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Le rôle de l’antagoniste dans la structure d’un récit, partie 2 sur 2

L’une des façons d’envisager l’intrigue est de la considérer comme un « va-et-vient entre le protagoniste et l’antagoniste ». Bien que le protagoniste soit le personnage qui encadre et, en fait, décide de la structure de l’histoire, le rôle de l’antagoniste dans la structure de l’histoire est tout aussi important.

Dans la première partie de cet article sur le rôle de l’antagoniste, j’ai donné un aperçu du rôle de l’antagoniste dans les cinq premiers temps structurels majeurs d’une histoire. À l’origine, j’avais prévu d’en faire un seul article, mais il s’est avéré être presque deux fois plus long que d’habitude, alors je l’ai divisé en deux. Aujourd’hui, nous allons compléter le sujet en examinant le rôle de l’antagoniste dans la deuxième moitié de la structure d’une histoire – du deuxième point de pincement à la résolution.

Une fois encore, il est important de se rappeler la distinction entre la force antagoniste qui a un impact sur la forme de l’histoire au sens général et l’antagoniste qui est un personnage spécifique représentant cette force au sein de l’histoire.

  1. La force antagoniste fonctionnera de manière fixe (et donc relativement universelle) dans la structure de l’histoire, afin d’évoquer les réponses les plus résonnantes de la part du protagoniste.
  2. L’antagoniste, en tant que personnage humain, sera beaucoup plus dynamique, voire imprévisible, au sein de l’histoire. Ce que j’ai partagé dans cette série est davantage axé sur l’impact de la force antagoniste sur la structure, et est donc très général. Dans votre histoire, l’antagoniste en tant que personnage peut fonctionner de manière beaucoup plus nuancée que ce qui est présenté ici.

Le rôle de l’antagoniste dans la seconde moitié de la structure d’une histoire

  1. Le rôle de l’antagoniste dans le deuxième point de pincement

Pour le protagoniste, le deuxième point de pincement reflète le premier point de pincement en soulignant les enjeux et la menace potentielle de l’antagoniste. Plus précisément, il préfigure le « moment de faiblesse » du troisième nœud dramatique qui suit. Ce que l’antagoniste menace ici sera considérablement mis en danger ou détruit plus tard dans le troisième nœud dramatique. Cependant, c’est la menace elle-même qui incite le protagoniste à se lancer dans le pari (peut-être hubristique) de la Fausse Victoire qui précède le Moment Faible.

Pour l’antagoniste, le deuxième point de pincement reflète également le premier point de pincement en représentant un moment d’agression significative (à quelque degré que ce soit) contre le protagoniste. Ici, l’antagoniste fait jouer ses muscles, agissant à partir de sa position de force après le point médian. Sa force est réelle, mais comme il n’a pas acquis de nouvelles connaissances (pratiques ou thématiques), sa capacité à s’adapter à la dynamique de l’intrigue commence à s’essouffler. En bref, le protagoniste évolue plus vite que l’antagoniste – et ce sera le facteur décisif à la fin.

Le rôle de l’antagoniste dans le deuxième point de pincement : L’antagoniste va initier les événements du deuxième point de pincement en fonction de ses progrès au point médian. De son point de vue, ce qu’il fait ici peut sembler être le début de la fin de la partie. Il peut repousser le protagoniste en pensant qu’une nouvelle poussée suffira à renverser son adversaire et à éliminer le protagoniste en tant qu’obstacle. Cependant, il surestimera probablement sa propre position et sous-estimera celle du protagoniste. Par conséquent, il peut ne pas se rendre compte que l’effort qu’il déploie ici n’a pas l’effet désiré. Le protagoniste peut sembler battre en retraite, mais à l’insu de l’antagoniste, cette retraite n’a pour but que de permettre au protagoniste de rassembler ses forces pour ce que le protagoniste considère comme le début de la fin de partie.

7. Le rôle de l’antagoniste dans le troisième nœud dramatique

Au troisième nœud dramatique, tout change pour les deux personnages. Le protagoniste initie ce temps fort par un repli calculé contre l’antagoniste (ou, alternativement, vers son propre objectif). À bien des égards, la stratégie du protagoniste va réussir. Il utilisera ce qu’il a appris dans les moments et épreuves précédents pour surmonter les obstacles qui l’empêchaient d’avancer. Il se pourrait bien qu’il porte un coup significatif et dommageable à l’antagoniste. Mais en raison de son propre conflit intérieur, permanent et incomplet, entre le Mensonge et la Vérité, il paiera également un prix énorme pour cette attaque. Pour le protagoniste, les deux faces du troisième nœud dramatique peuvent être appelées fausse victoire et moment de faiblesse.

Pour l’antagoniste, ce temps est tout aussi compliqué. D’un côté, le protagoniste l’a simplement frappé là où ça fait mal. Avant cela, l’antagoniste se croyait en bonne position pour triompher. Maintenant, ses faiblesses et ses angles morts ont été exposés. Mais d’un autre côté, comme nous l’avons déjà vu, il s’agissait d’une victoire à la Pyrrhus pour le protagoniste – ce qui signifie que l’antagoniste peut encore gagner, ne serait-ce que par défaut. Les deux parties se retireront pour panser leurs plaies. À partir de là, une confrontation finale est non seulement nécessaire mais inévitable. Leur prochaine rencontre décidera qui atteindra les objectifs ultimes de l’intrigue et qui ne les atteindra pas.

Le rôle de l’antagoniste dans le troisième nœud dramatique : L’antagoniste consolidera ses propres ressources et se préparera également à une riposte majeure contre le protagoniste. Il peut recevoir les efforts du protagoniste par une sorte d’embuscade, qui retourne la situation contre le protagoniste à la dernière minute. L’antagoniste ne sera pas vaincu et pourra même gagner du terrain dans le conflit global. Cependant, pour l’antagoniste aussi, le troisième nœud dramatique représente généralement un moment relativement désespéré. Le temps presse ; les deux parties reconnaîtront que le conflit devra bientôt être tranché. Bien que l’antagoniste puisse encore avoir un léger avantage sur le protagoniste, les règles du jeu se sont quelque peu égalisées depuis le début du conflit. Même si l’objectif de l’antagoniste est à portée de main, il est probable qu’il ressente encore la pression énorme de l’enjeu.

8. Le rôle de l’antagoniste dans le climax

Le climax commence à proprement parler à la moitié du troisième acte et s’intensifie à des degrés divers jusqu’au moment décisif à la fin de l’histoire. Ce tournant est ce qui fait sortir le protagoniste et l’antagoniste de leurs réactions respectives au troisième nœud dramatique pour les amener à leur confrontation finale.

Cette confrontation peut avoir lieu directement entre ces deux personnages et peut même constituer le point central de l’histoire. L’un des personnages vaincra l’autre. Cette défaite est soit le but de l’histoire, soit l’unique obstacle restant pour atteindre ce but.

Cependant, la « confrontation » peut aussi être indirecte ou même accessoire. Il est possible que la poursuite finale de l’objectif du protagoniste n’exige pas qu’il s’oppose directement à l’antagoniste ou qu’il le vainque ; au contraire, en faisant tout ce qu’il doit faire pour triompher de son propre objectif, il peut accessoirement vaincre la force antagoniste. Ce dernier cas est particulièrement probable dans les histoires qui se concentrent sur un conflit intérieur ou relationnel.

