pour que votre thème soit exploité dans toute son étendue. En fin de compte, le thème est la leçon que vos personnages auront apprise (ou n’auront pas apprise) à la fin de l’histoire. Le thème est inhérent aux luttes de vos personnages et, par conséquent, à l’histoire elle-même. Le meilleur des thèmes jaillit sans effort et même inconsciemment du cœur des actions et des réactions des personnages.

Dans le classique de Joseph Conrad, Lord Jim, la saga d’un jeune marin hanté par son acte unique de lâcheté, le thème pourrait peut-être se résumer aux répercussions de la trahison. Parce que le thème est une conséquence naturelle de l’action initiale de Jim (sauver sa propre vie au lieu d’aider les passagers de son navire qui se noient) et de ses réactions ultérieures (fuir dans la honte, se cacher sur une île indonésienne et, finalement, tirer les leçons de son erreur initiale et refuser de sauver sa propre vie lorsque l’île est attaquée), les opinions indirectes de Conrad sur le sujet ne peuvent jamais être interprétées comme moralisatrices ou déplacées. En effet, le thème est au cœur même du roman. Sans lui, Lord Jim n’aurait été qu’un récit décousu mettant en scène les voyages d’un jeune homme ambigu et sans saveur.

Thème et personnage, personnage et thème

La clé d’un thème fort est une forte progression des personnages. Les changements que votre personnage subit dans les chapitres entre l’incident déclencheur et le point culminant définiront votre thème. Mais ces changements doivent découler naturellement des personnages. Si Conrad n’avait pas présenté Jim comme un jeune homme idéaliste qui regrette désespérément ses actions à bord du Patna, la fin dans laquelle Jim choisit de se sacrifier sur l’île n’aurait jamais été vraie. Elle aurait été perçue comme forcée et irréaliste. Conrad aurait été coupable de moralisation – le plus noir des péchés d’auteur – et Lord Jim n’aurait certainement jamais atteint son statut de classique de la littérature anglo-saxonne.

Alors comment mettre en œuvre le thème ? Ou peut-être la meilleure question serait-elle de savoir s’il faut mettre en œuvre le thème ? De nombreux auteurs évitent de réfléchir délibérément au thème dans leurs premières ébauches. Ils écrivent leurs histoires avec peu ou pas d’intention pour un thème. Puis, généralement au milieu du roman, les personnages font ou disent quelque chose qui fait soudainement pendre le fil rouge du thème devant le nez de l’auteur ravi.

Comment trouver un thème

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Dès la conception d’une histoire, j’ai les yeux grands ouverts pour saisir ce premier aperçu d’un thème possible. L’astuce la plus importante pour saisir le thème parfois insaisissable et toujours éphémère est de me consacrer à la création de personnages authentiques qui réagissent à leurs différents creusets de manière authentique.

Dans Dreamlander, mon projet actuel, je suis arrivée à un point où je dois faire attention à ce que chaque action, chaque mot, chaque pensée de mon personnage principal sonne juste. Parce que, en tant que créatrice, je savais où l’histoire se terminerait, j’avais une assez bonne idée du thème avant même de commencer à écrire. Ce que je ne savais pas encore exactement, c’était de savoir exactement comment les actions intermédiaires de mon personnage feraient boule de neige vers cette fin.

Maintenant que j’ai parcouru environ les deux tiers de l’histoire, je connais mes personnages bien mieux qu’au début, et je vois dans les premiers chapitres des endroits que je devrai renforcer pour que les actions et les réactions des personnages aient une importance plus profonde. Bien que je sache depuis le début quelles seront les questions thématiques de cette histoire, les réponses, comme elles le font parfois, ont pris leur temps pour arriver. Mais comme je connaissais les questions et que je les ai gardées à l’esprit tout au long du processus d’écriture, j’étais prête à y répondre lorsque l’intrigue et les personnages auraient suffisamment progressé.

Vous posez-vous ces questions sur le thème ?

Dès que vous êtes prêt à commencer à réfléchir au thème, posez-vous les questions suivantes :

Quel est le conflit interne du personnage principal ?

Pour la plupart des romans, c’est une question à laquelle on répond très tôt, car elle va orienter l’ensemble de l’histoire.

Lequel des points de vue du personnage principal va changer à la suite des événements de l’histoire ? Comment et pourquoi ?