Le rôle de l’antagoniste dans le climax : À ce stade de l’histoire, il est plus important que jamais de garder à l’esprit que l’antagoniste est un personnage qui a ses propres désirs et objectifs. Même si son objectif principal est de détruire le protagoniste ou de parvenir à son objectif avant le protagoniste, il doit poursuivre cette fin pour une raison – et maintenant que le conflit a atteint son point décisif, cette raison sera plus importante que jamais pour l’antagoniste. Ce à quoi il a travaillé tout au long de l’histoire est sur le point d’être décidé de manière définitive. Même si les enjeux semblaient plus élevés pour le protagoniste pendant la majeure partie de l’histoire, les règles du jeu sont désormais les mêmes pour tous. L’antagoniste a tout autant d’enjeux que le protagoniste.

9. Le rôle de l’antagoniste dans le moment décisif

Le moment décisif met fin au climax et au conflit de l’intrigue. C’est le moment qui décide qui « gagne » et qui « perd ». Dans une histoire positive, le gagnant est presque toujours le protagoniste. Cependant, le concept de « défaite » de la force antagoniste doit être compris dans le contexte de la suppression des obstacles entre le protagoniste et son objectif ultime. C’est ce qui met fin au conflit. (Ainsi, ce n’est pas tant qu’il n’y a pas de conflit sans antagoniste, mais plutôt qu’il n’y a pas d’antagoniste sans la nécessité d’un conflit).

Dans une histoire où l’aspect prédominant de la force antagoniste se trouve dans le protagoniste, le positionnement final de l’antagoniste externe dans la finale ne sera pas aussi important. Par exemple, pour revenir à l’exemple de la semaine dernière d’une histoire de concurrents, la victoire du protagoniste peut être plus morale que littérale. Même s’il s’agit d’une victoire littérale au sein de la compétition, l’accent sera moins mis sur le fait que le protagoniste a vaincu aux dépens de l’antagoniste que sur sa propre transformation intérieure en force.

En fait, dans certaines histoires, le conflit se terminera par la résolution des différends entre le protagoniste et l’antagoniste et peut-être même par la revendication mutuelle de l’objectif de l’intrigue.

Le rôle de l’antagoniste dans le moment décisif : Le moment décisif fonctionne de la même manière pour les deux personnages. C’est le moment où le conflit prend fin. La relation du protagoniste et de l’antagoniste avec leurs objectifs sera définitivement décidée, par leurs actions, d’une certaine manière. Il n’y aura plus de progression vers cet objectif particulier.

10. Le rôle de l’antagoniste dans la résolution

La Résolution est le temps qui suit le Climax. Dans la plupart des histoires, on lui consacre au moins une scène, voire plus. Dans d’autres histoires, elle n’est littéralement rien de plus qu’un temps. C’est la note finale de l’histoire, le « fade out ». D’un point de vue fonctionnel, il existe pour mettre un terme à la cause et à l’effet de l’histoire entière et du moment décisif en particulier. Il montre les réactions du protagoniste et de l’antagoniste à ce qui vient de se passer.

Le rôle de l’antagoniste dans la résolution : Dans de nombreuses histoires, l’antagoniste ne sera pas présent lors de la résolution. Soit il aura été éliminé du monde de l’histoire (tué, banni, etc.), soit il n’aura plus d’importance pour le protagoniste puisqu’il ne sera plus un obstacle. Dans d’autres histoires, en particulier celles où l’antagoniste est un personnage important de la relation, la résolution peut offrir une conciliation entre les personnages. Cela peut aller d’un accord de partenariat complet entre eux à une simple poignée de main et un signe de respect avant qu’ils ne partent chacun de leur côté. Il est également possible qu’une des parties (probablement la protagoniste si elle suit l’Arc de Changement Positif) soit prête à se réconcilier mais que l’autre ne le soit pas et s’en aille simplement, se bannissant de fait.

Trop souvent, nous associons « antagoniste » à « méchant ». D’un point de vue structurel, l’antagoniste est simplement une force qui s’oppose à la progression du protagoniste et qui, par conséquent, l’incite à grandir. Compris de cette manière, le rôle de l’antagoniste dans la structure peut être renforcé pour créer une histoire plus solide et plus convaincante à chaque instant.

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Créer des arcs de personnages, partie 12 : Le troisième nœud dramatique

Si vous deviez choisir le moment le plus important dans les arcs des personnages, quel serait-il ? Le troisième nœud dramatique, dites-vous ? Eh bien, vous auriez raison. Maintenant, voici la question la plus difficile : Pourquoi est-ce le moment le plus important ?

Le troisième nœud dramatique est le moment le plus bas de votre histoire. Il y a une minute, à la fin du deuxième acte, votre protagoniste semblait avoir remporté une victoire. Tout semblait aller dans son sens. Il était en train de découvrir la Vérité, et il semblait avoir au moins repoussé le Mensonge à l’arrière de sa vie. Même l’antagoniste semblait être à sa merci.

C’est le moment de démarrer la sonate « happily ever after », non ?

Pas du tout. Parce que, comme vous ne le savez que trop bien maintenant, reléguer ce mensonge au second plan n’est pas suffisant. Avant que l’histoire puisse se terminer, ce mensonge doit réapparaître au premier plan et confronter le protagoniste de plein fouet. C’est ce qu’est le troisième nœud dramatique. Ce moment de faiblesse – cette défaite, qui est d’autant plus écrasante qu’elle survient après une victoire apparente – obligera le personnage à cesser de se tromper sur le mensonge. Il ne peut plus l’éluder. Il ne peut plus faire semblant de l’ignorer. Il doit l’affronter une fois pour toutes – et le détruire ou être détruit.

Construire des arcs narratifs de personnages de K.M. Weiland

Avant de poursuivre, considérons les bases structurelles du troisième nœud dramatique :

  • Le troisième nœud dramatique est un moment de faiblesse pour votre personnage, un lieu de défaite apparente.
  • Le troisième nœud dramatique oblige le personnage à être absolument honnête avec lui-même à propos de lui-même.
  • Le troisième nœud dramatique change une fois de plus le paradigme de l’histoire.
  • Le troisième nœud dramatique lève les derniers voiles et révèle au personnage la véritable nature du conflit.

Le troisième nœud dramatique

La deuxième moitié du deuxième acte a été un lieu où votre protagoniste est devenu enfin autonome. Son adhésion à la vérité après le point médian lui a permis d’agir correctement avec de plus en plus de conviction (et de succès) pendant le reste du deuxième acte. Mais après la victoire apparente qui a clôturé le deuxième acte, le troisième nœud dramatique impose une crise, tant dans l’intrigue que dans l’arc du personnage.

Ce point de crise est le résultat d’un renversement opéré par la force antagoniste. Le protagoniste pensait que le méchant était à sa portée, mais ce dernier a encore un tour dans sa manche. En général, ce retournement de situation s’accompagne d’une révélation totalement inattendue (bien que, bien sûr, pas imprévue).

Parfois, cette révélation sera un rebondissement de l’intrigue, mais souvent, elle ne sera rien d’autre qu’une compréhension soudaine et complète des faiblesses du protagoniste, et de tous les mensonges qui l’ont porté jusque là. C’est cette nouvelle information, plus que toute autre chose, qui permet à votre protagoniste de recevoir le coup final. Il est tellement abasourdi qu’il ne peut même pas se défendre.

Le choix ultime entre le désir et le besoin

En termes d’intrigue, le troisième point consiste à créer un moment « physique » au cours duquel les objectifs du protagoniste sont menacés. Mais en termes de personnage, le troisième nœud de l’intrigue ne dépend pas seulement de « quelque chose de mauvais » qui se produit dans le conflit extérieur, mais plutôt d’un choix intérieur de la part du protagoniste.

Après deux longs actes de l’histoire, il doit enfin choisir entre ce qu’il veut et ce dont il a besoin, entre le mensonge et la vérité. Tout au long de la deuxième moitié du deuxième acte, il s’est convaincu qu’il pouvait avoir les deux. Maintenant, il se rend compte que c’est impossible.

Pour que ce moment ait tout son poids dans l’histoire, il doit s’agir d’un choix déchirant. Quelle que soit la décision prise ici par le protagoniste, il perdra quelque chose de vital. Il peut soit choisir la vérité et perdre son rêve. Ou bien il peut choisir le désir de son cœur et vivre le mensonge pour le reste de sa vie.

La chose que le personnage veut doit être à sa portée. Elle est enfin là, dans toute sa splendeur. Il en a rêvé pendant si longtemps. Maintenant, elle est à sa portée. Tout ce qu’il doit faire, c’est fermer les yeux sur la vérité et tendre la main pour la prendre. Et il le veut tellement, que ce désir le tue presque. Plus l’aspiration de votre personnage à la chose qu’il veut est forte à ce stade, plus votre troisième point d’intrigue sera puissant.

Mais ce n’est qu’un côté du choix. L’autre côté est la vérité – dont il a également réalisé qu’il ne pouvait pas vivre sans. Même si le chant des sirènes de la Chose qu’il veut l’attire presque irrésistiblement, ses yeux s’ouvrent enfin à l’horreur du mensonge. Il frémit à l’idée de sacrifier la chose qu’il veut, mais il est tout aussi dégoûté par la possibilité de devoir rejeter la vérité et de retourner dans l’ombre de son mensonge. Dans Plot vs. Character, Jeff Gerke souligne :

[Le protagoniste] en vient à comprendre à la fois la promesse et le prix des deux voies. En d’autres termes, il en vient à comprendre véritablement son choix….. Le moment de vérité n’est pas complet tant que le héros ne comprend pas non seulement ce qu’il a à gagner en choisissant une option plutôt qu’une autre, mais aussi ce qu’il risque de perdre.

Comme il s’agit d’un arc de changement positif, vos lecteurs savent tous, au fond d’eux-mêmes, ce que votre protagoniste va choisir. Mais plus son choix sera difficile, plus les lecteurs commenceront à douter de sa décision finale – et plus son choix sera puissant lorsqu’il le fera.

L’ancien moi meurt

Finalement, le protagoniste fait son choix, son cœur semblant sur le point de se déchirer en deux. Il choisit la Vérité. Il choisit de rejeter le mensonge. Il ne se permettra plus de vivre selon cette fausse croyance. Il embrasse la vérité et fait ce qui est juste, même si cela signifie (ou, dans certaines histoires, semble signifier) perdre à jamais la chose qu’il veut. (Qu’il obtienne ou non la chose qu’il désire à la fin n’a aucune importance. Pour l’instant, la seule chose qui compte est qu’il est tout à fait disposé à y renoncer).

À ce stade, le choix doit devenir plus qu’une décision ; il doit devenir une action. Ses convictions sont si fortes qu’elles l’obligent à agir en fonction d’elles d’une manière qui solidifie sa nouvelle voie. Il doit brûler ses ponts physiques. Après le troisième nœud dramatique, il ne pourra plus revenir en arrière et changer d’avis pour obtenir la chose qu’il veut, même si sa détermination venait à faiblir.

Métaphoriquement, ce moment est une représentation de la mort du personnage à son ancien moi. Bien qu’il puisse encore faire des expériences tout au long du troisième acte, il est, à ce moment-là, tellement attaché à la vérité qu’il est prêt à mourir physiquement pour elle. En effet, il meurt métaphoriquement, en même temps que son mensonge.

Le troisième nœud dramatique sera souvent marqué par une mort réelle, soit littéralement, soit symboliquement. Si un personnage important ne finit pas par mourir littéralement (comme Obi-Wan dans La Guerre des étoiles), la mort peut être représentée par une météo menaçante en arrière-plan, le personnage perdant son emploi (ce qui signifie une mort professionnelle), la mort d’un animal domestique, un enterrement sur la route ou une notice nécrologique dans le journal. Le motif de la mort doit être organique à votre histoire. Le symbolisme ne peut jamais être arbitraire (par exemple, l’enterrement devant lequel le personnage passe sur la route doit avoir un rapport avec l’intrigue). Mais le spectre de la mort sera presque toujours, sinon au premier plan, du moins à l’arrière-plan du troisième nœud dramatique.

Comment le troisième nœud dramatique se manifeste-t-il dans les arcs des personnages ?

L’arc de votre personnage dans le troisième nœud dramatique peut se manifester comme suit :

  • Une attaque impitoyable contre une ville innocente (y compris des gens qu’il a appris à aimer) lorsque son frère tente de le tuer. Il choisit d’arrêter littéralement de se battre et de sacrifier sa propre vie pour sauver les autres. (Thor)
  • La découverte que Rochester est déjà marié à une folle et que Jane ne peut rester avec lui que si elle est prête à sacrifier sa liberté spirituelle et morale en devenant sa maîtresse. Elle décide que le prix à payer pour être aimée est trop élevé et s’enfuit. (Jane Eyre)
  • L’électrocution de Tim, suivie de la fuite des rapaces. Le Dr Grant décide de faire tout ce qu’il faut pour protéger les enfants. (Jurassic Park)
  • Le retour de sa mère et de son dernier petit ami violent et leur affirmation que ses oncles sont des voleurs qui lui ont menti sur la façon dont ils sont devenus riches. Il choisit de rejeter les mensonges de sa mère et refuse de révéler où se trouve l’argent. (Le Secret des frères McCann)
  • Les autres jouets d’Andy refusent de l’aider à s’échapper de la chambre de Sid, puis Buzz est attaché à la fusée de Sid. Woody réalise qu’il ne peut pas s’échapper seul et choisit d’admettre que le besoin d’Andy de Woody et Buzz est plus important que sa propre évasion. (Toy Story)
  • Ils réalisent que l’un d’entre eux, Troy, a été capturé par des Irakiens et est torturé. Ils décident de sacrifier la moitié de leur or dans un marché pour obtenir des véhicules et revenir le sauver. (Les Rois du désert)
  • Une trahison de la part d’un des membres du cabinet qui conduit à ce que le beau-frère de Matt soit poignardé. Matt décide qu’il est temps de s’éloigner de la violence et d’emmener sa sœur et son fils en sécurité en Amérique. (Hooligans)
  • La dépression psychotique de son psychiatre. Bob choisit d’écouter les souhaits de la famille et de les quitter, même s’ils ont appris à s’aimer les uns les autres. (Quoi de neuf Bob ?)