C’est ici que vous trouverez la force sous-jacente de votre thème. Les opinions de votre personnage définiront ses actions, et ses actions définiront l’histoire.

Comment le personnage principal va-t-il démontrer ses opinions et attitudes respectives au début et à la fin de l’histoire ?

Il s’agit d’une extension de la question précédente, mais elle est essentielle car sa réponse démontrera les changements au lecteur.

Y a-t-il un symbolisme particulier qui peut renforcer le thème et l’attitude du personnage à son égard ?

Comme le thème lui-même, le symbolisme est souvent exagéré et donc généralement meilleur lorsqu’il est tiré de façon organique de votre propre inconscient. Par exemple, vous vous trouverez parfois à utiliser une couleur ou une image particulière pour représenter quelque chose ; si le symbole s’avère efficace, vous pourrez plus tard revenir en arrière et le renforcer tout au long de l’histoire.

Comment puis-je utiliser le sous-texte (le non-dit) pour illustrer le thème, afin de ne pas avoir à l’expliquer au lecteur en autant de mots ?

En ce qui concerne le thème, le non-dit est presque toujours plus puissant que le direct. Souvent, dans la vie réelle, lorsque nous apprenons des leçons et changeons de point de vue, nous ne pouvons pas immédiatement définir les changements dans un langage précis. Et votre personnage ne devrait pas l’être non plus. Lord Jim n’avait pas à nous dire que ses actions sur l’île étaient le résultat direct de sa lâcheté passée ; c’était évident dans le contexte et aurait en fait été affaibli si Conrad l’avait mentionné carrément.

Une histoire sans thème, c’est comme une glace sans crème. Mais pour être efficace, le thème doit être organique et, souvent, cet aspect est sous-estimé. Comme toutes les subtilités de l’écriture, le thème est un art, mais il vaut certainement la peine d’être maîtrisé.

Donnez-moi votre avis : Comment votre thème est-il lié à l’arc de votre protagoniste ?

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Écrire un roman

6 façons de créer un conflit captivant dans votre histoire

Qui dit que le conflit est une mauvaise chose ? Qui dit que la paix mondiale est l’objectif le plus important de l’humanité ? Qui dit qu’en se disputant avec son petit frère quand on est enfant, on risque de devenir un voyou mal élevé ?

Pas un écrivain, c’est sûr !

On peut dire que le principe le plus important de la fiction se résume à la phrase « pas de conflit, pas d’histoire ». Vous pouvez enfreindre toutes les règles du livre et avoir un sacré succès, à condition de ne pas oublier d’ajouter un soupçon de conflit dans votre histoire. Ou plutôt, une ou deux louches bien remplies.

Le principe est simple : la fiction a sa base même dans le conflit. Si les personnages principaux ne s’affrontent pas, s’il n’y a pas de guerre, si les extraterrestres se contentent de rester discrètement dans leur propre galaxie, alors nous n’avons pas vraiment d’histoire, n’est-ce pas ? Pensez-y. Si Elizabeth et M. Darcy s’étaient bien entendus dès le début, nous n’aurions jamais connu tout cet esprit fin et ce grésillement d’émotions et de retournements dans Orgueil et Préjugés. Si le Nord et le Sud avaient simplement réglé leurs différends par une poignée de main, Scarlett O’Hara n’aurait jamais eu besoin de s’échapper d’une Atlanta en feu dans Autant en emporte le vent. Et si les Martiens s’étaient occupés de leurs propres affaires sur Mars, Orson Welles n’aurait jamais pu entrer dans l’histoire en faisant flipper des milliers de personnes avec son émission de radio sur la Guerre des Mondes.

Alors comment fabriquer ce précieux ingrédient de l’histoire ? Heureusement, le conflit est en fait l’un des éléments les plus faciles (et les plus amusants) de l’histoire. En tant qu’êtres humains, nous connaissons tous un peu l’anarchie et le chaos, et il n’est pas si difficile d’emprunter un peu de ces éléments à la vie réelle et de les instiller dans la page. Mais juste au cas où vous vous sentiriez perplexe, voici quelques suggestions.

1. Créez des conflits de personnalités

C’est la façon la plus simple (et souvent la meilleure) d’introduire un peu de conflit dans votre histoire. Parce que l’interaction des personnages est toujours au cœur de toute histoire, ce sont les affrontements entre personnages qui produiront vos conflits les plus constants, et généralement les plus intéressants aussi. L’élément clé à retenir à propos des conflits entre personnages est qu’ils doivent s’affronter pour une raison réaliste. Les personnages qui s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire ne peuvent pas soudainement, sans raison apparente, exploser dans un combat à mains nues. Bien sûr, nous ne voulons probablement pas que nos personnages s’entendent parfaitement pendant le premier tiers de l’histoire (c’est ennuyeux, non ?). Nous essayons plutôt de créer des personnages qui vont naturellement se pousser les uns les autres. Et je ne parle pas seulement des confrontations entre les bons et les méchants. Assurez-vous que votre héros est entouré d’adversaires mineurs. Si au contraire vous vous retrouvez avec un personnage qui a tendance à se ranger du côté de votre personnage principal à chaque tournant, pimentez-le en y ajoutant une petite rébellion inattendue.

2. Mettez les personnages dans des situations inattendues

De nombreux récits se basent entièrement sur cette idée (pensez aux frères et sœurs Pevensie qui font des culbutes dans l’armoire de Narnia dans Le lion, la sorcière blanche et l’armoire magique de C.S. Lewis ou au jeune bourgeois Jim Graham envoyé dans un camp de prisonniers japonais dans l’Empire du Soleil de J.G. Ballard). Mais même si vous n’allez pas aussi loin, vous pouvez quand même profiter de l’inattendu en forçant votre personnage à vivre des situations et des relations qui vont à l’encontre de sa personnalité ou de ses inclinations. Si vous avez une héroïne qui est terrifiée à l’idée de parler en public, pourquoi ne pas la mettre dans une situation où elle n’a pas le choix ? Elle cédera sous la pression ou relèvera le défi. Dans les deux cas, le lecteur sera accroché.

3. Faites monter les enchères

Pendant un long moment, j’avais collé sur mon tableau d’affichage une note qui disait : « Penser aux dix pires choses qui pourraient arriver à votre personnage. » C’est un peu sadique, je sais. Mais les lecteurs ne sont pas intéressés par les histoires de personnages qui traversent la vie sans jamais rencontrer d’épreuves, de danger ou de tristesse. Déchirez vos personnages, mettez-les sous une pression atroce, et quand les choses semblent ne pas pouvoir être pires, assurez-vous qu’elles le soient.

4. Combinez les batailles intérieures et extérieures

Nancy Kress, dans son fantastique livre Beginnings, Middles & Ends, a parlé de la nécessité d’inclure les batailles intérieures et extérieures :

Chaque paragraphe de votre histoire doit atteindre deux objectifs : faire avancer l’histoire (l’intrigue), et développer vos personnages en tant qu’êtres humains réels, individuels, complexes et mémorables.

En d’autres termes, le conflit doit se produire non seulement à grande échelle dans le roman (qu’il s’agisse d’une crise familiale ou de la troisième guerre mondiale), mais aussi dans le petit théâtre de la vie intérieure du personnage. Chaque scène doit inclure la bataille extérieure (la réaction physique au conflit) et la bataille intérieure (la réaction psychologique et émotionnelle aux événements). Toute scène qui manque de l’une ou l’autre, se trouve au bord de la falaise de Pas assez de conflit.

5. Construisez jusqu’au point culminant

Bien qu’il soit vital que chaque scène contienne un certain niveau de conflit, il est également important de surveiller le déroulement général de ce conflit. Vous devez ouvrir votre récit avec suffisamment de conflits pour attirer l’attention du lecteur, puis continuer à construire sur ce conflit pour qu’il continue à lire. Mais vous ne voulez pas déverser le danger et la détresse de manière si intense au début de votre histoire que vous vous épuisiez avant la fin. En vous servant de l’anticipation narrative et de la tension, construisez votre conflit de façon régulière jusqu’au point culminant (le climax).