Autres exemples du troisième nœud dramatique dans les arcs de personnages

Un conte de Noël de Charles Dickens : Sur le coup de minuit, comme Jacob Marley l’avait prédit, Scrooge est visité par le spectre le plus terrifiant qui soit : le fantôme du Noël futur. L’odeur de la mort est miasmique dans cette section. La mort de Tiny Tim est révélée. Mais, plus important encore, la mort de Scrooge et le traitement impitoyable que lui réservent ses connaissances et les étrangers remplissent le troisième nœud dramatique et la majeure partie du troisième acte. Scrooge voit clairement le coût de son mensonge et décide finalement de renoncer à sa richesse et de vivre le reste de sa vie en honorant Noël « dans son cœur » tout au long de l’année.

Cars réalisé par John Lasseter : Au beau milieu de sa nouvelle amitié avec les habitants de la ville et peut-être de son amour avec Mlle Sally, le troisième nœud dramatique de Flash lui est imposé. Doutant de la sincérité des nouvelles vertus de Flash, Doc a fait appel aux médias. Flash se voit offrir l’échappatoire qu’il recherchait depuis le début. Sa capacité à arriver à temps à sa course décisive est pratiquement emballée pour lui. Mais, au même moment où il est confronté à la prise de conscience que la course pourrait signifier l’abandon de la paix et du bonheur qu’il a trouvés à Radiator Springs, Flash doit suivre son équipe au loin pour la dernière course de l’année.

Questions à poser sur l’arc de votre personnage dans le troisième nœud dramatique

  1. Quel événement et/ou révélation bouleversant transforme le succès apparent de votre personnage en sa pire défaite ?
  2. Comment cette défaite a-t-elle été rendue possible par le refus de votre personnage, jusqu’à présent, de rejeter complètement son mensonge ?
  3. Comment cette défaite oblige-t-elle votre personnage à faire face aux véritables ramifications de son mensonge ?
  4. Comment cette défaite peut-elle offrir au personnage un chemin clair vers la Chose qu’il veut ?
  5. S’il emprunte cette voie, comment cela le forcera-t-il à rejeter la Chose dont il a besoin ?
  6. Comment pouvez-vous mettre en place un choix clair et décidé entre la Chose dont il a besoin et la Chose qu’il veut ?
  7. Laquelle choisira-t-il ?
  8. Comment pouvez-vous représenter littéralement ou symboliquement la mort dans cette scène, afin de renforcer la disparition de l’ancien moi de votre personnage, fondé sur le mensonge ?

À ce stade, vous devriez être en mesure de voir comment les nœuds dramatiques dirigent votre histoire dans les coins de l’arc de votre personnage. Le premier nœud de l’intrigue l’a fait sortir de son monde normal et l’a forcé à commencer à réagir. Le point médian l’a réveillé de ses réactions et l’a guidé vers l’action. Mais cette action n’était, au moins partiellement, qu’une réponse externe. Le personnage passe la deuxième moitié du deuxième acte à agir de la bonne façon (pour la plupart), mais il n’a pas encore tout à fait appris sa leçon. Au fond de lui, il croyait encore qu’il avait plusieurs options possibles, même s’il n’y avait qu’une seule bonne option pour lui dans l’histoire.

Comme vous venez de l’apprendre, c’est pour cela que nous avons besoin du troisième nœud dramatique. Le troisième nœud dramatique supprime toutes ces options et oblige le personnage à être absolument honnête avec lui-même et avec sa situation. Dans le climax à venir, votre protagoniste renaîtra de ses cendres, prêt à se battre depuis un lieu de plénitude intérieure. Le troisième nœud dramatique est le lieu d’où il se lève.

Restez à l’écoute : La prochaine fois, nous parlerons de l’arc de votre personnage dans le troisième acte.

Lire les articles précédents de cette série :

Partie 1 : Pouvez-vous structurer un personnage ?

Partie 2 : Le mensonge auquel croit votre personnage

Partie 3 : La chose que votre personnage veut vs. la chose dont votre personnage a besoin

Partie 4 : Le fantôme de votre personnage

Partie 5 : Le Moment Caractéristique

Partie 6 : le Monde Normal

Partie 7 : Le premier Acte

Partie 8 : Le premier nœud dramatique

Partie 9 : La première moitié du premier acte

Partie 10 : le point médian

Partie 11 : La deuxième moitié du deuxième acte

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Écrire un roman

Ce que vous devez savoir sur l’écriture de romans à l’ère du cinéma

Action ! Clap de cinéma
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J’ai une confession à faire. Pour quelqu’un qui passe son temps à écrire des romans, c’est une sorte de profond et sombre secret, alors tenez-vous bien. Je préfère les films aux livres.

C’est choquant, je sais.

Ne vous méprenez pas. Je ne pourrais pas vivre sans livres. Je respire pratiquement les livres. J’engloutis plus de 100 livres par an. Pourquoi ?

Parce que j’aime la façon dont les mots s’alignent sur une page.

J’aime la danse qu’ils créent.

J’aime la précision et l’intensité du métier.

Mais plus encore que j’aime les mots, j’aime les histoires.

Et, d’après mon expérience personnelle, il y a certains aspects de la narration que les films peuvent offrir que les livres ne peuvent pas.

Maintenant, avant que tous les bibliophiles ne se mettent à hurler et à cliquer sur le X rouge dans le coin de leur navigateur, laissez-moi répéter : dans mon expérience personnelle. Beaucoup, peut-être même la plupart, des lecteurs et des écrivains ne seront pas d’accord avec moi. Mais quelle que soit votre opinion sur la supériorité/infériorité des livres par rapport aux films, vous devez admettre que les films ont beaucoup à apprendre aux romanciers.

Ce que le cinéma peut vous apprendre sur l’écriture de romans

Alors pourquoi les romanciers feraient-ils bien d’imiter les films dans certains domaines ?

Lorsqu’il s’agit de raconter des histoires, les films apportent un arsenal sensoriel à la table. Les spectateurs sont bombardés de stimuli visuels et sonores ; on leur montre exactement ce que vivent les personnages, en temps réel. Les romanciers peuvent avoir besoin d’une description paragraphe après paragraphe pour mettre en scène une scène, mais un réalisateur n’a besoin que d’un seul plan. Les écrivains devront se battre pendant toute leur carrière pour « montrer » au lieu de « raconter ». Les films n’ont jamais ce problème.

Les personnages qui ont une personne réelle derrière eux sont immédiatement mis en scène. L’inflexion des dialogues est instantanée. Les expressions faciales transmettent en quelques secondes ce que les mots n’accomplissent qu’avec un effort étudié.

Dans son livre perspicace Lights ! Camera ! Fiction !, Alfie Thompson souligne :

Les scénaristes ont un avantage lorsqu’il s’agit de donner vie aux personnages. Les acteurs et les actrices jouent les rôles qui leur sont attribués et insufflent une certaine personnalité au personnage. …si l’acteur est merveilleusement doué, il peut transmettre un sentiment ou une attitude même si les mots de l’écrivain ne sont pas choisis avec soin. Même si le scénario est pathétique et que l’acteur est aussi épais qu’un arbre qui marche et qui parle, il est difficile pour le public de ne pas voir un personnage « bien équilibré » lorsqu’une personne vivante, qui respire et qui vit dans la vie réelle, se promène à l’écran.