6. Maintenez l’équilibre

Les histoires sont une question d’équilibre. Un conte dans lequel il n’y a pas de conflit sera tout aussi ennuyeux que de voir la condensation se dissiper. Mais un conte qui ne s’arrête jamais pour laisser ses personnages (ou son lecteur) reprendre leur souffle est ennuyeux à sa manière. Nous devons trouver des moyens d’ajuster le niveau du conflit. Nous devons donner à nos personnages une chance de ralentir et de rassembler leurs pensées pour la prochaine attaque. Les histoires doivent être constituées de batailles à grande et à petite échelle. Mélangez les choses. Ajoutez une variété de conflits de toutes les couleurs, formes et tailles et laissez vos personnages et vos lecteurs deviner.

Oubliez ce que les experts de la paix (sans parler de votre mère) vous disent toujours, et rajoutez-en en termes de conflit dans votre histoire. Après tout, un peu de paix et de calme n’a jamais permis à un auteur de se retrouver nulle part.

Donnez-moi votre opinion : Quelle est la principale source de conflit dans votre histoire ?

Envie de mieux préparer vos romans pour créer des conflits et des personnages qui vont améliorer votre histoire et rendre vos lecteurs plus heureux ?

Retrouvez toutes les recettes utilisées par K.M. Weiland quand elle écrit des romans de fiction dans Préparez votre roman

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Écrire un roman

Le personnage : La partie la plus importante du début de votre histoire

Si tout l’écriture était aussi difficile que les 50 premières pages, je me serais probablement dégonflée il y a des années et me serais trouvé une nouvelle vocation. (Quelque chose de facile et de sûr, comme être une hôtesse d’accueil chez Walmart ou peut-être le collecteur des centimes des machines de la laverie automatique). Malgré le fait que je connais déjà chaque tournant de l’intrigue qui arrivera dans les pages à venir, que j’ai esquissé mes personnages jusqu’au moindre détail obscur, et que j’ai probablement même imaginé la demi-douzaine de splendides panégyriques qui apparaîtront sur la quatrième de couverture – écrire ces cinquante premières pages est toujours une incursion en territoire dangereux et inconnu.

4 Qualités d’un bon début

Il n’est pas étonnant, bien sûr, que les débuts soient difficiles quand on considère leur poids dans l’histoire globale. Les débuts doivent accomplir tout ce qui suit :

  1. Donner aux lecteurs une raison de se soucier de ce qui arrive aux personnages.
  2. Installer une accroche irrésistible.
  3. Introduire un ton général (satirique, dramatique, etc.).
  4. Introduire le cadre (temps et lieu), le conflit et le thème.

En bref, le début de chaque histoire est un peu comme un résumé. Vous faites étalage de vos talents et de vos compétences et vous espérez que le lecteur trouvera ce qu’il cherche. Sinon, vous n’arriverez jamais à sortir de l’étagère de la librairie.

Pas de problème, dites-vous. J’ai des personnages géniaux et une intrigue qui tue. Tout ce que j’ai à faire, c’est de commencer à écrire. Malheureusement, je n’ai jamais rencontré quelqu’un qui puisse faire cela, même si je suppose qu’il est raisonnable de penser que la planète abrite quelques écrivains ainsi bénis par les dieux. Tout ce que je sais, c’est que je n’en fais pas partie. Pour moi, comme pour la majorité des romanciers, quel que soit leur niveau de compétence, les débuts sont comme la montée à corde raide. Et c’est une longue chute vers le bas si vous ratez une marche.

Alors comment, je vous prie, éviter ce faux pas fatal ? Eh bien, vous écrivez et vous réécrivez. Et puis vous répétez. Ce n’est pas ce que vous espériez entendre ? Moi non plus. Alors, dans le but de nous garder tous les deux heureux, permettez-moi de vous faire part de quelques suggestions utiles sur ce qui fait le succès d’un début.

L’ingrédient secret d’un début d’histoire réussi

Utiliser le personnage au début. Les débuts tournent autour des personnages. Si le lecteur ne trouve pas votre personnage intéressant, pourquoi devrait-il rester dans les parages pour suivre ce même personnage ennuyeux tout au long des trois cents pages suivantes, aussi brillant que soit votre rebondissement final ? En fin de compte, les gens lisent des romans à cause de leurs personnages. Ils ne vont pas perdre leur temps avec des personnages qui ne sont pas pleins de vie et nous ne devrions pas non plus, en tant qu’écrivains, perdre notre temps avec des personnages qui ne sont pas pleins de vie. Dès la première page, nous devons donner aux lecteurs un personnage qu’ils ne pourront pas sortir de leur tête. Mais, plus important que de simplement imprégner notre distribution de personnalités brillantes et d’esprit vif (sans jamais sous-estimer l’un ou l’autre), il faut donner au lecteur une raison de s’intéresser aux personnages.