L’avantage que les romans possèdent toujours, même à l’ère du cinéma

Tout cela étant dit, l’écrit nous donne des choses que les films ne peuvent jamais nous donner, y compris :

  • Une voix unique.
  • Une introspection plus profonde des personnages.
  • Un commentaire d’auteur.

Toutes ces choses sont merveilleuses et importantes, mais elles peuvent parfois sembler pâles à la lumière de l’immédiateté visuelle, de la connexion brute d’un film. Sinon, pourquoi la plupart des gens rêvent-ils de voir nos histoires adaptées pour le grand écran ? Bien sûr, la grande majorité d’entre nous ne verra jamais nos histoires sur le grand écran. Mais cela ne veut pas dire que nous ne pouvons pas encore apprendre de ce que j’appelle le facteur cinéma.

Comment renforcer vos romans avec le « facteur cinéma » ?

Je veux que mes histoires se déroulent comme un film dans la tête des lecteurs. Je veux qu’ils voient la progression des scènes, les personnages qui se promènent, le balayage du paysage – comme s’ils regardaient un film. Mes histoires se déroulent comme un film dans ma propre tête.

Chaque fois que vous vous approchez d’une scène importante ou délicate, essayez ceci. Arrêtez-vous, fermez les yeux et visualisez à quoi ressemblerait la scène dans un film. Visualisez tout : les angles, l’éclairage, les directions de la scène. Essayez même d’évoquer une bande son. Les résultats sont toujours intenses.

Cette technique peut faire des merveilles pour vous aider à voir clairement votre travail. Les détails, les couleurs, les petits sons, tous ces merveilleux détails révélateurs, seront au premier plan de votre imagination. Les actions ou les cascades impossibles à réaliser deviendront plus faciles à repérer. Les dialogues inutiles disparaîtront.

En réalité, il ne s’agit que d’une visualisation intense, avec un petit côté dramatique. Même si ce n’est que dans votre vision personnelle, vos histoires seront un peu plus proches de l’intensité d’un écran de cinéma.

Chaque fois que vous pourrez combiner les meilleures caractéristiques de ces deux mondes – films et livres – vous pourrez proposer un produit qui vaut le prix d’entrée de n’importe quel lecteur.

Donnez-moi votre avis : Même si vous écrivez des romans, vous arrive-t-il d’imaginer vos livres comme des adaptations cinématographiques ?

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Montrer et raconter : La manière simple et rapide de faire la différence

Show don't tell illustration - Photo by fotografierende on Unsplash
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On peut dire que la règle la plus importante de la fiction est le vieil adage “Show, don’t tell”, “Montrez, ne racontez pas”! Cela semble simple, n’est-ce pas ? Et pourtant, de nombreux auteurs inexpérimentés (et certains pas si inexpérimentés) se débattent avec ce principe fondamental de montrer et de raconter. Après tout, l’écriture n’est-elle pas toujours révélatrice ? Chaque mot que nous écrivons a pour but exprès de dire au lecteur ce qu’il est censé imaginer. N’est-ce pas ?

La réponse est simple : oui. La réponse pas si simple est oui et non. Personnellement, j’ai toujours pensé que l’aphorisme « montrer et raconter » était mauvais, simplement parce que, pour un écrivain, montrer et raconter les deux revient à la même chose : expliquer une histoire aux lecteurs.

Alors quelle est la différence ?

Montrer et raconter : L’explication succincte

Raconter, c’est résumer. Le récit donne aux lecteurs les faits bruts, avec peu ou pas d’illustration.

Montrer, c’est élaborer. Montrer donne aux lecteurs les détails d’une scène, notamment ce que le ou les personnages voient, entendent, touchent, goûtent, sentent, pensent et ressentent sur le plan émotionnel.

Montrer et raconter : La longue explication

Les différences entre montrer et raconter sont peut-être mieux reconnues dans les exemples concrets. Voici quelques bribes modifiées de mon roman de fantasy Dreamlander.

Raconter :

Orias a fui les soldats. Son cheval a sauté sur une branche d’arbre tombée. Il a entendu quelqu’un lui crier d’arrêter, et il s’est senti nerveux. Les soldats se sont arrêtés et ont pointé leurs fusils sur lui.

Montrer :

De l’arrière est venu le martèlement des sabots. Des branches d’arbre fouettaient le visage d’Orias et recouvraient sa selle de feuilles. Il grinça des dents, le visage plongé dans le grondement qui était devenu sa protection contre un monde injuste. Ils n’allaient pas l’attraper. Ils ne pouvaient pas l’attraper.

Il éperonnait les flancs ensanglantés de son cheval, et ses doigts le démangeaient d’atteindre le sabre gainé sur son dos. Son sang battait dans ses veines, pulsant contre la blancheur de sa peau, aiguisant ses réflexes, réduisant ses pensées à l’intensité d’un rasoir.

Son cheval fatigué trébucha, et les sabots derrière lui se rapprochèrent. Des voix crièrent : « Arrêtez maintenant ! Au nom de Mactalde, rendez vous ! »

Il cracha un serment et esquiva une autre branche d’arbre. Même le nom de l’homme – bien qu’il ait été mort pendant vingt ans – brûlait dans l’air comme une malédiction.

Les bruits de sabots ralentirent et s’estompèrent, surpassés par le bruit rapide des fusils qui s’élèvent pour viser et le clic des gachettes qui se verrouillent en place. Le sang d’Orias se figea dans ses veines.

La différence, bien sûr, est immédiatement perceptible. Le premier exemple donne au lecteur les faits nécessaires, mais le second donne vie à ces faits.

Et comment s’y prendre pour donner vie à ces faits nécessaires ? Ce n’est pas une question à laquelle on peut répondre en une ou deux phrases, simplement parce que toute la fiction est une question de spectacle. Chaque étape, chaque truc, chaque nuance de la fiction a pour but explicite de donner vie aux décors et aux personnages. Aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de montrer, tout simplement parce qu’aucun auteur ne maîtrisera jamais l’art de la fiction. La perfection dans ce domaine, comme dans tous les autres, est une chose que nous recherchons tous.

Par conséquent, la réponse évidente à notre question est simplement de continuer à perfectionner chaque domaine de votre métier. Si vous ne pouvez améliorer qu’un seul domaine mineur du développement de l’intrigue ou des personnages, vous aurez également amélioré votre maîtrise de la présentation. Cela dit, voici quelques suggestions plus précises pour vous concentrer sur ce battement de cœur du métier.

1. Se concentrer sur les sens

La façon la plus simple de donner vie à une scène est probablement de se concentrer sur l’un ou l’ensemble des cinq sens. Dites au lecteur ce que le personnage voit ou sent. Si votre scène se déroule au milieu d’une tempête de pluie estivale, mentionnez l’odeur de l’asphalte mouillé et le chatoiement du pétrole dans une flaque de boue.

Au lieu de vous contenter de dire que votre personnage est entré dans un magasin de fleurs – et de laisser au lecteur le soin de remplir les détails – montrez-nous ce que le personnage rencontre. Parlez-nous de la sonnerie de la cloche au-dessus de l’entrée, parlez des éclaboussures d’écarlate et de jaune, de l’air parfumé. Utilisez votre imagination, creusez profondément pour trouver des petits détails qui feront surgir la scène dans l’imagination du lecteur.