Pourquoi l’action seule n’est pas aussi importante que le personnage

Les jeunes auteurs sont souvent encouragés à commencer par l’action. Apparemment, la théorie est que si vous jetez un protagoniste évident dans une situation pénible, le lecteur l’aimera juste parce qu’il a des ennuis. Ce n’est pas le cas. Une personne en difficulté peut susciter une réaction de sympathie de ma part à un niveau superficiel. Mais pour que je me préoccupe vraiment de ce qui arrive à cette personne, je dois d’abord me soucier d’elle.

Imaginons que nous prenons une histoire qui commence au milieu d’une bagarre. Il est probable que nous nous intéresserons, au moins marginalement, à l’objet du combat. Mais nous ne nous intéresserons pas particulièrement au vainqueur du combat, à moins de nous préoccuper de l’un des participants. Commencer l’histoire par un combat à mains nues est certainement une bonne idée (par opposition à, disons, commencer avec le protagoniste qui s’échauffe avant le combat), mais à moins que vous n’ajoutiez une raison pour que le lecteur s’y intéresse, vous êtes probablement perdus.

Pendant des années, je me suis battue avec l’idée d’ajouter du récit à mes ouvertures. L' »appel à l’action », pour ainsi dire, est devenu une pierre d’achoppement majeure pour moi. Mon instinct me disait que j’avais besoin de présenter un personnage, pas un événement. J’ai combattu cette idée, pensant que je perdrais l’attention du lecteur si je ralentissais suffisamment longtemps pour esquisser quelques détails importants sur le protagoniste. Mais il m’est apparu, en réfléchissant à cette question, que je n’avais jamais été rebutée par quelques paragraphes de récit habilement placés dans une ouverture de début. En fait, ce sont les ouvertures d’action directe qui m’ont complètement rebutée.

Ne vous méprenez pas : l’action (c’est à dire le conflit) et le suspense sont au cœur de toute histoire et constituent sans aucun doute un facteur essentiel pour un début réussi. Mais, sans une introduction forte des personnages, ils ne vont pas valoir grand chose à eux seuls.

Comment ouvrir son roman avec votre personnage

Je suis convaincue que cette seule facette du début est le facteur le plus important, non seulement pour ouvrir une histoire, mais aussi pour donner le ton à l’ensemble du récit qui va suivre. Quelle est donc la meilleure façon de présenter votre éblouissant personnage sans surcharger le lecteur de faits inutiles ? Vous trouverez ci-dessous une liste non exclusive de suggestions qui peuvent être utilisées, dans n’importe quel ordre et dans n’importe quelle combinaison,

Nommez le personnage

Donnez au lecteur un nom sur lequel il pourra s’appuyer. Il est plus facile d’inciter quelqu’un à s’occuper d’un personnage quand on connaît son nom. Il est évident que ce n’est pas une règle absolue, car de nombreux récits à la première personne ne donnent pas de nom à leur personnage (comme le classique de Daphné du Maurier, Rebecca, dans lequel le personnage principal n’est jamais nommé).

Montrez votre personnage dans un « moment caractéristique »

Si possible, utilisez la scène d’ouverture pour illustrer une partie de la personnalité du personnage qui jouera un rôle essentiel plus tard. Par exemple, dans Behold the Dawn, je présente mon personnage au milieu d’une des grandes batailles de tournois auxquelles il participe.

Mettez en avant son attitude par des exemples

Montrez au lecteur, à travers les mots, les actions et le récit interne de votre personnage, comment il perçoit le monde. Est-il cynique ? Un idéaliste ? Comment perçoit-il le conflit sur lequel l’histoire s’est ouverte ?

Il est vrai que le personnage n’est que la moitié de l’équilibre délicat présenté au début d’une histoire. Un bon personnage dans une histoire ennuyeuse sera toujours aussi plat que le soda d’hier. Mais si vous maîtrisez l’art de présenter un personnage, vous avez déjà réussi les trois quarts de la bataille.

Ajoutez votre commentaire : Que fait votre personnage dans votre scène d’ouverture ?