Mais n’allez pas trop loin dans vos descriptions. En particulier à l’époque où la télévision est omniprésente, la plupart des lecteurs ne sont pas assez patients pour feuilleter les pages de description (même si elles sont très réalistes). Vous devez plutôt sélectionner une poignée de détails importants et les disséminer dans votre action et votre dialogue.

2. Utilisez un langage vivant

La précision est le sang de la vie de la fiction. Vous pouvez écrire sur un personnage qui se promène dans la rue, mais à quel point est-il plus évocateur de parler de lui se traînant dans une ruelle ou se promenant dans l’allée ? Utilisez des verbes et des noms spécifiques, et choisissez avec goût uniquement les modificateurs qui partagent des faits importants.

Avant de conclure, je dois noter que le fait de raconter n’est pas sans importance dans la fiction. Il n’est pas nécessaire que chaque scène ou action soit entièrement dramatisée. Des scènes relativement peu importantes peuvent être résumées, des récapitulations d’informations (comme lorsque votre personnage raconte à un autre personnage des informations que le lecteur connaît déjà) peuvent être passées en revue, et des détails désagréables peuvent être évités.

Une fois que vous aurez pris l’habitude de peindre sur la toile plus large de l’exposition, vous constaterez que l’art de la fiction est plus illimité que vous ne l’auriez imaginé.

Donnez-moi votre avis : Qu’est-ce qui vous semble le plus difficile à montrer ?

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7 Idées fausses sur le métier d’écrivain

Idées fausses sur le métier d'écrivain

Comme toute bonne histoire, la vie d’écrivain est un récit d’une profondeur trompeuse. À première vue, elle offre une couverture brillante, artistique et amusante. Devenez écrivain ! Son titre l’appelle, et ses premiers chapitres nous attirent en remplissant toutes ces promesses initiales. Mais plus on s’enfonce, plus on va loin, plus on se rend compte que l’histoire ne se résume pas à un simple regard. Il y a plus d’aventure, plus de conflits, plus de drame et plus de comédie que nous n’aurions jamais pu le réaliser. En bref, il existe de nombreuses idées fausses sur le métier d’écrivain.

Au début de l’année, j’ai commencé à relire mes vieux journaux intimes, à partir de mes quatorze ans (parce qu’à un moment donné, j’ai été gênée et j’ai tout brûlé avant cela). Ce fut fascinant de revisiter mon jeune moi pour de nombreuses raisons, mais l’une des plus intéressantes est de se souvenir de ce que c’était que d’être ce jeune écrivain débutant – celui qui ne savait même pas qu’on faisait des livres qui vous apprenaient à écrire. J’avais pratiquement oublié ce que c’était au début du voyage – d’être sur la toute première page de ma propre version personnalisée de Devenir écrivain !

Jusqu’à présent, l’aventure a été pleine de surprises, et comme j’ai entamé ce voyage il y a vingt ans et que je n’ai plus de complaisance à l’égard des nombreux défis qui me semblaient insurmontables au départ, il est à la fois surprenant et agréable de réaliser que l’histoire de l’écriture est loin d’être une formule.

7 Idées fausses sur le fait d’être un écrivain

Aujourd’hui, j’ai pensé qu’il pourrait être amusant de jeter un coup d’œil sur sept des idées fausses que je croyais (certaines depuis de très nombreuses années) sur l’écriture. Certaines d’entre elles ont été utiles sur le moment et où j’en étais, ne serait-ce que parce qu’elles ont réduit mes options au début et m’ont évité d’être submergée par trop d’options. Mais chacun d’eux était aussi une joie à conquérir sur le chemin d’une bien meilleure compréhension de l’autre côté.

1. L’écriture ne compte pas tant que vous n’êtes pas un « vrai » écrivain

Ce doit être la plus répandue de toutes les idées fausses sur le métier d’écrivain. (Et, en toute justice, le titre de ce site n’a certainement rien fait pour aider). Cela commence par la réalité que nous commençons comme débutants avec un long chemin à parcourir si nous voulons un jour être publiés, prolifiques, ou même simplement professionnels. Mais l’idée que nos écrits ne comptent pas tant que nous ne sommes pas publiés, prolifiques et professionnels est tout simplement fausse.

Les gens me demandent souvent ce qui les qualifie de « vrais » écrivains. La publication est la mesure la plus claire. Mais comme mon jeune autodidacte l’a appris, ce n’est pas toujours aussi clair non plus. J’ai commencé à l’aube du boom de l’édition indépendante, à l’époque où personne n’avait rien de bon à dire sur l’auto-publication (et non sans raison valable). J’ai donc parcouru une route longue et sinueuse pour trouver ce qui me qualifiait de « vrai » écrivain. Était-ce mon premier roman auto-publié ? Était-ce lorsque j’ai obtenu un certain nombre de ventes/suivis/classements ? Honnêtement, je ne sais pas trop où j’ai franchi la limite et décidé que j’étais un « vrai » écrivain. Avec le recul, je pense plutôt qu’il n’y avait pas de limite. Il n’y avait que le passage du temps et l’acquisition d’expérience.

J’ai toujours détesté l’expression « aspirant écrivain » ou, pire, « écrivain débutant ». L’expression « écrivain pré-publié » est plutôt l’une de mes façons préférées de parler de la phase de lancement. Si vous écrivez, vous êtes un écrivain. Et si vous êtes un écrivain, alors vous êtes déjà un « vrai » écrivain. Ne négligez pas ce que vous écrivez dans les premiers temps (et ne le brûlez pas comme je l’ai fait). Vous n’êtes pas moins un « vrai » écrivain au début que vous n’étiez une « vraie » personne dans l’enfance.

2. Il existe un nombre de mots quotidien magique qui prouve que vous êtes discipliné

C’est assez drôle, en fait. La vie d’écrivain est profondément non-normative. C’est différent pour chacun d’entre nous. Et pourtant, les écrivains souffrent de comparaisionnite. Je pense que cela est dû en grande partie au fait que l’immensité de la vie créative nous met tous en mer et que nous nous tournons vers nos semblables pour nous aider à comprendre ce qui peut être « normal » et ce qui ne l’est pas.

Il est certain que cela a de la valeur. Il y a longtemps, je me souviens avoir lu Write Away d’Elizabeth George et avoir trouvé un grand réconfort dans son approche de la planification d’une histoire – parce qu’elle fournissait une base théorique à ma propre approche instinctive. Mais je suis sûre que d’autres jeunes écrivains ont lu le même livre et l’ont trouvé horrifiant parce qu’il ne correspondait pas du tout à leur propre approche instinctive.

Cela va donc de pair avec le comptage quotidien des mots, entre autres choses. Nous regardons toujours furtivement nos pairs, nous demandant combien de mots ils écrivent chaque jour. Nos propres habitudes sont-elles à la hauteur ? Ou sommes-nous sur le point de découvrir à quel point nous sommes vraiment indisciplinés ?

Mais il n’y a pas de sauce secrète. Il n’y a pas de nombre magique de mots par jour. J. Guenther a fait un commentaire perspicace sur le billet de la semaine dernière :

…le nombre de mots par jour peut être une mesure trompeuse du progrès. Je crois que chaque histoire a son propre rythme naturel de développement. Plus vite n’est pas toujours mieux ; en fait, cela peut être dangereux.

L’esprit de l’écrivain n’est pas un micro-ondes ; il ressemble plutôt à un imu, la fosse utilisée pour cuire lentement un porc entier. Il faut du temps pour que le conscient et l’inconscient travaillent ensemble à l’élaboration d’une histoire équilibrée et cohérente. Beaucoup d’auteurs sous-estiment l’importance de réfléchir à des scènes et à des alternatives avant de mettre les mots sur le papier.

Certains écrivains écrivent en grande quantité, huit heures ou plus par jour, en martelant des dizaines de milliers de mots en une seule séance. D’autres écrivent simplement une phrase dans le même laps de temps. La plupart d’entre nous se situent quelque part entre les deux. La preuve de notre discipline en tant qu’écrivains réside beaucoup moins dans la vitesse à laquelle les mots s’écoulent de nous que dans le fait que nous continuons à nous montrer et à les inviter à s’écouler.

3. Le reste de votre vie ne doit jamais être plus important que vos écrits

C’est une chose à laquelle j’ai cru pendant longtemps. Mes mantras étaient « traitez l’écriture comme un travail » et « si vous ne prenez pas votre temps d’écriture au sérieux, personne ne le fera non plus ».

C’étaient de bons mantras, dans la mesure où ils allaient loin. Ils m’ont certainement aidé à affiner la discipline quotidienne. Mais si nous croyons trop strictement à ces idées, nous risquons soit de ne jamais lever les yeux de notre bureau, soit de nous sentir constamment coupables parce que d’autres parties de notre vie se placent en fait au premier rang.

En cette période de malaise mondial, j’ai entendu les uns après les autres des écrivains lutter contre un stress aggravé parce qu’ils ne peuvent tout simplement pas trouver en eux la force d’écrire comme d’habitude en ce moment. Mais si cette pandémie et ses innombrables conséquence ne nous apprennent rien d’autre, je pense qu’on peut dire sans risque de se tromper qu’elle prouve que la vie suit ses propres cycles. Certains jours/semaines/mois/années sont consacrés à l’écriture, d’autres non.

L’une des leçons les plus joyeuses que j’ai apprises jusqu’à présent en tant qu’écrivain est que les jours/semaines/mois/années sans écriture ne signifient pas que je suis moins écrivain. Ils signifient simplement qu’il est temps d’apprendre quelque chose de nouveau, d’explorer, de remplir le réservoir. En effet, je dois dire qu’écrire ne fonctionne vraiment que lorsque le « reste de votre vie » est sur le devant de la scène.

4. La vie d’écrivain suit une feuille de route pré-établie

C’est peut-être parce que j’ai un esprit si linéaire, mais je suis entré dans la vie d’écrivain avec cette conception que c’était une route bien tracée et bien définie. En avançant sur cette voie, les écrivains passent par une progression constante de jalons, un peu comme les années scolaires successives.

Là encore, c’est vrai dans une certaine mesure. Au moins, on commence comme débutant, on passe à la phase intermédiaire, et peut-être un jour on devient « avancé ». Mais au-delà de cette progression, qui n’est influencée que par le temps, le chemin de l’écriture est sauvage et inexploré.

Jusqu’à présent, mon voyage ne ressemble en rien à ce que je pensais. J’ose dire aussi que mon voyage ne ressemble en rien au vôtre, et que le vôtre ne ressemble en rien à celui des autres. Nous venons à l’écriture à tout âge. Nous écrivons pour toutes sortes de raisons différentes. Nos voyages vers la publication (ou non) suivent de nombreux chemins différents. Et même le flux et le reflux de nos intérêts et motivations créatives sont en constante évolution.

S’il y a une chose que je dirais à propos de la vie d’écrivain à ce stade, c’est qu’elle est pleine de rebondissements.

5. Les écrivains sont plus sages que tout le monde

D’une manière vague, j’avais l’habitude de penser aux écrivains comme une sorte de version transcendante de l’humanité. Comme ils doivent être sages. Comme ils sont différents des mortels ordinaires. Je veux dire qu’ils ont leur nom sur les couvertures des livres à l’épicerie, pour l’amour du ciel.

Il est certain que les écrivains dont le nom est remarqué, et encore moins reconnu, ont eu le talent et l’intelligence de faire figurer leur nom sur ces couvertures. Mais à un moment donné, quand vous réalisez que vous êtes un auteur, vous réalisez aussi que vous n’êtes pas devenu plus grand pour jouer ce rôle. Au contraire, votre idée de l' »auteur » devient un peu plus petite. Vous réalisez qu’être un auteur est un défi pour en apprendre plus, parce que vous n’en savez pas assez.

6. Écrire est glamour ou écrire est pour les fainéants

Rien n’arrête la conversation d’un dîner plus vite que de dire aux gens que vous êtes écrivain. Personne ne semble jamais savoir quoi en penser (très probablement parce qu’il n’a jamais obtenu auparavant la réponse à la question « alors que faites-vous ?) S’il arrive que la conversation dépasse les grognements de politesse, vous obtiendrez probablement l’une des deux réponses. Soit les gens se mettent à penser que vous devez être riche et célèbre avec de nombreuses adaptations cinématographiques à votre actif, soit ils vous regardent discrètement dans les yeux en pensant que vous ne faites que couvrir le fait que vous êtes trop paresseux pour avoir un « vrai travail ».

Pour la plupart d’entre nous, l’écriture n’est ni glamour ni un jeu d’enfant. Très peu d’entre nous vivent dans un manoir ou marchent sur le tapis rouge des premières de cinéma. Il est vrai que nous passons souvent de longues heures allongés dans le hamac ou sur le canapé, mais généralement dans une sorte de lutte agonisante pour surmonter nos malheurs narratifs.

Dans l’ensemble, les écrivains sont des personnes incroyablement disciplinées. Ils sont comme des bâtisseurs de corps de l’imagination – toujours en train de travailler, toujours en train de se perfectionner, toujours en train de se soumettre à des plans rigoureux d’amélioration personnelle. En fait, les écrivains sont parmi les personnes les moins paresseuses que je connaisse. Et nous faisons tout cela même si nous avons depuis longtemps été désillusionnés par les notions de glamour. L’argent, la célébrité et l’adaptation cinématographique semblent amusants, mais ce n’est pas pour cela que la majorité d’entre nous fait ce qu’elle fait, jour après jour. Cette citation de Ryan Reudell le confirme :

Peut-être qu’il ne sera pas célèbre. Peut-être que ce ne sera pas un film. Mais ce n’est pas pour cela que je l’ai commencé. Et ce n’est pas pour ça que je vais le terminer.

7. L’écriture est une chose très sérieuse

Après la sortie de mon premier roman, je suis allée au bureau de poste pour envoyer des exemplaires pour commentaire. J’ai dit au postier que c’était mon premier livre, et il a marmonné : « Qu’est-ce que c’est, une romance bon marché ? Mortifiée, j’ai crié quelque chose comme quoi « non, c’était un roman historique sur le devoir et la justice ».

Il m’a fallu beaucoup de temps après pour admettre que ce que j’écris est un mélange de genres pleine d’élan et, oui, une bonne dose de romance. Mais ce n’est pas seulement le sexisme déprimant du commentaire de l’employé de la poste qui m’a fait hésiter à qualifier ce que j’écris d’histoires « amusantes ». C’est aussi la conviction que l’écriture, pour être bonne, doit être très sérieuse.

Il est certain qu’écrire est sérieux. Elle façonne notre monde. Même si personne d’autre que nous ne la lit, elle façonne notre vie. Mais écrire nos histoires est une grande responsabilité, qui n’est pas plus grande que tous les autres mots que nous mettons au monde. Et beaucoup de ces mots sont simplement amusants. En effet, je crois fermement que certaines des histoires les plus puissantes (pour le meilleur comme pour le pire) sont celles qui sont les plus divertissantes.

De nos jours, si quelqu’un me pose des questions sur l’un de mes livres, je commence généralement par la partie la plus amusante.

En vérité, je commence à réaliser que les idées fausses sur l’écriture sont sans fin. Mais je me rends compte aussi que plus nous prenons à la légère certaines idées comme « gospel », plus nous sommes capables de les écarter facilement lorsqu’elles ne nous sont plus utiles. Dans vingt ans, j’ai hâte de lire mon journal actuel et de sourire aux choses auxquelles je croyais, mais qui sont depuis longtemps dépassées.

Et vous, donnez-moi vos opinions ! Quelles sont les idées fausses sur l’écriture que vous aviez autrefois, mais qui sont devenues obsolètes ? Dites-le-moi dans les commentaires !

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2 règles pour prendre le temps d’écrire

Prendre le temps pour écrire
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« Ce n’est qu’une demi-heure » – « ce n’est qu’un après-midi » – « ce n’est qu’une soirée » – me disent et me répètent les gens – mais ils ne savent pas qu’il est impossible de se commander parfois une disposition stipulée et fixée à cinq minutes – ou que la simple conscience d’un engagement peut parfois inquiéter toute une journée. Ce sont les pénalités payées pour l’écriture de livres. Celui qui se consacre à un Art doit se contenter de s’y livrer entièrement, et y trouver sa récompense. Je suis affligé si vous me soupçonnez de ne pas vouloir vous voir, mais je n’y peux rien ».

Charles Dickens (écrit à Maria Beadnell Winter, une amie d’enfance, qui souhaitait prendre rendez-vous avec lui)

Comment se fait-il, j’aimerais le savoir, que Dickens puisse s’en tirer en disant quelque chose comme ça, et que nous ne puissions pas ? Eh bien, c’est Dickens, je suppose. En tant qu’auteur célèbre et aimé, il pouvait s’en tirer en étant concis et même légèrement hargneux. Ou bien est-ce le contraire, c’est-à-dire qu’il était un auteur célèbre et aimé parce qu’il a écrit de telles notes ?

Prendre le temps d’écrire : La plus grande lutte

L’un des plus grands combats (oui, ajoutez-en un autre à la liste) de la vie de l’écrivain est de prendre le temps d’écrire. Pour une raison ou une autre, la plupart des non-écrivains ont du mal à comprendre que l’écriture doit être abordée avec le même dévouement, la même discipline et la même gestion du temps qu’un travail régulier. Les membres de la famille et les amis sont susceptibles de nous lancer des regards blessants et méprisants lorsque nous nous enfermons derrière des portes closes pour un autre soir/une autre nuit/un autre matin/une autre semaine de frappe sur le clavier. Ajoutez à cette culpabilité fâcheuse nos propres tendances à la procrastination, et nos horaires déjà surchargés semblent souvent n’avoir aucune place pour notre écriture.

Mais devinez quoi ? Si vous n’écrivez pas, vous n’êtes pas un écrivain. (Non, désolé, regarder par la fenêtre de la cuisine et rêvasser pendant que vous faites la vaisselle ne compte pas). Toute personne qui a l’intention d’être prise au sérieux en tant qu’auteur doit d’abord se prendre au sérieux – et cela signifie, avant tout, prendre le temps d’écrire.

Vous remarquerez que je n’ai pas intitulé ce billet « Trouver le temps d’écrire ». J’ai dit « Prendre le temps » pour une bonne raison. Si vous mettez votre texte sur le fond de l’étagère avec l’intention de le retrouver dès qu’une minute de libre se présente, vous risquez de trouver un centimètre de poussière accumulée sur votre manuscrit au moment où vous le retrouverez. La vie se met toujours en travers de votre chemin.

Vous devez trouver le temps. Vous devez faire de votre écriture une priorité. N’attendez pas que votre famille ou votre emploi du temps se relâche et prévoyez les horaires nécessaires pour que vous puissiez consacrer une heure ou deux à l’écriture chaque jour. Je n’oublierai jamais une ligne de conseil que j’ai lue une fois (même si je dois admettre que j’ai oublié qui l’a dite) :

Prenez le temps d’écrire. Si vous ne le faites pas, personne ne le fera.

D’après ma propre expérience, la planification du temps d’écriture se résume à deux règles strictes :

1. Soyez cohérent

Fixez-vous comme objectif d’écrire quelque chose six jours par semaine. Donnez-vous un objectif précis – soit un nombre de mots, soit une limite de temps (le nombre de mots vous rendra plus productif, mais une limite de temps est souvent la seule option possible pour les emplois du temps chargés) – et respectez-le chaque jour. Peter de Vries a fait un commentaire à ce sujet,

J’écris quand je suis inspiré, et je veille à ce que l’inspiration me vienne à neuf heures tous les matins.

L’important à ce stade n’est pas tant la qualité de ce que vous écrivez que le fait que vous écriviez. Mon propre temps d’écriture va de quatre heures à six heures cinq jours par semaine.

2. Protégez avec zèle le temps que vous avez choisi

Il m’est arrivé de menacer les personnes qui interrompent mon travail en leur donnant le choix entre une machette ou un lance-flammes. Une fois que je suis à mon bureau avec ma musique, je ne m’arrête pas pour autre chose qu’une catastrophe naturelle. Je ferme la porte, j’arrête l’Internet et j’éteins le téléphone. Il a fallu des années à ma famille et à mes amis pour se rendre compte que je ne veux pas être interrompue pendant ces deux heures, et j’avoue avoir été grincheuse à une ou deux occasions. Mais cela a payé. Pour l’essentiel, on me laisse tranquille dans la solitude. Au lieu de me faire sortir de mon file de pensées par une faveur ou une question qui « ne prendra que cinq minutes », on a appris à attendre que je sorte de ma cellule créative. Mettez le pied à terre, et les gens finiront par apprendre à respecter vos besoins.

Tout le monde ne sera pas en mesure de consacrer deux heures de son temps libre par jour. (Même si certains pourront probablement trouver encore plus de temps que cela.) Évidemment, aussi important que soit votre écriture, ce n’est pas la chose la plus importante dans votre vie. Les gens et les responsabilités passent avant tout. Mais si vous prenez votre écriture au sérieux, vous devrez prendre le temps d’écrire de façon cohérente et ininterrompue. Croyez-moi, cela vaut tous les sacrifices que vous pourriez avoir à faire. Et si vous ne voulez pas me croire sur parole, écoutez au moins ce que vous dit Dickens.

Donnez-moi votre avis : Comment faites-vous pour prendre le temps d’écrire ?